Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Культурные мероприятия так или иначе связанные с Латинской Америкой и Испанией, концерты, выставки, танцы, пьянки.
Ответить
Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Пн фев 08, 2016 23:58

"Граф Орлов", 06.02.2016 в 19:00, Московская Оперетта

Изображение

На четвертый год существования мюзикла, я все-таки на него дошла. И это при неизменной любви к мюзиклам Театра Оперетты. Состав я подбирала с той точки зрения, что мне нужны Дольникова, Маракулин и Ли – те, кого я нежно люблю и безмерно уважаю как профессионалов. на сей раз, впрочем, совершенно случайно, сложился состав совершенно первый, без оговорок, хотя и хотела увидеть лишь упомянутых, на остальных было все равно.

Итого:
Игорь Балалаев
Теона Дольникова
Екатерина Гусева
Александр Маракулин
Александр Маркелов
Сергей Ли
Владислав Кирюхин
Карине Асирян.

Спектакль произвел на меня странное впечатление: красивая картинка, продуманные декорации, однако одновременно с этим некоторая недотянутость всего буквально, как сюжетных линий, так и музыки что ли… Я говорила раньше: это как внешне чисто прокатанная программа, где в итоге обнаруживаются и не докрученные прыжки, и не додержанные вращения. Чего-то не хватает.

Декорации поначалу относительно четко делятся на разные части. Там, где мы видим Елизавету в первом акте – свобода, она легко шествует по декорациям, куда хочет, туда и следует. Герои в этих декорациях и в море, и во дворце. Они делают что хотят и как хотят. Покои Екатерины же напоминают золотую клетку, в которую она заточена. Вся ее власть – ее оковы. Во втором акте все меняется, и уже Екатерина отчасти свободна, а вот Елизавета – в прямом смысле нет, причем в случае Теоны ассоциации с «Собором Парижской Богоматери» самые что ни на есть прямые.

Музыка в спектакле показалась куда менее яркой, чем в том же «Монте-Кристо», а, может, я ее еще не заслушала до дыр. С первого раза запоминается ария Екатерины про «должна» и выступление Радзивилла во втором акте, в том числе, диалог с царицей. Впрочем, не исключено, что из-за Маракулина. Музыка здесь то классически-лиричная, с непременным сильным вокалом, пеной у рта, умираниями, то классически державная, с будто угадывающимися поворотами, со знакомыми переливами. Определенно, у той же Екатерины чуть ли не единственной есть свой музыкальный стиль в этом спектакле.

Самое любопытное – это сюжет. Ох, как он меня поразил своими провалами. Хотя роль Екатерины в истории кажется важной, в реальности спектакль оказывается бенефисом Орлова (что логично) и Елизаветы, то есть в нашем случае Балалаева и Теоны. Пожалуй, из всех образов именно центральный можно назвать наиболее цельным, точнее, его можно сделать цельным, даже несмотря на многочисленные пьяные сцены. Елизавету можно интерпретировать как угодно, особенно так, как подает ее актриса, но понять эту героиню невозможно: она поступает слишком не так, как могла бы при любом рассмотрении этого образа. Екатерина в этом спектакле вообще живой женщиной не выглядит, она – государство.

Сюжет развивается здесь стремительно, причем если в первом акте еще относительно последовательно, то во втором – чересчур быстро. Странная штука, во втором акте в то же время почти ничего не происходит, и очень хочется какого-то развития второстепенных историй. Помимо крупно показанных Орлова и Елизаветы, на задворках сюжета есть и более интересные персонажи: несчастно влюбленный Доманский достоин более подробного раскрытия своей истории, так же, как и Радзивилл. С первым в этой паре не понятно, как его схватили, почему, а со вторым ясно лишь, что отрицательный и хитрый, по крайней мере у Маракулина такой, но откуда привязанность к Доманскому, какова его роль в развитии событий – загадка, чего хочет от него Екатерина – тоже недоговоренность. Получается из роли некая зарисовка образа для придания некоторого привкуса спектаклю, но не более. Радзивилл мог бы вообще остаться недоумением, если бы был сыгран чуть хуже чуть менее ярким артистом.

Основная тема, конечно, любовь до потери сознания и на разрыв аорты, до боли в груди. Собственно, основная пара именно это и изображает: Елизавета во втором акте все больше бредит и несчастна, а Орлов все больше пытается забыться. Какого-то самокапания, поиска выхода, вообще хоть чего-то психологичного хотя бы на уровне «Монте-Кристо» я не увидела с первого взгляда. Безумная любовь – да, и то неожиданно пришедшая и вообще мало чем объяснимая: слишком мало общего у героев. Более того, странная Елизавета не может даже наивностью покорить. Она при встрече кажется хитро-меркантильной. Не понятно.

А основная мысль, которую уловила я – это то, как безжалостно государство, на сей раз в лице Екатерины, раздавливает, рушит судьбы просто по своей прихоти. Просто так. Просто рушит. Не зря в финале Екатерина уже не с заколкой-шапкой в волосах, а с настоящей, и опускающийся в финале, когда всем плохо, занавес – с той же державной атрибутикой. Вот так государство разрушило очередные жизни маленьких по его меркам людей. Больно от того, что вечно актуально. Случайные совпадения вроде потопления турецких фрегатов – пустое по сравнению с этой актуальностью, потому что конфликты между странами приходят и уходят, а государственная мощь не так уж редко обрушивается на простые судьбы, и это происходит испокон веков, и в наши дни повсеместно.

Игорь Балалаев – артист очень профессиональный, но на сей раз он не понравился мне настолько чтобы ах. Для меня его Орлов поначалу – аристократ что надо, но в дальнейшем он просто неправдоподобен. Для того, чтобы изображать слабость, Балалаев слишком силен. Орлов – это повторение Монте-Кристо очень во многом, но артист будто ломает себя, когда изображает пьянки, страдания с алкоголем же, что угодно, а Орлов в этом спектакле минимум половину времени пьян. Странный ход, кстати. В любовь его к Елизавете легко можно поверить, но вот в то, что такой Орлов – почтенный, уважительный и по отношению к себе, и к другим, внушающий почти трепет, падет чуть ли не на дно – не веришь ни на грош. Остается ощущение обмана. Я даже не знаю, какой артист бы сыграл (Маракулина оставим за скобками) правильно. Это вызов, потому что данная роль должна сломать веками наигранные приемы, здесь слишком много разного. И сила, и слабость. И любовь, и ненависть. И уважение, и презрение. Проблема Игоря в том, что он все играет с позиции благородного страдания, а здесь эмоции далеко не всегда благородны. Орлов еще менее однозначен, чем Монте-Кристо, и он часто переходит из одного состояния в другое, а Игорь не может, он остается в одном, поэтому там, где эмоции более просты, он кажется фальшивым.

Теона Дольникова пытается выжать из странно прописанного образа Елизаветы все. Героиня эта нелогична в самом сценарии. В какой-то момент кажется, что она отчаянно наивна, что ее ведут и пользуются ею – Доманский и Радзивилл, эта свита. В другой момент – в диалоге с Орловым – она кажется отчаянно хитрой и меркантильной, но откровенно хитрой, а может, специально напоказ. В третий момент она просто девочка, вдруг влюбившаяся, слабая. Во втором акте она вообще никакая. Она вроде и сильная – не сдается, но уже без характера. Ее силы хватает лишь на бесконечное «нет» на предложение указать иное имя. Дольникова-Елизавета в итоге кажется просто глупой, не столько стоящей на своем из-за принципа, сколько по глупому упрямству. То есть хитрая ли она? Наивная ли она? Слишком не продуман образ в спектакле, чтобы сказать однозначно, что за характер, и это при том, что у нее много времени на сцене. И даже откровенная любовная линия.

Меня очень приятно поразил Кирюхин Владислав. С одной стороны, его Иван – это Петька при Василии Ивановиче. Верный ординарец, везде за своим командиром, лучший друг и вернейший слуга. А с другой внезапно у него проявляется и свой характер. Здесь сцена его спора с Орловым – наиболее сильная, и вовсе не для Орлова-Балалаева, а для Ивана-Кирюхина, поскольку именно этот герой вдруг от оболтуса-Петьки резко переходит к образу русского офицера, которого и Ваней назвать как-то неудобно. Очень жаль, что этот персонаж совсем пропадает в дальнейшим, любопытный весьма.

Екатерина у Гусевой впечатляет, это профессионально сделанный образ, но! Никакая это не Екатерина Великая, и дело не во внешности, а в том, как Екатерина Гусева ее преподносит. У нее вполне получается королева, но не царица. Она могла бы быть королевой в какой-нибудь Франции, или вообще королевой эльфов или вампиров. Потому что Екатерина у нее не правительница земли русской, но обычная интриганка, не царственная, не солидная, а скорее соблазнительная и сексуальная. Ей не хватает какой-то…внутренней опоры, внутренней значимости. Отсутствие всего этого сдвигает ее на второй план. Когда ее называют матушкой, становится, право неловко. Хотя образ прописан в спектакле понятно, гораздо более, нежели у Елизаветы. Она – само государство, она не вольна что-то делать как женщина, она действует отнюдь не в личных интересах. Она рушит жизни как государственная машина. В какой-то момент в Екатерине есть спор между человеком и правительницей, поэтому ей так важно просто имя, как оправдание, но все же ее руками действует сама Россия, отнюдь не милосердная на этот раз. Никакой романтики и даже политики. Незыблемость и даже бюрократия.

Доманский-Ли – это еще одно подтверждение того, что не зря я Сергея обожаю. Профессионален от и до. Казалось бы, роль ни о чем, но сделана так, что характер и суть персонажа понимаешь довольно быстро. Он только появляется на сцене, а его отношение к Елизавете уже очевидно. Сразу понятно, что это не просто вельможа из свиты, что здесь полно личного. Он параноидально подозрителен, он ревнив, пусть и пытается этого не показывать. Едва ли он вообще кому-то верит. Даже «друг» Радзивилл для него сразу становится неприятелем, стоит тому лишь намекнуть, что с Елизаветой что-то произойдет. А Орлов для Доманского – воплощение зла, которое он готов простить ради НЕЕ. Буквально на лбу написано, как много значит ОНА. Именно в эту любовь веришь беспрекословно, именно этого персонажа отчаянно жаль, и очень хочется его понять и узнать, что же с ним происходит дальше. А ведь места в сюжете – чуть, но так профессионально сыграно, что читается все.

Радзивилл – роль довольно пустая, но это же Маракулин! Александр поет как говорит – абсолютно не напрягаясь и абсолютно владея своим голосом. Он откровенно забавляется, изображая своего героя. Из сюжета не ясно очень много, кроме отрицательности князя. Однако Александр сразу наделяет Радзивилла хитринкой, ироничностью, но неправильно было бы сказать, что он не опасается. Он как зверь, идущий и крадущийся, но готовый в любой момент пуститься наутек. В этом его диалог с Екатериной: резкий переход от презрения к лести. Не очень понятно, откуда взялись теплые чувства к Доманскому, из сюжета не читается, но возможно, что из-за наблюдения его несчастной любви. Как человек циничный, Радзивилл отчасти восхищается и жалеет героя, потому и пытается спасти. Не столько отцовские чувства, сколько покровительство. Герой пропадает столь же неожиданно, как и появляется, оставляя легкое сожаление и недоумение. Такое впечатление, что роль вообще нужна, лишь чтобы показать всю крутость Маракулина, даже в эпизоде приковывающем взгляды. Оттого интереснее, каким он был бы Орловым, если бы был им. Кажется, он смог бы быть разным в такой роли, потому что он и правда разный даже в такой мелочи, легко и не напрягаясь переходящий от одной эмоции к другой. Необычайная одаренность.

Цыганка в этом спектакле вообще не ясно зачем нужна. Такое впечатление, что лишь ради того, чтобы Асирян и Савельевой было что играть. Героиня совершенно лишняя и не запоминающаяся. Вроде, и себе на уме, и своеобразная, но совершенно не обязательная.

А еще удивилась малой продолжительности спектакля. Можно было бы делать и длиннее, и лучше прописать характеры, ибо здесь они совершенно необоснованно оказались брошены. Хоть я и видела условно первый состав, далеко не все были для меня теми, кого изображали. Я не буду говорить, что главного героя не было. Он был, но далеко не такой, не настолько точно сыгранный, как хотелось бы, при всем уважении. И тем не менее, люблю Оперетту с ее мюзиклами, но правда, нужна им и новая кровь. Очень хочу таких же потрясений и открытий, какими были в свое время все участвующие в этом спектакле личности. Ведь у Оперетты спектакль – это повествование личностей, артистов, а не как у Стейджа – повествование ради повествования и эффектов. Даже такая поделка Оперетты заставляет думать, несмотря на все проблемы. Это очень немало.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Сб фев 20, 2016 23:31

"Волки и овцы", Мастерская Петра Фоменко, 18.02.2016

Изображение

Меня где-то с января этого года безумно тянет в театр. И я уже не раз в нем побывала. На этот раз моим весьма дорогим (в прямом смысле слова) впечатлением стала «Мастерская Петра Фоменко» с их классической постановкой-визитной карточкой: «Волки и овцы». Поставленный более 20 лет назад спектакль и сегодня собирает полные залы и приводит в восторг зрителей. Но все-таки по порядку.

Состав:
Меропия Давыдовна Мурзавецкая - Мадлен Джабраилова
Аполлон Викторович Мурзавецкий - Рустэм Юскаев
Глафира Алексеевна - Галина Тюнина
Евлампия Николаевна Купавина - Полина Кутепова
Анфуса Тихоновна - Галина Кашковская
Михаил Борисович Лыняев - Алексей Колубков
Василий Иванович Беркутов - Карэн Бадалов
Вукол Наумович Чугунов - Тагир Рахимов
Клавдий Горецкий – Кирилл Пирогов
Павлин Савельич - Андрей Казаков

Это – классическая постановка, практически полностью по тексту Островского (а я пьесу прочитала ударными темпами за один день, и даже читала в антракте) лишь с небольшими вкраплениями «лишних» фраз, которые, впрочем, весьма оживляли действие и придавали чуть больше привычной комедийности происходящему. По сравнению с пьесой и описанными обстоятельствами, декорациями, типажами есть некоторые расхождения, например, в возрасте основных персонажей, несколько во внешности, впрочем, так ли это важно для данного спектакля? Исполнение актерами «Мастерской» свих ролей делает образы выпуклыми, придает им характеры, понятные и осязаемые, отчасти закладывает дополнительный смысл в каноническое произведение. Впрочем, постановка достаточно нейтральная и она просто приятная, без отсылок к современной действительности, а поэтому на века, она просто не может потерять своей актуальности. Спектакль создает ощущение какого-то домашнего уюта, который лишь усиливается приятными впечатлениями от очень хорошего зала в новом здании театра.

В основном спектакль исполнен артистами среднего возраста, причем они играли как молодых персонажей, так и старых (Мурзавецкая). Выделить можно любые образы. Мурзавецкая похожа на ведьму или Бабу Ягу: в темном или даже черном, с длинным сующимся не в свое дело кривым носом (или создающим впечатление кривого), цепкая, бойкая, но пытающаяся при этом отчасти подчеркнуть свою немощь. На темные силы в спектакле похож еще Беркутов, появляющийся во втором акте: он похож на самого дьявола, как по манерам, так и внешне, столь же хитрого и столь же мало понятного и мало предсказуемого. Пожалуй, именно этот персонаж выглядит наиболее отличающимся от всех остальных – как гость с другой планеты, в данном случае, из Петербурга. Все остальные здесь – мило провинциальные, и даже Глафира, в Петербурге пожившая, все же провинциально-проста.

Волки в овцы в постановке, кажется, периодически меняются местами, прячутся и создают образ друг друга. Единственная чистая «овца» - вдова Купавина. Столь мило наивная и невинно забавная. Все остальные или охотятся друг на друга, или обманываются. Очевидное воплощение определения «волк в овечьей шкуре» - Глафира. Слишком живая и карикатурная в черных монастырских одеждах, и очаровательно-нахальная в светской одежде. Ее пара с Лыняевым – это что-то необыкновенное. Она будто рассказывает сказки, как Шехерезада, зачаровывает, расставляет капкан, когда почетный гражданин считает себя свободным, убеждает в свободе, а сама ее незаметно забирает.

Очень впечатляет в своей не особо большой роли Мурзавецкий. Здесь он не просто легкомысленный повеса: он человек, у которого определенно есть позиция, с которой его не сдвинешь. Пусть он в основном молчит, а когда говорит, лучше бы молчал, но позиция чувствуется и ощущается. Купавина – одна из главных героинь – наиболее безобидная личность, ее интонации, голос… Таким сложно привлечь внимание, она будто все время где-то еще, а не на земле и не здесь, сначала она вообще кажется куклой, а не живым человеком. Трудно поверить в существование чувств у нее, до второго акта и до появления Беркутова. Его появление – будто доказательство, что и у воды есть вкус.

Хочется отметить то, как поставлены сцены в спектакле. Каждая из них каждым движением актеров наполнена своим смыслом. Будь то спящий на заднем плане лакей или гамак, либо изящно летящий, либо карикатурно трещащий. Герои взаимодействуют с окружающими предметами, существуют среди них. Они могут скрыться, играя, за шторой, могут в ней запутаться. Тот же гамак – это сети, что же еще. Плетущая свою интригу Глафира на них качается, а попавшийся Лыняев в них запутывается. Один и тот же диван на сцене становится частью разного интерьера: скромный и простой он у Мурзавецкой и покрытый кружевными покрывалами он у Купавиной. Оформление в целом кажется очень теплым, хорошо подходящим к неспешному действию, которое разворачивается перед нашими глазами. Герои плетут кружева интриг, волки и овцы меняются местами, на заднем плане играет теплая спокойная музыка, уносящая в прошлое.

В целом, актеры играют очень спокойно, хоть и комедийно. С одной стороны, спектакль весьма традиционный, но с другой герои все же отчасти выражают свои эмоции комедийно ярко, одними интонациями заставляя зал смеяться. Часть сцен поставлена весьма современно, с современными позициями и действиями героев, что вряд ли было возможно во время действия спектакля, но возможно сейчас. Ничего сверхъестественного или пошлого, но лишь некоторое преувеличение, смотрящееся в спектакле более чем органично. Актеры произносят свой текст, а интонациями порой говорят больше, чем словами, будто передавая еще и мысли своих персонажей.

Отдельно хочется отметить самое начало спектакля. Если в музыкальных постановках есть увертюра, которая музыкально знакомит с дальнейшим действием, то «Волках и овцах» есть некоторая подобная сцена. Начало спектакля в полумраке, почти тьме, фонари выхватывают кружащихся в круговороте времени героев в разные моменты спектакля, произносящих важные для спектакля фразы, еще не понятные зрителю, но происходящие. Что это за вступление? Может, это как машина времени, уносящая нас в то время, когда эти герои жили, любили, обманывали и обманывались. Вступление помогает влиться в спектакль, привыкнуть к нему, познакомиться с героями. Для меня оно прекрасно.

Несмотря на то, что поставлена чуть ли не школьная классика, постановку смотреть очень интересно, даже несмотря на продолжительность спектакля. Она дарит очень хорошее настроение, легкость. Она – для всех зрителей: и для театралов, которым интересно копаться и оценивать, и для просто зрителя, приходящего в театр развлечься, отдохнуть. Она – вечно актуальная и вечно понятная. Она – очень спокойная. Это – спектакль из тех, на которые можно вести любого зрителя, не опасаясь, что может не понравиться. Данный спектакль понравится всем. Что важно: за 20 с лишним лет спектакль не разболтался. Он смотрится прекрасно. Видно, что актерам самим очень нравится играть эти роли. Их удовольствие передается в зал. Невероятные эмоции.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Сб мар 05, 2016 00:34

"Пьяные", БДТ на сцене Театра им. Моссовета, 29.02.2016

Изображение

Первым спектаклем «Золотой маски», на который мне посчастливилось попасть, оказались «Пьяные» питерского БДТ. Показывали их в Театре им. Моссовета. Так феерично я еще не сидела никогда. Это был потрясающий бок бельэтажа, процентов 30 сцены не было видно вообще никак, чтобы увидеть остальную, надо было изрядно извратиться.

Впрочем, как оказалось, не такая уж это и проблема. Спектакль оказался построен таким образом, что получить удовольствие можно было и с таких мест. Сценическое пространство – это некая горка, на которую навалено что-то типа матрасов, по которым бродят, на которых сидят герои спектакля. На заднем плане – бегущая строка с комментариями происходящего, кстати, частично закрытая и не полностью видная с наших мест. В начале и в финале спектакля также участвует экран, на который выводят какие-то дикие пляски очевидно не слишком трезвых людей, причем все это происходит под достаточно странную музыку, даже напевы, контрастирующие с происходящим на экране.

Вообще в спектакле цвет и музыка играют чуть ли не ключевое значение. Цветовое оформление достаточно единообразное и аскетичное: преимущественно черные, темные цвета. Впрочем, яркие вещи тоже присутствуют, но выглядят как цветовые пятна на черно-белом фоне, как оформление какого-нибудь арт-хаусного фильма. Музыка в спектакле – своя для каждого набора героев, соответствующая их статусу, но в то же время то подчеркивающая их состояние, то контрастирующая с ним. Сценическое движение явно четко поставлено: движения героев выглядят продуманными, интересно наблюдать, какой же следующих шаг сделает каждый персонаж. Упадет или поднимется. Хотя все герои пьяные, движения поставлены не с целью показать реально пьяных людей, но театральное движение, стилистику под не владение своим телом при абсолютном владении. Возможно, относительно движения опьянение можно рассматривать как нечто, дающее невесомость, то есть непривычное человеку состояние, заставляющее делать новые открытия, что-то понимать. Даже в движении. Одновременно с этим, пьяные могут просто банально валяться. В грязи, как говорит бегущая строка, и устало наблюдать за происходящим, без сил встать и идти. Могут цепляться за перила в попытке преодолеть земное притяжение. А могут как обезьяны лазить по декорациям, свисая вниз, потом наоборот забираться вверх. Получаются состояния, приближающие к животным: ползание, лазание.

Пьянство вообще здесь довольно относительно. Рассматривается как состояние измененного сознания, когда люди смотрят на мир и друг на друга совсем иначе. Они будто в ином пространстве. Здесь они свободны говорить, что думают, делать, что хотят в данный конкретный момент. Это как сон, действия и слова, произошедшие в котором, исчезают в момент пробуждения. Героев тянет на откровенность, откровенность о себе и своей жизни, откровенность в высказывании того, что волнует, что может не нравиться. Чувство боли у пьяных людей притуплено, и вот уже откровенностью герои могут ранить окружающих, пробуждая их от пьянства. В то же время, пьяное состояние опасно, ведь в него можно заиграться. Герои могут высказать здравую, смелую мысль, но в следующий момент довести ее до абсурда, просто тянуться к ней, так как все тянутся. Пьянство высвечивает, вытаскивает на свет истину, но и искажает ее до уродливых состояний.

Одновременно пьяное поведение, в отличие от снов, влияет на обычную жизнь. Если первый акт – это пьяные герои, пока еще отдельные, лишь в отдельных фразах пересекающиеся, то второй – это клубок, когда герои разных сцен вдруг встречаются и взаимодействуют друг с другом. Их разговоры влияют друг на друга, на сознание, на решения. Столкновения разных пьяных производит выброс чего-то в обычную жизнь. Понимание: верное ли, придуманное ли. Каждый из героев становится катализатором нового взгляда на привычные вещи, слишком ярким катализатором. Как поднесенная к керосину спичка. Пьянство заставляет философствовать, заставляет делать выводы, только на сей раз у выводов есть свидетели, которые могут на выводы повлиять.

Хочется еще подчеркнуть некую религиозную нить в спектакле. Эти пьяные в своих рассуждениях часто вспоминают божественное, связывают это со своим состоянием, делают выводы. Они здесь как младенцы, которые просто следуют чьим-то указаниям: так они думают. Младенцы, животные – кто угодно, почти лишенные разума, но вынимающие из его остатков идеи, слова, движения. Что-то потаенное в каждом человеке, что-то скрытое вдруг вылезает наружу. Не всегда это хорошо, но всегда это правдиво. Пьянство – как лакмусовая бумажка, оценивающая человека.

Одновременно в спектакле есть и не пьяный герой, точнее, героиня. Эта девушка вынуждена общаться с пьяными людьми. Она поначалу как Эллочка-людоедка, может произносить лишь несколько фраз. Она ищет понимания, отклика в чужой душе на собственную. Эта девушка ищет в бессмысленном бреде пьяных что-то близкое. Она радуется, когда находит, но ей и неприятно, когда пьянство доводит хорошую мысль до абсурда, до пародии на саму себя. Это – столкновение трезвости и пьянства. Трезвые ищут понимания у людей, не вполне соображающих. Найдут искры, пытаются разжечь пламя, а оно горит совсем другим цветом. Финальный аккорд – опять то же столкновение, только на сей раз опасна не ментальная рана, не моральная, а самая что ни на есть физическая. Пьяные не контролируют свои действия, и трезвый может пострадать.

Спектакль очень философский. В нем отсутствует единая сюжетная линия, вообще сюжет, но есть идея, рассмотрение с разных ракурсов. Мастерское оформление, как художественное, так и музыкальное, дополняют впечатление. Без музыки спектакль вообще не смотрелся бы. Возможно, не со всеми высказываемыми героями идеями я согласна, но наблюдать за происходящим очень интересно. Исполнен в основном молодыми актерами, но и актеры более опытные в спектакле есть. Здесь они абсолютно свободны, играют с удовольствием, не скованы рамками академизма. БДТ оказался для меня неожиданно новаторским театром. Непростой и многослойный спектакль обо всем: об истине, о ее подаче, о том, что она несет. Да и вообще: про измененное сознание и его возможности.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Пн мар 07, 2016 00:23

"Дон Жуан", Пермский театр оперы и балета имени П. И. Чайковского в проекте "Золотой Маски" и TheatreHD

Изображение

Из всей программы «Золотой маски» для оперы я очень хотела сходить именно на этот спектакль, но задумалась об этом поздно, билет так и не смогла купить. Поэтому была весьма и весьма рада, что спектакль попал в число тех трех, что были отобраны для показа в кино. Так что свой шанс увидеть «Дон Жуан» я использовала.

Спектакль, вне всякого сомнения, достоин того, чтобы претендовать на главные премии фестиваля. Совсем не по провинциальному новаторский, спорный, достойный даже московской сцены. В трансляции мы – зрители – имели счастье увидеть интервью с номинированными на «Маску» актрисами, с постановщиком спектакля, немного узнать о заложенной идее. Надо сказать, идея эта читается довольно просто: оформление спектакля само по себе говорящее и неожиданное, манекены здесь повсюду, думаю, во многом спектакль именно благодаря им знаменит.

Если говорить подробнее об оформлении как одной из лучших частей спектакля, то стоит сказать, что оно выдержано в спокойных тонах с вкраплениями ярких пятен, и лишь одним действительно большим ярким пятном: балом, который выполнен в стиле то ли вечеринки, то ли гей-парада. Такое смешение всех стилей и направлений, где есть место и хиппи, и готам, и даже своеобразной пародии на Кончиту Вурст. Пожалуй, именно эта сцена – единственная, где авторы позволяют всем вокруг быть свободными и не скованными, а не только Дон Жуану.

Скованность – вообще красная линия этого спектакля. Первая сцена спектакля, видимо, в театре отражаемая на полупрозрачном занавесе, а в кино просто выведенная на экран, знакомит нас с тем, кем же являются манекены в спектакле. А это все люди, скованные своими предрассудками и оттого не свободные, и не счастливые. Манекенами полна сцена: они свисают с потолка, их привозят на тележке из супермаркета, они везде. В одежде каждого персонажа нетрудно заметить деталь, заставляющую вспомнить о манекене, и такой детали нет только у Дон Жуана. Живых актеров в спектакле охотно и легко смешивают с манекенами: это и Донна Эльвира, в разговоре со слугой Дон Жуана садящаяся рядом с манекенами и с ними сливающаяся, и Мазетто, откручивающий голову у манекена и заменяющий ее собственной, вставая за ним. Эти герои легко сливаются с безгласными фигурами, что говорит о родстве с ними. Все такие бесцветные и такие агрессивные по отношению к Дон Жуану – единственному, кто живет как хочет и кто по-настоящему свободен. Это родство манекенов и не свободы очевидно во многом: когда Дон Жуан соблазняет Церлину, он снимает с нее цепи, снимает атрибуты манекена, а советы отвергнуть обманщика сопровождаются сбором этих растерянных вещей, которые девушка с отвращением берет обратно.

Впрочем, Дон Жуан в этом спектакле – провальная фигура. Как правильно охарактеризовала ведущая трансляции, он здесь такой импозантный. Как может быть импозантным Дон Жуан?! Все то, что пытались заложить в героя авторы спектакля, все это просто «слито» никакой работой актера. Я не буду судить вокал, ибо не умею, но игра мне не понравилась. Дон Жуан должен быть полон жизни, он должен отличаться от окружающей его черно-белой серости не только костюмом, но и движениями, действиями. А он здесь передвигается как-то с ленцой, лениво соблазняет женщин. Он ничем совершенно не отличается от преследующей его серой массы, и даже более серый, чем они. Как ни странно, но Дон Жуан в спектакле оказался наиболее слабым мужским образом, проигрывающий даже своему слуге. Совершенно не понятно, как такой герой мог вообще соблазнить тысячи женщин: ни харизмы, ни сумасшедшей притягательности. Получился однозначно отрицательный герой, не революционер и не бунтарь, не пламя на фоне сгоревших головешек. Если бы герой был притягателен хотя бы отрицательным обаянием, было бы интересно. Если бы он был таким обаятельным хулиганом, как задумывалось, легко идущим по жизни, просто таким – не желающим зла своим женщинам – было бы интересно. Но нет вообще ничего. Да, импозантный, и это скучно. Никакой симпатии, только недоумение, перемешивающееся с антипатией по отношению к герою.

Пусть даже по костюмам, пусть даже по ролям Донна Анна и Донна Эльвира входят в число людей-манекенов, но две номинированные на «Маску» актрисы горят, играют пламя. В случае с Анной – чуть более спокойное. В целом она получилась скучнее, она все больше наблюдательница, и я бы не оценила образ вообще, если бы не одна сцена узнавания Дон Жуана, когда в героине проснулась ненависть. Даже сцена потери отца и горя – довольно скучная и не слишком правдоподобная, но эта – хороша. Донна Эльвира категорически иная. Это интереснейший образ: она выглядит да, как манекен, здесь даже как офисная работница, с соответствующей прической. Но она то ли абсолютно сумасшедшая, то ли просто женщина в ненависти: с ней не понятно. У нее единственной из женщин здесь нет пары, она сжигает все вокруг себя, она переходит от ненависти к любви и потом опять к ненависти. Она слепая и зрячая. Ее ведут чувства, и этим она интересна. Если уж выбирать между номинантами из этого спектакля, она более достойна.

Вообще все женщины в спектакле однозначно выглядят как сексуальный объект: желанный или уже использованный. Так к ним относятся все мужчины, и не только Дон Жуан, просто у него это приобретает обостренную форму. Даже положительные, казалось бы, герои-мужчины в какой-то момент поддаются желаниям, смотрят на женщин лишь с единственным чувством, а удерживают их те самые общественные рамки, которых не знает Дон Жуан. Его слуга Лепорелло – единственное исключение из этих правил, и единственный здравомыслящий человек из всех героев на сцене, оттого становящийся комичным и чуть ли не клоуном в этой истории. Он ходит в очках, возможно, они как-то защищают его от этого мира и происходящих событий, куда, не видя их хорошо, он не может быть вовлечен. Он забавен, но он адекватен и, кажется, единственный положительный герой, совсем не желающий никому зла.

С музыкальной точки зрения, кажется, сохранены привычные аранжировки «Дон Жуана», что в данном случае не очень хорошо. Абсолютно современное оформление требует каких-то музыкальных акцентов, на фоне же абсолютной классики интересный контраст быстро надоедает. Хотелось бы если не абсолютно новых осовремененных аранжировок – это лишнее, но немного рока. Хотелось бы в отдельные моменты внести аранжировки в роковом стиле. Это придало бы опере красок, огня. Сейчас этого не хватало. Пусть спектакль классно оформлен, но на третьем часу постановки начинаешь зевать, и тут новые музыкальные аранжировки были бы кстати.

Спектакль задуман, полагаю, как комедия с драматичным финалом, но из-за провального Дон Жуана особой драмы не получилось. Скажу более: иногда некоторые сцены в начале и финале напомнили мне «Парфюмера» в принципе. Самое начало: это изучение и опыты над человеческим, преимущественно, женским телом вызывают стойкие ассоциации, да и финал, когда на Дон Жуана нападают толпы людей, имеющих к нему претензии, что он просто скрывается в этом человеческом потоке – тоже. Странно, что такие ассоциации возникли именно на этом спектакле, но возникли.

Считаю «Дон Жуана» сильнейшим претендентом на «Маску». Меня по-настоящему и хорошо удивило оформление спектакля: детально продуманное сценическое пространство, до каждой пуговицы продуманные костюмы. Создаваемая атмосфера – это половина от всех впечатлений, что дарит нам «Дон Жуан». В этом «платье» он стал историей вне времени, которая может произойти когда угодно. Да и люди с веками не меняются: все так же закованные в оковы социальных рамок, все так же не приемлющие тех, кто эти рамки ломает. Мне понравились отдельные актерские работы, и отдельные – не понравились. Мне не показался спектакль провинциальным или безвкусным. Но в нем есть свои провалы, как и свои находки. Думаю, вживую все это смотрелось бы интереснее. Хотя и сложно из-за титров. Отдельный камень хочется бросить в огород кинокомпании, благодаря которой стало возможно посмотреть спектакль в кино: арии надо бы переводить построчно, а не только главную мысль. Да, тяжело читать, но чувствую, что теряется очень многое!

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вт мар 08, 2016 13:50

"Сон в летнюю ночь", Мастерская Петра Фоменко, 07.03.2016

Изображение

Очередным сильным театральным впечатлением для меня стал «Сон в летнюю ночь» «Мастерской Петра Фоменко», номинированный на «Золотую Маску» в этом году. Посмотрев этот спектакль, я опять могу с уверенностью сказать, что эксперты знали, что выбирали, т.к. спектакль достоин ее полностью и абсолютно, по всем параметрам.

Основное, на что обращаешь внимание в этом спектакле – это оформление, стиль, сценическое движение, т.к. перевод кажется вполне привычным. На этот раз ткань, ее движение, эффект, который она создает – главный козырь в руках создателей постановки. Костюмы героев не яркие, выполнены в приглушенных тонах, причем костюмы каждых явно дают понять, из какого они мира: людей или волшебных созданий. Костюмы простолюдинов, ставящих свою пьесу, выглядят наиболее земными, как и они сами. Афиняне – все в белом, жители лесов – приглушенные мягкие краски характеризуют их костюмы. В спектакле за скобки выведена свита Титании, они есть и их нет на сцене. Эти люди, создающие движение ткани – их лица закрыты, они почти невидимы, как лесные эльфы. Видны лишь те, кого надо увидеть на сцене, остальные вдруг исчезают, одновременно оставаясь.

Первая сцена выстроена на удивление графично: четкие движения актеров, как танец. Герои выглядят словно статуи – все в белом на белом фоне, оживают лишь когда говорят, только глаза их выдают чувства, эмоции, какую-то реакцию. История рассказывается так, будто мы видим какие-то рисунки на стенах древних храмов. Замершая история. Лишь Гермия ломает эту графичность, становится живой на фоне этих статуй, заставляет вдруг стать живыми и их, сходит из древнего мифа на землю.

Чарующий лес, в котором происходит большая часть действия – другой. Он обволакивает и затягивает в сон, но он и пробуждает чувства. Здесь нет места графичности. Ткань, ее волнение, которая была лишь статичным фоном в афинских сценах, здесь становится живой, и вот уже перед нами заросли волшебного леса, где-то ухают совы, какая-то мистическая музыка создает атмосферу колдовства. Здесь мы знакомимся с правителями этого волшебного мира – Титанией и Обероном, сыгранными теми же актерами, что изображают афинян Ипполиту и Тезея. Титания случайно ли или специально кажется продолжением той самой Ипполиты, чье согласие на брак с Тезеем, кажется завоеванным и не слишком добровольным. Титания здесь сопротивляется своему супругу, как королева эльфов она живет так, как хочет. Образ Оберона же совсем не выглядит Тезеем с другой точки зрения, хотя пересечения, несомненно, есть. Это самостоятельный герой, похожий на древнего мудрого волшебника, хранителя леса и людей, решившего проучить свою супругу. Оберон и наблюдатель, и действующее лицо, совершенно мистическая фигура. Не знаю уж, как удалось, но Оберон появляется в разных частях сцены и даже зала совершенно неожиданно, так, будто он телепортируется, что не захочешь – поверишь в его волшебную сущность.

Афиняне в этом лесу в своих белах одеждах становятся его частью и его пленниками. Они будто не замечают красоты и опьяняющего дурмана этого леса. Они бегают друг за другом, общаются друг с другом, путаются и оказываются пленниками этого леса. Их судьбами и мыслями завладевает Оберон: он способен дать им великое счастье или отнять его. Он вовсе не отрицательный герой, но относится к людям с некоторым снисхождением, как к низшим существам, чьи жизни целиком в его руках. Его помощник – Робин-Добрый малый. Он похож на веселого бесенка, но беззлобного. Этот герой подвижен, черты его лица ярко подчеркнуты. Он почти все время на сцене, закручивается в самые невероятные узлы. Он лазает по деревьям-тканям, он танцует с персонажами, увлекая и дурманя их. Он забавляется. Едва ли это получилось случайно, но Робин очень похож на Николая Цискаридзе, причем не только внешне, но и движениями. Временами вспоминается Смерть из РиДж, но с той разницей, что здесь Робин – пусть и мистический герой, но действующее лицо, чьи поступки влияют на судьбы людей, и вовсе не несет он зла и боли.

Здесь лишь слегка затронута тема сопротивления высшим силам настоящей любви, но она есть… Если посмотреть на реакцию Лисандра – красивого и трепетного юноши – после закодовывания его каплями растения, можно увидеть, что человеческое его чувство чуть сопротивляется, и он не сразу верит в новую любовь. К чувствам человеческим, искренним, отношение здесь с одной стороны уважительное: Оберон старается помогать любви, как мягкой и благородной (Лисандр и Гермия), так и отчаянной и сумасшедшей (Елена). Чувства Елены здесь вообще доведены до предела: к ней и ее предательству не испытываешь неприязни, ведь все сделано впопыхах и лишь ради любви. Она гоняется за Деметрием, и их бесконечная гонка выглядит комично, когда герои носятся по всему залу и всей сцене. Впрочем, эта героиня кажется растерянной, когда все происходит наоборот, получив желаемое, Елена теряется, и кажется счастливой «по течению», не до конца верит она своему счастью, кажется, сомневается, счастье ли вообще она обрела. С другой стороны, к человеческим чувствам отношение снисходительное: так легко их обмануть и так забавно наблюдать за последствиями обмана.

Помимо центральных персонажей, в чьей сюжетной линии есть и некий трагизм, есть еще и чисто комичные сюжеты. Это Титания, влюбившаяся волею Оберона в человека с головой осла, и простые люди, ставящие с невероятной серьезностью пьесу про Пирама и Фисбу. В первом случае занятной оказывается метаморфоза: голова осла подчеркнуто игрушечная, даже не в театральном стиле, а именно в детском, а персонаж быстро становится ослом сам, начинает думать, как осел. Что это? Извлечение животного из человека? Все люди внутри животные?

Возможно, ведь эта тема имеет продолжение и во влюбленных героях. Пока волшебные создания развлекаются, люди им полностью подвластны, их движения и действия все больше похожи на инстинктивные, они ведомы не человеческим, а животным, эта сущность идет изнутри героев. Так перед нами уже и не девушки, аккуратные и нежные, а разъяренные кошки с растрепанными волосами-шерстью. Елена, кажется, куда раньше оказалась близка к этому состоянию, но и Гермия тоже стала такой, пусть она и не околдована. Что это? Сильный стресс ведет к такому перевоплощению, не иначе.

Хочется отметить блистательный финал. Все-таки совсем не зря правителей людских и правителей волшебных изображают одни и те же актеры. Решение Тезея выглядит логическим продолжением действий Оберона: он теперь стоит на страже любви против самодурства, а Ипполита становится продолжением Титании и ее усмиренной страсти, теперь покорности. Не слишком большой персонаж, ее характер раскрыт через царицу эльфов, как и суть ее суженого. Завершается все, как и у Шекспира, веселым представлением простых тружеников. Они с удивительной серьезностью, но крайне неумело, пусть и со старанием пытаются представить свою пьесу, что это выглядит на редкость комично. Зрители пускают реплики, а актеры выходят из образов и общаются с этими зрителями (молодоженами). Забавно все: получившийся реквизит, взаимодействие актеров, совсем не ставших своими героями, а оставшимися собой, друг с другом. каждое движение буквально вызывает смех. Такое чисто человеческое завершение постановки.

Одновременно вдруг превратившийся из распорядителя празднеств обратно в Робина герой напоминает нам о связи между магией и людьми, и сон ли это был или наяву… Красивый финал.

Хочется отметить сценическое движение: каждый шаг героев выверен, интересно не только, что скажут актеры дальше, но и куда пойдут и что сделают. Актеры много взаимодействуют с декорациями и с залом самим: они выполняют почти акробатические трюки, лазают по свисающим тканям-лианам, заворачиваются в них, перемещаются по залу, забираются на лестницы, встают на ограждения бельэтажа (и как держатся только). Так сам зал оказывается местом действия, и зрители уже не в стороне, а в том самом заколдованном лесу.

А оформление! Помимо раскрашенных светом тканей-лиан, помимо традиционного приема создания волны при помощи ткани, сколько здесь находок! Лесные сцены начинаются с игры со светом: восходящая луна и какой-то персонаж на ней, блуждающие тени, луч, падающий на дыру в полу, которая оттого светится и откуда выбирается Робин! Потрясающее музыкальное оформление, буквально погружающее в атмосферу. Появляющийся то тут, то там Оберон: мистика, не иначе! Оформлено все так качественно, что иногда приходит ощущение нереальности происходящего, ощущения фальши нет совсем, ни на секунду. Поразительный эффект!

Я буду очень даже рада, если «Маска» достанется этому спектаклю. Это действительно выдающееся зрелище, производящее сильнейший эффект на зрителя! Очень рекомендую! Безумно красиво, безумно интересно поставлено и очень профессионально сыграно!

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вс мар 20, 2016 22:47

"Сатьяграха", Екатеринбургский государственный академический театр оперы и балета на Новой сцене Большого театра, 15.03.2016

Изображение

А ведь одна моя хорошая подруга предупреждала меня об опасности «Сатьяграхи» для неподготовленного сознания. Она оказалась права, я действительно была не очень готова, и с трудом дождалась финала. Только мне не очень понятно: из-за материала ли или из-за воплощения, порой настолько комичного, что воспринимать действо всерьез как-то не получается.

Итак, «Сатьяграха» - это полудокументальная опера в трех действиях, поставленная, такое впечатление, по мотивам газетных заметок. Каждое действие состоит из нескольких эпизодов из жизни Махатмы Ганди. Каждое действие также считается рассматриваемым со стороны кого-то из вдохновителей Ганди, а их здесь трое: Лев Толстой, Рабиндранат Тагор и Мартин Лютер Кинг.

В спектакле есть несколько ролей, однако на деле опознать можно разве что самого Ганди. Спектакль – вещь достаточно бессюжетная, исполняемая на санскрите, перевод выводится на экран. Надо сказать, тексты довольно таки банальные и все примерно об одном – о непротивлении злу насилием. Ганди в основном на протяжении всего спектакля на сцене присутствует как статуя и сам наблюдает, в действии участвует мало. Такой вдохновитель и…все. То ли он есть, то его нет. Так как каждый эпизод – как газетная вырезка, но длится он достаточно большое количество времени, становится скучновато от статичности происходящего. Однако есть вещи в сценическом воплощении, которые хочется отметить: постановка мизансцен и работа с массовкой. Особенно хорошо удалось это в первом действии. Несмотря на большое количество присутствующих на сцене артистов, каждый занят своим делом, у каждого, кажется, есть характер. Массовка создает оформление лучше самого оформления, как мне кажется. Очень хорошо сделаны костюмы: такие стилистически индийские, самого же Ганди сделали максимально похожим на оригинал. Костюмы действительно вкусные, совершенно не выглядящие дешевыми, выполненные в определенном стиле. В принципе, по костюмам у меня нет больших вопросов и к третьему действию, где индийского почти нет совсем: что-то универсально-деловое, некие элементы недавнего прошлого, выглядит достаточно стильно.

А вот что вызывает вопросы – это работа постановщика и ответственного за декорации. Из-за их креатива порой трудно было подавить приступы смеха. «Сатьяграха» - это опера максимально условная, оформление должно быть направлено на эту условность. Мизансцены тоже поставлены под условность оперы. Символы, ассоциации – вот с чем стоит играть. А что мы получаем? Максимальное стремление к реализму в ряде сцен, причем порой на уровне самодеятельности. Первая сцена сделана красиво: индийцы, все такое размеренное, все происходит за полупрозрачной кулисой. Но герои находятся на каких-то приступках, любовно оформленных под камни у реки Ганг, сделано это при этом, кажется, из пластика. Выглядит непозволительно дешево! И комично. Но это не все. Одна из индианок что-то делает с оцинкованным (!!!) тазиком, кажется, из ближайшего магазина. Ну непозволительно, чтобы на сцене были узнаваемые элементы современности в такой постановке.

Отдельные аплодисменты за боковые декорации, которые кажутся будто разваливающимися и сделанными из картона. Задник – экран, на который в определенный момент вывели что-то стилистически близкое к мазне школьников третьего класса. Дешево и смешно. Во втором действии появляется этот индийский наставник Ганди, а в руках у него ежедневник. Ну как так можно?! А в последнем действии у одной из актрис на переднем плане, такое впечатление, что в сумке пакет из известного магазина косметики.

Отдельная песня – наставники. Ох, как это воплотили. Во-первых, по-разному. Первый отчаянный приступ смеха – это когда во втором эпизоде первого действия («Ферма Толстого») на сцену выползает сам Лев Толстой, выполненный в самых клюквенных представлениях о его образе. Толстой становится на заднем плане с книжкой и просто стоит как статуя. А под конец Ганди куда-то уходит с ним под ручку. А, это просто провал и комедия, такое невозможно воспринимать всерьез. Во втором действии наставник уже не на заднем плане, и Ганди общается с ним все действие, то есть прием опять другой. В связи с присутствием наставников на сцене, меня мучил интерес, нашли ли темнокожего актера в третье действие, но увы! Мартина Лютера Кинга всего лишь вывели на экран, и все происходило на фоне его речей. Это большая ошибка, что в отношении по смыслу одних и тех же фигур использованы разные художественные приемы, выглядит как не нужное разнообразие. Самое лучшее решение – выводить на экран всех, действие получилось бы более целостным.

Свет в постановке вообще существует сам по себе, живет своей жизнью и с происходящем на сцене не дружит. Хочется отметить и множество интересных находок в оформлении, однако не всегда грамотно использованных. Та же полупрозрачная кулиса вполне могла быть использована, чтобы отнести на второй план наставников, но нет, она используется вообще не понятно согласно какой логике. Почему в какие-то моменты она нужна, а в какие-то нет. Есть интересные находки в оформлении в целом, но нет стройности.

Судить о вокале мне сложно, показалось не очень, самого Ганди не всегда хорошо слышно, голос совсем не яркий. Видимо, выбирали по принципу наибольшей похожести. Сама музыка достаточно оригинальная, но повторяющаяся, в итоге звучит достаточно заунывно, нагоняет сон, а не вводит в транс.

В целом, достойно для Екатеринбурга, я думаю, но вот буквально скользит пофигизм: там не продумано, тут тазик из магазина, а здесь развесистая клюква. Нет единства в оформлении оперы, разные элементы спорят друг с другом. Много поставлено как символика, а на сцене – махровый реализм. Разные приемы для элементов одного ряда… На мой вкус, оформление вообще слишком «бохатое», а интересно было бы делать ставку на минимализм: минимум цвета, но максимум работы со светом. А получилось как-то…не блеск, в общем.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вс мар 27, 2016 22:53

"Юбилей ювелира", МХТ им. Чехова, 18.03.2016

Изображение

Где-то неделю назад я побывала на третьем для меня в этом сезоне спектакле, номинированном на «Золотую маску» как драма большой формы. «Юбилей ювелира» - неожиданно лаконичный спектакль МХТ спорного режиссера Богомолова с поистине великим Олегом Табаковым в главной роли.

Этот спектакль рассказывает нам о почти 90-летнем ювелире, ожидающем неминуемо приближающейся смерти от рака и старающемся лишь дожить до своего юбилея, поскольку именно в этот день он сможет увидеть королеву Англии, с которой он провел несколько часов почти 60 лет назад. Основными действующими лицами в этой постановке становятся сам ювелир (Олег Табаков), его жена (Наталья Тенякова) и наемная сиделка (Дарья Мороз). Эти трое оказываются в центре сложной драмы, разыгравшейся в последние дни жизни ювелира.

Спектакль представляет из себя зрелище весьма неторопливое, в основном, основанное на разговорах, а не на действии, и все происходящее, все переживания – это какой-то итог всей прожитой жизни, находящий свой выход здесь и сейчас. Именно в видимый нами момент времени мы узнаем о ювелире больше, чем узнали бы когда-то еще, вся его жизнь – как длинная история, уже подходящая к концу. Кажется, из троицы на сцене никто не боится смерти: ни ее приближения, ни ее вида. Каждый озабочен чем-то своим, что отвлекает от мрачных мыслей. Мы знакомимся с ювелиром, человеком весьма ироничным, совсем не боящимся приближающейся бесконечности, старающимся просто жить и шутить, имеющем в жизни цель, пусть она и кажется окружающим химерой. Его жена – очень противоречивая роль. С одной стороны, сварливая женщина, с другой – всю жизнь прожившая с тенью иной любви героя за спиной, но сама любящая и преданная. Пришедшая сиделка выглядит призраком в этой семье: она классическая серая мышь, прекрасно это осознающая и смирившаяся с этим. Интересно, что с этой героиней мы тоже знакомимся: она не скрывает своей жизни и говорит о ней безразлично и отстраненно, как будто речь идет вовсе не о ней. Эта героиня хладнокровна, ее мышление абсолютно трезво, на нее не влияют привязанности, поэтому именно она может стать лучшим советчиком и судьей в этой семье, ведь смотрит со стороны.

Королева в этой истории возникает сначала как всего лишь байка из жизни ювелира, но, в отличие от любых других историй, перед нами живой рассказ: эта история записана на видео, где действуют молодые герои в черно-белых тонах. Красивый молодой герой и очень красивая, и мягкая еще не королева, но просто привлекательная женщина. Становится очевидным, что эта тема должна выйти на первый план, раз ей посвящен видео-сюжет. Королева становится тенью, преследующей в первую очередь жену героя, а сейчас, в момент приближения того самого юбилея, на который она должна пожаловать, тень начинает обретать очертания и входить в жизнь семьи постоянно.

Кажется, что даже давние семейные проблемы, такие как сын в Австралии, с которым то ли не хотят говорить, то ли не могут, не важнее этого мифа, так нежно оберегаемого и лелеемого. Это очень большой вызов для жены героя, ведь даже сейчас, прожив всю жизнь в ревности, на пороге смерти своего любимого, она сталкивается с недосягаемой конкуренткой. Как она может бороться с мечтой?.. Все противоречие ее положения мы видим в одном разговоре с сиделкой, заставляющем ее задуматься, что же сильнее: ее обида или ее желание сделать мужа счастливым. Ведь она любит его, пусть сама уже не молода, пусть для нее характерны возрастные особенности характера, как сварливость, как охота за скидками, пусть даже маленькими, как уменьшение своего возраста, тем более нелепое, чем более очевидное на фоне информации о возрасте сына, например.

Сиделка в этой истории могла бы играть роль рассказчика, но она скорее играет роль судьбы, пусть чуть, но корректируя решения героев. Поэтому она так незаметна, поэтому она так безразлична к себе самой. Она на сцене очень часто: в разговорах с семьей или просто в уголке в сцене воспоминаний, где ее просто не могло быть. Конечно, это намеренное оставление героини на сцене, придающее загадочности ее персоне: земной ли она человек или ангел, пытающийся принести немного счастья прожившему трудную жизнь человеку? Сиделка упоминает свою жизнь: район, где живет (судя по всему, отвратительный), родственников (отца), на редкость равнодушно говорит о своем одиночестве и отсутствии детей. Она не менее спокойно говорит о своей работе, о тех своих клиентах, последние дни которых пришлось наблюдать. Что закалило ее характер? Собственные трагедии, остающиеся за скобками, или постоянное наблюдение за людьми с печатью смерти на лице? Или она и правда существо не земное? Трудно понять, но роль ее в происходящем при всей ее незаметности очень велика.

Номинированный на «Маску» за эту роль Олег Табаков исполняет роль легко, очень по-человечески. Его герой очень размеренный, оптимистичный, совсем не демонстрирующий свою боль. Он ведет себя как всегда, чуть эгоистично, чуть иронично. При этом очевидно, что он просто держится изо всех сил. Здесь нет всплесков эмоций, нет скрытого нерва, но есть просто жизнь отдельного человека, которую мы видим. Ключевая сцена – это финальная встреча ювелира и королевы, исполненной то ли приглашенной актрисой, то ли самой его женой. Этот момент – сбывающаяся мечта, то, к чему шел герой всю свою жизнь. Олег Павлович играет сцену с трепетом жаждущей и ждущей души. Встреча долгожданная и жестокая одновременно. Встреча спустя 60 лет разительно отличается от запечатленного на видео эпизода: она более церемонная, холодная, официальная. Несмотря на холодность старости, здесь есть очень человеческое: подарок, собираемый всю жизнь и реакция на него. Королевская церемонность, проявляемая гостьей, кажется, разбивает не просто сердце ювелира, но и всю его жизнь. Когда рушится то, на что так долго надеешься, во что вкладываешь всю свою душу. Становится не понятным, что было бы лучше: такая реакция гостьи на подарок или отсутствие гостьи вообще. Сцена оставляет комок в горле и слезы в уголках глаз.

Хочется отметить то, что спектакль поставлен Константином Богомоловым очень осторожно, с оглядкой на Олега Табакова: чтобы великому актеру и руководителю было удобно играть в этом спектакле. Сценическое пространство продумано: перед нами не просто воссозданная комната какой-то лондонской квартиры, но будто исчезла стена, и мы наблюдаем за этим происходящим в одном отдельно взятом доме. Подглядываем, а вовсе не актеры играют происходящее перед нами. Обстановка квартиры скромная, но убедительная: дешевый стол, стулья, кровать, маленький телевизор, какая-то англоязычная книга на столике, балкон. В то же время, перед нами будто и декорации для теленовеллы: над «коробочкой» расположены экраны, показывающие происходящее и героев со всех сторон. Будто сериал или попытка запечатлеть каждую минуту этой драмы. Экраны периодически опускаются, играя роль кулис, и на них появляются слова, заставляющие задуматься, слова, приближающие к тому, что же на самом деле происходит с героями истории. Слова вовсе не раздражают, но создают настроение, и здесь это единственный искусственно внесенный художественный прием. А может, эти слова – то что думает холодно-статичная сиделка, почти неживая тень, оказывающая такое влияние на происходящее. Работу с экранами хочется отметить еще и с той точки зрения, что совершенно никакие элементы сцены не закрывают от зрителя происходящее на них, хотя, возможно, мы просто очень удачно сидели в зале.

Постановка мрачноватая, так как вызывающая наружу многие внутренние страхи зрителя, но откровенная и качественная. Сделана она очень осторожно и с оглядкой на великого мэтра. Не уверена, что «Юбилей ювелира» заслуживает «Маску» на фоне своих конкурентов («Сон в летнюю ночь» мне понравился больше), но это однозначно стоящая премьера ведущего московского театра.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вс апр 10, 2016 00:54

"Маленькие трагедии", Государственный русский драматический театр Удмуртии, в рамках Золотой Маски на сцене РАМТ, 04.04.2016

Изображение

Аааа. Именно такую эмоцию могут вызывать номинированные на «Золотую Маску» «Маленькие трагедии» Государственного русского драматического театра Удмуртии из Ижевска. Бессмысленно и беспощадно. Возможно, это один из лучших спектаклей регионов России, я не знаю, но серьёзно воспринимать его сложно: не зря же зрители сваливали из зала пачками, так что остались лишь самые стойкие.

Я не знаю, как к спектаклю относиться. Сначала я полагала, что это нечто, сделанное в жанре русского провинциального анекдота с очаровательной атмосферой книг об Остапе Бендере или игр о Петьке и Василии Ивановиче. Однако в какой-то момент начало казаться, что авторы пытались сделать что-то максимально приближенное к авторским прочтениям классики московских театров. Пытались быть современными, а оказались жутко провинциальными в плохом смысле слова. Здесь слишком много всего: то ирония, то излишняя серьезность. Не понятно, что хотели показать, не выдержано единство подачи, пусть даже оформление в едином стиле. Это обидно, ведь если выбрать определенное направление, могла бы получиться конфетка.

Здесь есть определенная неграмотность в работе с музыкой: спектакль прославляет Моцарта, но его музыка почти не звучит, даже знаменитый Реквием всего лишь мгновения. Зато звучит много странной и не очень понятной здесь музыки: зачем? Есть музыкальный эпизод, когда героиня поет (и не похоже, что вживую), но потом еще несколько, совершенно лишних! Работа откровенно неаккуратная и не продуманная. Запомнился еще эпизод, когда вдохновленный Моцарт начинает играть на рюмках. Сцена – вызов для актера, у него должен быть абсолютный музыкальный слух, иначе получится фигня. Собственно, она и получается. Не понятно, что и зачем здесь ему надо было изображать. Музыкой звуки рюмок не назовёшь.

Сама постановка…странная. Такое впечатление, что намешано очень много идей. В спектакль будто внесли все, что вообще в голову пришло. Есть и очень интересные идеи, есть что-то совершенно специфическое. Еще постановка, такое впечатление, устарела лет на 20-30. Она старается быть современной, но приемы, здесь используемые, к современному театру не имеют отношения. Современность – это лаконичность. Посмотрите, насколько лаконичен и продуман фоменковский «Сон в летнюю ночь», при том, что в уста актеров тоже вложен классический текст. А это? Здесь очень много декораций, костюмов, эпизодов. Слишком большое внимание уделено какой-то бытовухе. Она просто смакуется. Смакуется, как героиня застилает постель, как она моется. Смакуется тема секса. Зачем? Это здесь абсолютно лишнее. Впечатление, что пытались быть смелыми, но какими-то дешевыми приемами.

Сами декорации очень спорные. Мне безусловно понравилось оформление вокзала: банк «Скупой рыцарь», кафе «Моцарт и Сальери» и тому подобное – это блеск. Но остальное – обнять и плакать. Очень часто и много в картине появляются ванны, перемещающиеся по сцене с диким грохотом. Ладно, в один момент героиня изображает в ванне Диту фон Тиз, но эти ванны активно используются и дальше. Ладно бы они несли смысловую нагрузку, так ее нет. Сами декорации в целом меняются очень неаккуратно и шумно, нет плавной смены одной на другую. Слишком подчеркнуто и слишком откровенно. Так нельзя, это просто не профессионально. Использование экранов – отдельная песня. Пока там лишь повторы, это не страшно, но в спектакле есть специально записанные для него эпизоды: едва ли они видны с задних рядов, экраны размером с не очень большой телевизор.

Все это требует обработки и доведения до абсурда, ведь направление выбрано любопытное. Моцарт и Сальери – их можно считать относительно традиционными, но вот персонажи… Дон Гуан – любопытный персонаж с внешностью и повадками гопника. Его женщины, откровенно пропагандирующие сексуальность. Все это надо было бы демонстрировать с большей долей иронии. А то получается, будто смотрим эпизоды дешевого сериала. Затянуты абсолютно все сцены: вечеринка, разговоры, действия. Я уже говорила, много внимания бытовухе. Спектакль спокойно можно было бы сократить вдвое. Самое неприятное, что на всю эту клюкву очень плохо ложится классический текст. Настолько плохо, что не воспринимается вообще никак.

Актеры. Гм. Их игра местами очень и очень заштампована. Много крика, бессмысленного крика, игра не очень разнообразна. Местами слишком театральна, и это вовсе не прием. Сальери – это чтение текста как в школе на уроке, такое впечатление. У остальных многое сериально, в происходящее трудно поверить.

В целом, получилось на редкость мусорно. Интересные находки, типа игры с убитым доном Карлосом, соседствуют с откровенной дешевостью, типа смакования секса. Совсем не ложится классический текст, да и весь посыл странный: если мы сравниваем Моцарта и Сальери, то гениальность первого должна быть видна, а, глядя на весь этот балаган, поверить в нее может только умалишённый. Опять же нет единства приемов: Моцарт с Сальери то на заднем плане, то нет, почему? Если брать жанр русского анекдота, то надо резать половину и реально доводить происходящее до абсурда, до колик в животах зрителей. Брать стиль и действовать. Получилось бы что-то в стиле «Дня выборов». Тогда Моцарта и Сальери тоже делать эпизодом, наверное, а не подавать так трагически серьезно. Собственно, излишняя серьезность в отношении происходящего все и губит. Можно считать «Маленькие трагедии» еще и пародией на современный театр, но опять не справились!

Финал тоже не додуман. С одной стороны, относительно философский сбор, будто тайная вечеря, но не додуман до конца. С другой: борщ! Герои вообще весь спектакль что-то едят, зачем это… Ну и «Рюмка водки на столе» как приговор происходящему.

P.S. Не зря на сцене половину времени часы, удобненько. РАМТ в какой-то момент начал включать свет в зале, видимо, тоже надеялись, что все, но не тут-то было.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вс апр 17, 2016 23:03

"Вий", Новосибирский театр музыкальной комедии на сцене РАМТ 12.04.2016 (в рамках "Золотой Маски")

Изображение

Все-таки провинциальные спектакли – это всегда лотерея: могут попасться как откровенно трэшовые образцы, так и вполне достойные экземпляры. Совершенно неожиданно для меня новосибирский «Вий» оказался в числе вторых. Ироничный, умный, достаточно хорошо сделанный, оставляющий приятное послевкусие – такие спектакли редкость.

Надо сказать, что в РАМТ собралась совершенно удивительная публика: много профессионалов, например, Максим Дунаевский или Егор Дружинин. Было очень приятно оказаться среди них и иметь возможность услышать, пусть и краем уха, их впечатления.

«Вий» - это очень лаконичное музыкальное высказывание, выполненное в определенной стилистике, цельное и интересное. Костюмы и декорации однозначно привлекают внимание: продуманные и стильные, без серьезных огрехов. Настроение создают как декорации, так и участники массовых сцен. Впрочем, эти сцены я бы назвала минусом спектакля: их хореография немного мусорна, герои делают много всего и невпопад, не очень просто разобрать, о чем поет хор. А ведь именно с массовой сцены начинается спектакль, в которой зрителя знакомят не столько с главным героем, сколько с обстоятельствами и миром, в котором он существует.

Хома Брут выделяется как главный герой чуть позднее, даже в сцене дороги он еще лишь один из троих, пусть и выразительный. Лишь в избе его главность становится очевидной, когда именно он оказывается наедине со старухой-панночкой. Стиль, в котором поет панночка, поначалу режет слух: оперно-опереточная манера кажется чужеродной мюзиклу, но позднее понимаешь, что мистический герой может себе позволить быть таким. Очень хочется отметить ее вид: максимально простое платье, делающее будто бледнее ее кожу. Все это превращает ее в живого призрака, а не в живого человека. Движения достаточно порывистые и, скажем, не натуральные. Интересно, что при этом первом столкновении Хома имеет дело еще и с некоей болотной кикиморой, кажется, которая вьется вокруг него и некого жезла, как около шеста. Впрочем, движения ее не плавны, то ли специально, то ли случайно, мне не очень понравился этот момент.

В дальнейшем действие концентрируется на Хоме Бруте, благо, исполнитель роли хорошо для нее подходит и хорошо с ней справляется. Интересно, что одет он максимально просто на фоне разноперых костюмов массовки: черное почти монашеское одеяние, что символизирует то ли его простоту, то ли его бедность. Сам актер обаятельно лопоухий, с достаточно выразительным, но простым лицом, для роли он подходит идеально. Понравился его голос и та ирония, с которой он делает своего Хому. Никакой излишней серьезности, лишней трагедии в его игре нет, как и во всей постановке.

3 ночи Хомы Брута совершенно не затянуты, единственный промежуточный элемент, помимо общих сцен и достаточно юморного обсуждения происходящего и покойницы, это дуэт героя и хуторянки Алены – выдуманного и нового персонажа. Обаятельная девушка, кажется, знает больше, чем показывает. Веришь не столько во внезапную любовь, сколько в жалость с ее стороны к Хоме. А он…Он ищет спасения, так как пусть и уморительно, но вполне убедительно напуган.

Ночи с панночкой – это не столько разнообразие, сколько страх и беготня героя от ведьмы, примерно одинаково забавные. Первая самая ночь, как ни странно, запомнилась больше всего. Возможно, из-за определенной неожиданности пробуждения ведьмы, тогда как ко второй и третьей ночи это было уже ожидаемо. Да и приготовления Хомы заслуживают внимания: тут и чтение молитв в пародийном на священников ключе, и самоубеждение. Не очень понятно, что происходит, чем заканчивается каждая ночь, но очевиден страх героя.

Финал оставил меня в некотором недоумении по поводу Хомы Брута. Самый же финал – это некое кольцо, когда история заканчивается примерно так, как и начинается, с той же музыкой, но уже без главного героя.

Спектакль этот – живой организм, явно по-разному исполняемый каждый раз. Актеры явно получают от него удовольствие. Немного меня покоробила хореография, не всегда четкая смена декораций, плюс опереточная манера пения, не столько эстрадная, при том, что голоса у артистов очень хорошие. Исполнитель главной роли весьма харизматичный, и я была бы не прочь увидеть его и в московских постановках. Очень озорное и умное высказывание, и даже по режиссеру спектакля видно, какой он: чертенок из табакерки! Неожиданно сильно, и сейчас обидно, что эта постановка не получила ни одной «Маски».

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Пн май 09, 2016 21:51

"Сказки Пушкина", Театр Наций, 07.05.2016

Изображение

Спектакль, на который я хотела попасть весь сезон и на который ой как трудно купить не слишком дорогие билеты. Впрочем, пусть и не очень длинный, этот спектакль того стоит. Очень профессионально и талантливо сделанное зрелище, которым рано или поздно очаровываешься.

Я не могу сказать, что «Сказки Пушкина» цепляют и увлекают с первой минуты. Нет, они как сложный деликатес: к ним нужно привыкнуть и их нужно распробовать. Кто-то не справлялся и уходил, но, к счастью, таких было ничтожно мало. «Сказки Пушкина» сделаны в стиле японского театра кабуки, а в целом это весьма авангардное зрелище. Его трудно назвать в полной мере драматическим спектаклем: артисты используют микрофоны и много поют, что приближает происходящее к мюзиклу.

Спектакль можно назвать достаточно графичным: несмотря на сложный грим, костюмы и прически, оформление весьма лаконично и до некоторой степени минималистично. Очень продуманно сценическое движение: каждый жест, шаг актеров отмеряны чуть ли не с линейкой, выглядит происходящее очень органично и четко. Никакой грязи в движениях, ничего лишнего. То же можно сказать и о самих актерах: они играют в очень жестких рамах, когда прописан каждый вздох и улыбка, импровизации совершенно нет места, здесь она была бы неуместна, могла бы развалить весь этот превосходно продуманный, вычищенный перфоманс. Каждый из актеров на своем месте, четко знает, что ему делать в данный конкретный момент. Хочется отметить Евгения Миронова в роли рассказчика, явно загримированного в стиле канонического образа А.С.Пушкина, необыкновенно органичного в этом спектакле. Он хорош и в поставленном движении-танце, и в некоторых музыкальных фрагментах, и в чтении сказок. Роль Евгения не менее, чем остальные, подчинена грандиозному замыслу режиссера, не менее прописана, и в ней он хорош, необычно увидеть его в таком образе.

Казалось бы, что определенную сложность могла представлять адаптация не всегда коротких сказок Пушкина для сцены в один не очень длинный спектакль. Действительно, сказки несколько «порезали», оставив самую их суть, самых основных героев. Оригинальный текст вложили в уста персонажей фразами, иногда намеренно путая последовательность реплик («Сказка о рыбаке и рыбке»), придавая некоторую отрешенность происходящему. Очень осторожно укоротили «Сказку о царе Салтане», оставив самые узнаваемые фразы на месте, основную сюжетную линию. В целом, классические стихи в устах актеров звучат органично, пусть даже используются лишь отдельные фрагменты оригинального текста. Использование полного текста, безусловно, привнесло бы ненужной «грязи», когда артисты не знали бы, куда деться от словесных излишеств.

Костюмы героев-людей, как и грим, прически оформлены преимущественно в черно-белой гамме, с вкраплениями ярких цветов, как румянец, например. Рассказчику позволено иметь ярко-рыжую шевелюру. Внешне образы, конечно, каноничными не назовешь, и не только из-за выбеленных лиц: рыбак в одноименной сказке похож на Смерть с косой, вот только с удочкой, старуха – уже сразу на какую-нибудь морскую злодейку из диснеевского мультика. Три девицы под окном напоминают более всего фарфоровых кукол, а царь Салтан – не поверите, Тони Старка. Впрочем, такие ассоциации, конечно, лишь мои проблемы. Я уже упоминала про вычищенность движения: движения героев очень кукольные, реакции их из сцены в сцену аналогичные. Все как у кукол, будто заложенная программа. Действие в определенной степени имеет особенность повторяться, некоторые фразы произносятся рассказчиком и затем повторяются героями не единожды, что лишь подчеркивает эту кукольную эстетику.

В отличие от костюмов, декорации позволяют себе быть цветными и даже блестящими. Однако они не отступают от принципа лаконичности: на сцене всегда минимум предметов, символизирующих что угодно, с которыми актеры не столько взаимодействуют, сколько играют свои роли на их фоне. Декорации достаточно активно и часто меняются, но их смена остается в тех пределах, когда не вызывает раздражения.

В этом спектакле все просто необыкновенно четко и слаженно взаимодействует, представляя зрителю этот сложный организм. Свет дружит с происходящим на сцене, музыка, в том числе очевидно написанные для спектакля фрагменты, уместны, звучат по-разному, но одинаково хорошо отражая происходящее на сцене, декорации – емкие, но лаконичные одновременно. Актеры, играющие как отличная команда, каждый знает свое место и каждое свое движение. Сценическое движение здесь – это вообще что-то, просто надо видеть, настолько профессионально поставлено.

Спектакль, правда, немного холодноватый, но очень талантливый и – снова повторю это слово – профессиональный. Видно, что постановка не российских авторов, хотя бы по подходу: это совершенно другой театр, на нашей сцене такое увидишь редко. Актерам не дается свободы в принципе, здесь они вписаны как части механизма. Можно сказать, что у «Стейджа» подход тот же, но там он куда менее обоснован: у них актеры создают образы, которые могут быть разными, а максимально одинаковые, здесь же актеры – вписанные в происходящее части действия, которые просто не могут меняться, не должны в такой строгой постановке.

За последние месяцы просмотров множество спектаклей «Маски», мы видели ижевскую постановку Пушкина – «Маленькие трагедии», превратившиеся сами по себе и не по воле режиссера в комедию. Автор той постановки говорил о современности, но современно – это так, как поставлены «Сказки Пушкина». Тоже много персонажей, но настолько четко прописано место каждого, что нет ощущения лишнего. Безусловно, спектакль Театра Наций – пример грамотно и необычно поставленного спектакля.

Как выразилась моя мама, это – высокохудожественно. Спектакль сделан красиво, необычно, с определенной долей юмора. Я не уверена, что он уместен для детей, но ребенок перед нами сидел и смотрел с интересом. В общем, от «Сказок Пушкина» осталось очень приятное послевкусие: действительно сильная постановка.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вс май 15, 2016 23:47

"Поющие под дождем", Театр "Россия", Stage Entertainment, 14.05.2016

Изображение

Как обычно в своей манере я отправилась на очередную постановку Stage Entertainment в последние недели проката. К моему удивлению, пусть аншлага и не было, но не было и совсем пусто. Зрителей было вполне достаточно. Экран с указанием состава на сей раз не работал, так что узнавать главных действующих лиц пришлось у служащих: Иван Коряковский (Дон Локвуд) – Юлия Ива - Роман Аптекарь – Анастасия Стоцкая – Александр Суханов – Михаил Шац – Татьяна Лазарева. Состав очень медийный, что для меня было сюрпризом. Я лично очень хотела увидеть Стоцкую, но была почти абсолютна уверена, что ее заменят: она же должна была судить Евровидение, скандал и ее отстранение вышли случайно, но Настя играла.

Наверное, в этой постановке очень чувствуется, что основана она на фильме. В первую очередь, это ощущается из-за обилия фоновой музыки, каких-то танцевальных номеров, но достаточно небольшого количества песен. Я не могу сказать, что здесь слишком много диалогов, нет, их количество нормальное, но именно общие и танцевальные номера делают спектакль чуть менее привычным для меня. У главных героев совсем немного, если вообще есть, сольных номеров, и назвать их всех однозначно яркими не получается. Конечно, запоминается и узнается центральная песня под дождем, но опять же, в первую очередь, срабатывает эффект узнавания. Но стоит признать, что мотив привязчивый, известность его не столь удивительна, лично мне вспоминается фигурист Томаш Вернер с программой на эту музыку. У второстепенных персонажей музыкальных номеров порой вообще нет, например, у героев Лазаревой и Шаца.

В целом, мюзикл выглядит современно, пусть и как обаятельное ретро, но это стиль, а не устаревание материала, как я считаю. Общая черта мюзикла – много показного кривляния, будто все артисты пародируют то самое немое кино, о котором поставлен спектакль. В связи с таким стилем, никакие личные трагедии героев не могут восприниматься серьезно, но и не надо, это же комедия. Здесь все танцуют, причем как что-то более-менее традиционное, так и степ, достаточно, к слову, надоевший прием.

Хочется отметить также аккуратность в оформлении спектакля. Декорации достаточно разнообразны, но сменяются они очень аккуратно, темнота приходит в зал буквально на секунды, но этого хватает. Иногда артист может в луче света исполнять какую-то песню, и в это время идет смена декораций и действующих лиц. Много использовали светящегося и яркого, как афиши, как витрины магазинов и вывески клубов. Впечатлили сцены в финале: когда занавес мы видим и из-за кулис, и из зала. Поставлено с эффектом полной смены точки зрения, даже если в реальности она не менялась. Очень естественно поставлено и качественно. Костюмы героев сделаны со вкусом: порой они очень простые (одно из платьев Кэти, например), но на сцене смотрятся просто шикарно в сиянии софитов. А костюмы Лины – это настоящий голливудский шик. Мужчины одеты очень вкусно и элегантно. Костюмы балета тоже продуманы, они вовсе не обязательно одинаковые, совсем нет, но сочетаются и образуют определенную картинку на сцене.

Массовых сцен, как я упоминала, много и даже слишком, порой балет присутствует в сценах, где герой в общем-то в помещении в окружении ограниченного числа людей. Это стирает грань между правдой и выдумкой, грань между реалистичностью и условностью. В танце кружатся множество пар, пусть и есть центральная. Пары могут быть лишь плодом воображения. Балет создает в нужные моменты разные настроения: то это киношная суета, то прохожие, увлекаемые героями, то зрители в зале. В какие-то моменты массовые сцены без основных героев нужны очевидно для подготовки персонажей к дальнейшему действу, например, но даже в такие моменты массовые сцены вставным зубом не выглядят. Сцены сделаны какие с иронией, какие – с романтическим настроением, какие – в стиле чуть порочном даже. Но выглядит красиво.

Из всех актеров, занятых в мюзикле, из дублирующего состава оказался Дон Локвуд – Иван Коряковский. Очень понравился! Хочется отметить и его красивый голос, и умение преподнести себя, и хорошие танцевальные навыки. Настоящий главный герой. Живой и чувствующий. Кинозвезда, несколько уставшая как от своей славы, так и от того, что в нем перестали видеть живого человека. Единственное, чего, возможно, мне не хватило: химии с Кэти Селден – Юлией Ивой. Впрочем, в этом я склонна винить Юлию. Роль показалась мне сыгранной в стиле всем известной Кирстен Стюарт: с вечно одинаковым выражением лица. Хотя нет, выражений было несколько: обычное счастье и недоуменное удивление. Собственно, все. Совсем остается непонятным, что вообще Дон мог найти в этой девушке, она кажется весьма плоским персонажем, хотя по задумке таким не является. Ее реакции неестественны, а поцелуи с Локвудом ничуть не лучше его поцелуев с Ламонт на экране. Не очень точно оказался показан переход от ненависти к любви с ее стороны: показалось фальшиво и не искренне. В любовь с ее стороны не верю. С точки зрения пения я не могу Юлию упрекнуть: ее манера мне более всего напомнила Наташу Быстрову. Разве что Наташа всегда мне больше нравилась. Также есть очевидный плюс: Юлия двигается просто волшебно, словно неземное создание, но для роли этого маловато.

Хочется, тем не менее, отметить, что ее голос к внешности Насти Стоцкой вообще не подходит. Совсем. Стоцкая – звезда, и в этом спектакле она явно «бьет» Юлию Иву по уровню мастерства. Ее Лина как раз должна быть двухмерной героиней, и Стоцкая с удовольствием кривляется в этом образе, показывая и глупость, и гонор своего персонажа. Очень хорошо поработала она над манерой говорить, коверкание ею голоса выглядит естественно, контраст между шикарной внешностью и голосом прибавляет комедийности. Сольный номер ее является одним из самых запоминающихся эпизодов в спектакле. Есть ли у ее Ламонт личные переживания? Ну, да, удар по ее самолюбию, и Настя ведет эту линию весь спектакль. В Лине она показывает все худшие качества, которые только могут быть. На фоне Ламонт Селден реально теряется, и никакой шикарный голос не сделает из по сути серой мыши звезду, что бы на сцене ни говорили. Однако одно остается для меня загадкой: зачем было брать на роль поющую – и прекрасно поющую – артистку, если в спектакле хорошо петь от нее не требовалось? Мне это остается не понятным. Есть некоторое ощущение обмана, так как услышать Настю настоящую хотелось. Хотя для нее это хороший актерский опыт.

Из второстепенных персонажей запоминается Космо – необыкновенного обаяния персонаж, причем очень качественно исполненный. Конечно, его второстепенность чувствуется, он как хвостик за своим другом Доном, но есть в нем свои таланты и своя изюминка, которая не дает ему затеряться. Из пары Лазарева-Шац больше нравится она. Татьяна все-таки хорошая артистка, здесь она играет почти себя, но играет, вписывается в атмосферу. Шац же играет режиссера, но по большей части сводится это лишь к произнесению реплик почти без эмоций. Достаточно скучный вариант костюма лишь дополняет ощущение «слабого звена» в этом спектакле, несмотря на всю медийность.

Музыка в спектакле симпатичная и не привязчивая, кроме заглавной песни. Этот номер из-за дождя действительно выглядит ярко, а уж первые ряды партера реально были облиты этими лужами со сцены. Хочется восхититься, как устроили этот дождь и, в частности, отведение воды, выбрали покрытие сцены, что она казалась совсем сухой во втором акте.

Несмотря на общий солнечный настрой постановки, реального смешного юмора в спектакле почти нет, все больше романтика и некоторая комедийность подачи, но не остроумие или ирония, за исключением разве что одной из сцен съемок Лины и Дона. Тексты достаточно нейтральные и милые. Спектакль я бы не назвала холодным, но он четкий: идеально отрепетированный, конкретно исполняемый. Как я упоминала в одной из рецензий, каждый артист знает свое место и имеет определенные рамки роли, так что подача образов, какой бы хорошей она ни была, все-таки на автомате.

В целом, мы получили отличный отвлекающий от реальности спектакль, что-то, идеальное для кризисных времен. Не детское, ура, но светлое и легкое. Не вызывающее, не провокационное, но доброе и вечное. Очередной сюжет про Золушку, если хотите. В следующем сезоне на сцене театра «Россия» мы увидим Золушку реальную, что гораздо более традиционно для Стейджа, я думаю.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вс сен 04, 2016 23:18

Ледовое шоу Magic on ice, МСА Лужники, 04.09.2016

Изображение

До последнего я не знала, пойду ли на шоу Magic on ice, так как уже традиционно компанию не нашла (ибо даже прошлогодний снег интереснее чего бы то ни было, предлагаемого мной). Однако так же традиционно пошла в одиночку, взяв билет буквально накануне, когда самой дешевой категории почти не осталось. Для меня в дешевых билетах на стадионы есть своя прелесть: как близорукий человек, для меня нет смысла садиться близко, все равно многое не увижу, а как далеко сидеть в таком случае – значения не имеет, ибо бинокль. А издалека бинокль не приходится перенастраивать все время при приближении и отдалении действующих лиц. Но это так, отвлечение.

Шоу можно назвать условно разделенным на 5 категорий: классика, попса – наиболее традиционная музыка для показательных, какой-то бит-бокс (даже не знаю, что это такое и как правильно пишется), электронная музыка (ди-джеи) и рок (Кипелов). Пожалуй, последние две категории из всего шоу показались самыми значимыми и интересными. Причем дело в самой постановке, а вовсе не в участвовавших в отделениях фигуристах.

Хочется отметить, что шоу получилось удивительно цельным и органичным. Здесь один номер перетекает в другой, нет долгих и нудных представлений участников, часто для фигуристов это просто их имя, отраженное на льду. А даже когда участников представляют устно, это звучит быстро и не мешает шоу. Общего сюжета нет, есть только тематики. Общие номера есть, но чаще всего есть какой-то солист, будь то одиночник или пара. Я не могу отметить выдающуюся хореографию, скорее, что-то средне-стандартное, но есть кое-что другое: выдающаяся работа со светом. Участники всегда и в каждом номере с ним взаимодействуют: на льду можно видеть картины, эффекты, откликающиеся на движения фигуристов, живущие с ними. Сверху это видно куда лучше. Здесь много спецэффектов: с огнем, водой, светом, снегом. Эти спецэффекты очень хорошо встроены в номера: они правда становятся их частью, не нарушают конструкцию, но поддерживают ее.

Пожалуй, внимание ко всем участникам шоу здесь одинаковое: и на льду, и на сцене, за исключением Кипелова. Даже фигуристы-звезды не выставляются как основная изюминка, но существуют в рамках шоу. Таким образом, здесь все солисты, и массовки просто нет. На сцене же существуют певцы, музыканты, балет, порой представляющие собой что-то очень интересное. Смотреть фигурное катание под живой звук – особое удовольствие, и здесь даже не имеет значение, насколько титулованный пианист за инструментом, но надо же как-то подчеркнуть его значимость. Интерес же в секции классики представляет балет, на который я смотрела мельком, но обратила внимание, что их танец поставлен невероятно музыкально.

За поп-часть отвечала певица – лауреат международных конкурсов. Она удивительно красиво и разборчиво исполняла свою партию, а ребята на льду с разной степенью выдумки и красоты катались, порой получалось весьма проникновенно, как, скажем, у Маши Сотсковой. Запомнилась Юля Липницкая, но запомнилась сама, не в привязке к своему номеру. Еще в первой классической части очень удивил Михаил Коляда – как своим хорошим скольжением, что он даже выделялся на фоне коллег, так и каким-то настроением, он понравился публике.

Особенно впечатлила часть с электронной музыкой и световыми эффектами. Совершенно не понятно, кто солировал на льду, ибо катались ребята в светящихся костюмах. Причем не дешево светящихся, а так, что на льду, казалось, разыгрывалась настоящая анимация: все казалось нарисованным, но блестящим, ярким и очень вкусным. Сплетение разных видов искусства. Однако все внимание было приковано после к сцене, где настоящий класс показали танцоры: насколько выверенная, отрепетированная, великолепная у них была партия, потрясающий номер. Четкие и слаженные действия, умение работать со светом и со своим телом. Это было невероятно, еще более, чем на льду. Они работали друг с другом, с чужими телами, с предметами, это было очень профессионально.

Невероятно понравились танцоры на льду Виктория Синицына и Никита Кацалапов. Я не ожидала их здесь увидеть, была очень приятно удивлена. Когда они вышли на свой номер, показалось, что перед нами творится волшебство. Такое взаимодействие, такие красивые движения – настоящий танец! В шоу участвовали и другие танцоры – бывшие наши и бывшие азербайджанцы Юлия Злобина и Алексей Ситников, но они для меня – даже не половина впечатлений от наших «американцев».

Однако совершенно ясно, понятно, четко было, что главное блюдо – Кипелов. Настолько главное, что оставшиеся наши настоящие звезды, которые должны были кататься под Кипелова, намеренно были будто задвинуты на второй план, пусть им это и не помешало (особенно ВСНК). Однако весь кайф от голоса и мощи Кипелова нарушила абсолютно отвратительная настройка звука: слова практически в каждой песне было абсолютно не разобрать. Удивило, что самая хитовая «Я свободен» сопровождалась довольно посредственным номером, где главным был Миша Коляда – я думала, песню отдадут «тяжеловесам». Хотелось кого-то, кто сможет вложить именно в эту композицию на льду больше.

Фигуристы катали почему-то только часть каждой композиции, так что суммарно звезды на льду провели меньше времени, чем юниоры из первой части. Понравилась Аделина, но показалось, что она еще не в форме, впечатлила стильная Столбова с неожиданно весьма харизматичным Климовым, однако это не помешало ей сорвать выброс. Волосожар и Траньков, конечно, звезды, и их, как и остальных звезд, было ОЧЕНЬ МАЛО. Буквально один сольный выход, и то не полноценный.

Так что к недостаткам шоу можно отнести смазанную концовку со звездами, когда Кипелов представляется более важной фигурой, чем они сами. И это при том, что все предыдущие солисты и фигуристы были равными действующими лицами. Еще мне не понравилось наличие гимнастки в шоу. Это, конечно, вкусовщина, но одинаковые трюки в каждом шоу, не имеющие ничего общего с фигурным катанием, мне категорически не нравятся. Хорошо хоть других акробатов не было.

Еще хочу отметить, что костюмами не заморачивалась. Создалось впечатление, что сольники фигуристы катали в своем, а костюмы для общих номеров были максимально простыми. Впрочем, учитывая выбор музыки, это даже эффектнее, чем пух и перья. Мне не мешало.

Однако в целом шоу оставило очень хорошее впечатление. Сделано очень профессионально, очень хорошо поработали со светом и эффектами, с общей режиссурой, за исключением нескольких мест. Приятно было увидеть наших фигуристов. Очень была рада, что МСА была заполнена процентов на 80, с учетом цен на билеты, это прилично. Даже лишний билетик спрашивали. Я всегда удивлялась, почему при нынешней возросшей популярности ФК шоу у нас крайне мало, разве что новогодние детские и редкий Авербух. Хотелось бы, чтобы ситуация менялась, надеюсь, Magic on ice – первая ласточка. Публику шоу собирают. Ну и буду очень рада, если в составе участников будут не только наши фигуристы.

P.S. Публика, похоже, восприняла шоу очень благожелательно. Конечно, разные мамочки чуть побухтели по поводу большого количества не детского Кипелова, но ледовое же шоу не обязательно для детей! А так были очень довольны. Все-таки сегодня мы получили именно ледовое шоу, где лед – важная вещь, а не просто очередную сказку, разыгранную на льду.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вт ноя 15, 2016 22:45

3 часа в Париже, концерт звезд французских мюзиклов, Кремль, 14.11.2016

Изображение

Я сходила на этот концерт: ждала практически с нетерпением. Хотя, честно говоря, не так уж много французских мюзиклов я слушала, но была совсем не прочь услышать что-то новое для себя, ну и увидеть мюзикловых артистов: практически гарантированно прекрасных. Прекрасными были: Сесилия Кара, Грегори Баке, Люк Мервиль, Брюно Пелетье, Кьяра ди Бари, Мэтт Лоран, Микеланджело Локонте, Лоран Бан, Солаль, Наташа Сен-Пьер.

Общее впечатление: халтура со стороны всех, кроме артистов. Постановки номеров никакой, вплоть до того, что даже не все мюзикловые номера были подписаны. Причем даже они были подписаны лишь названиями мюзиклов, но не собственными. Общая концепция была такова: в первом акте зритель погружается в атмосферу Парижа с красивыми, но далеко не всегда знакомыми песнями и далеко не всегда мюзикловыми. А вторая часть практически вся – мюзиклы. Даже частично перевода песен не было, разве что лист-вкладыш программы концерта в программке. Кажется, на предыдущих концертах мюзикловых хоть пару строк, но переводили. Из декораций – только экран по центру сцены, где то выдавались одни и те же кадры, зачастую, странного содержания, то просто показывали поющих артистов. Артистов никто не представлял, только если они сами представляли друг друга, но такой чести удостоены были не все.

Костюмы у всех почти достаточно монотонны: у мужчин обычные брюки-пиджаки-рубашки, у женщин платья, причем совершенно не обязательно сочетающиеся друг с другом. Здесь только Микеле отличился ставшим обязательным уже костюмом его Моцарта.

Сам концерт открывался общим номером, в котором визуально приняли участие все, кроме Локонте. Первая часть – не очень мюзикловая, настолько, что публика (немногочисленная) успела заскучать и заметно разочароваться. Не на это люди билеты брали, при всей красоте голосов и профессионализме артистов. Подойти к сцене в Кремле невозможно, впрочем, как и отойти от нее. После нескольких неудачных попыток, артисты перестали заниматься этим бесполезным занятием.

В первом отделении нереально, потрясающе, до глубины души поразил Брюно Пелетье и его ГОЛОС. Остальные как-то померкли на его фоне… Нечто. Так красиво и так легко. Девушки, которые очень много пели в первом отделении, не очень впечатлили, хоть каждая из них обладала этим потрясающим шармом, легкостью, за которую можно любить французских артистов в принципе.

Вторая часть – мюзикловая. Самый ожидаемый и самый разочаровавший меня артист – Микеле Локонте. Уж насколько он был прекрасен, энергичен, крут на концертах Моцартов, настолько здесь он был не к месту. Если все пели свое мюзикловое и что-то еще, то Микеле пел только Моцарта. Tatoue-Moi в его исполнении показалась сейчас невероятной халтурой: кажется, что артист в принципе не парился, как ее петь, ну и спел кое-как. «Розы» были эффектней и лучше исполнены. Но ни в одной из песен не было того удивительного драйва, красоты, чего-то, что держит и не отпускает. Сам Микеле выглядел уставшим уже от Моцарта, каким-то потяжелевшим. Слишком отчетливо видно было, что он совсем не заморачивается, чтобы сделать свою работу здесь качественно. Он был в стороне от остальных, общие песни даже и не пел (ну, «Соборы» чуть-чуть – из общего образования, видимо, а вторую заключительную – вообще нет, впечатление, что просто не стал учить слова). 2 песни для главной звезды шоу – вообще не серьезно. Раз уж пошла такая пьянка, то можно было навесить ему в качестве полезной нагрузки что-то не мюзикловое, или неожиданное (спел бы те же арии Сальери – был бы тот еще прикол). А так получилось, что как всегда, но на порядок хуже. Кажется, что он вообще не способен меняться и чуть расширить то, что он делает. Это обидно. Так много букв, потому что очень разочаровалась.

А вот кто стал для меня культурным шоком – это Лоран Бан! Не видела я его до сей поры в мюзиклах, кажется, но здесь он был звездой! Красивый голос, абсолютный профессионализм, потрясающее умение быть разным! Какой он Сальери! Ни капли не хуже, чем всем привычный Флоран Мот. Сколько энергии и эмоций! Просто бальзам на душу после откровенно халтурившего Локонте! И в Белль он был невероятно хорош! Вообще восторг просто. Если Брюно Пелетье – это голос, то Лоран – это обаяние, энергия, голос, артистизм и профессионализм. Готова записываться в фанатки.

Я уж не знаю, кто виноват, что во время Danse mon Esmeralda случились проблемы с микрофоном. Кажется, даже и не микрофон вовсе, так как после его замены стало не намного лучше, будто глушилки какие. Но артиста (не опознала, ух, не всех я знаю в лицо) было откровенно жаль. Явно убежденный, что зрителя не должны касаться технические накладки, он исполнил свою партию от и до, так, что было страшно, как бы он не сорвал голос. Очень неприятно, что так произошло, и не ясно, как такое вообще могло быть возможно.

Волшебные «Соборы» пели все, пели красиво. И так это трогательно! Ностальгия…

Зал был наполовину пустой. Не знаю, как там на бельэтаже и балконах, но в амфитеатре народу было откровенно мало. Все-таки цена билетов делает свое дело. Артистам дарили цветы, более всех получил тот самый Локонте, который менее всех на сей раз их заслужил. Подарить цветы позволили только в конце концерта (я цветы не дарила – просто наблюдение). Мужчины-артисты были невероятно хороши все, кроме упомянутого артиста, девушки чуть слабее, на мой взгляд, хотя понравилась Сесилия Кара. От этой компании на сцене веет таким обаянием, так приятно просто их слышать и видеть… Впечатления все же остались хорошие, несмотря на все неурядицы.

Но да – халтура всех постановщиков шоу. Просто привезли артистов, выпустили кто в чем был на сцену – и вперед. Будь артисты чуть менее прекрасны, было бы очень печально. И это при очень дорогих билетах! Да что там, даже программка (куда менее качественная, чем в том же МДМ) стоила 500 рублей!

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Сб ноя 26, 2016 22:32

"Анна Каренина", мюзикл, Театр Оперетты, 18.11.2016

Изображение

Никогда не могла подумать, что анти-дримкаст в первый просмотр способен доставить столько отрицательных эмоций. А ведь все было хорошо: и играли прилично, и спектакль весьма достойный, но ужасные страдания причиняет мысль «а вот как бы здесь смотрелся N…».

Итак, состав: Екатерина Гусева, Дмитрий Ермак, Игорь Балалаев, Дарья Январина, Владислав Кирюхин, Андрей Александрин, Карине Асирян, Максим Заусалин, Оксана Лесничая, Лика Рулла, Александр Маркелов, Элла Меркулова.

Начну, собственно, с самого спектакля. Это очень стилистически (и даже слишком) узнаваемый мюзикл Театра Оперетты, достаточно качественный, сделанный по каким-то до боли знакомым лекалам спектакль. Стоит признать, что здесь основательно поработали над декорациями: все это богатство, эти смены декораций смотрятся очень здорово. Очень грамотно поработали с достаточно часто встречающимися сейчас экранами: выглядит весьма правдоподобно. В целом, куда достойнее того же «Графа Орлова». В плане декораций с «Монте-Кристо» сравнивать нельзя, так как явно пошли по пути некоторого правдоподобия, тогда как в «Монте-Кристо» было куда больше условности.

Мне очень понравились костюмы, хотя и чувствуется временами некоторая вторичность, скажем, платье Анны во втором акте (красное) очень напомнило платье Мерседес. Кажется, что художники по костюмам (не костюмеры!!! подчеркиваю разницу в терминах) решили оторваться по полной и выплеснуть на сцену все свои мечты о роскоши и богатстве: столько мехов, красивых и блестящих платьев. Можно рассматривать бесконечно. Хотя, скажем, черное платье Анны на Гусевой мне не очень понравилось: будто визуально увеличивает ее руки, шикарно в нем она не выглядит…

Что мне не понравилось: дикое количество самоповторов. Трудно не увидеть некоторую схожесть Распорядителя и Бошана, подход к постановке из номеров схожий, пусть даже Заусалин свой образ строит абсолютно иначе. Но его роль в целом, его номера – очень напоминают. Сцена с катанием на коньках – жуткий самоповтор относительно «Графа Орлова». Конечно, парные поддержки должны производить эффект на публику (на меня, как ФК-поклонника, не производят), но ощущение вторичности не покидает, что здорово мешает. Также вижу сильную схожесть с «Монте-Кристо» относительно работы с как бы толпой и ее приговариваниями, только сейчас на месте Вильфора Анна.

Я уж не знаю, кого за это благодарить, но… КЛЮКВА!!! КЛЮКВА!!! Сцена с косцами и Левиным в деревне – это жуткая, откровенная, вся такая явная клюква!! Меня так на смех пробило, еле справилась. Сразу вспомнился весь такой в лаптях Лев Толстой с книжкой на заднем плане в привезенной в этом году на «Маску» «Сатьяграхе» екатеринбургской… Мы тогда просто покатывались с него, а здесь прямо совсем того же уровня прием. Но, я понимаю, провинциальный театр побаловался клюквой, но московский!! Ну как так?! Та же обожаемая мной и любимая «Маяковка» в «Русском романе» без клюквы обошлась, хотя там тема деревни очень сильна: разве что стог сена в углу есть, но на этом все! Клюква!! Эти сцены просто невозможно воспринимать серьезно. Здесь реально только лаптей и не хватало. Да, сложно, но надо было думать и приложить усилия, чтобы изящно выйти из клюквенной ситуации.

Нарушений логики, от которых мозг взрывался в «Графе Орлове», здесь практически нет, за исключением жуткой несостыковки времен года, когда Левин и Кити едут в Петербург и собираются взять с собой Анну. У них в деревне еще косцы и клюква, а у Анны уже увядание и снег. Понятно, конечно, что хотели передать настроение Анны, но получилось, что Левин и Кити ехали к Анне месяца 3, не меньше.

Музыка здесь пока не очень запомнилась. Пожалуй, даже меньше, чем в «Орлове», где сходу запомнилась «Бог дал мне власть». Однако не по мелодии, а по впечатлению запомнилась ария Анны про «Анна Каренина…Анна Облонская», ну и выступление Каренина про благодарность, но это трудно не запомнить. Остальное какое-то ровненькое и довольно блеклое. Вот такого яркого что-то и не припомню.

Ну, а теперь по персоналиям. Екатерина Гусева как Анна Каренина мне реально понравилась. Ее Анна – гибнущая, катящаяся вниз женщина. Пожалуй, хотя она и кокетлива, и привлекательна, но она совсем не всегда реально производит впечатление, которое нужно. Когда она появляется, совсем нет ощущения «петербургской стати», про которое поют, она ничем, кроме платья, не выделяется. Да и платье, пусть красивое, но… оно не играет на впечатление, и сама она не добивается вовсе того эффекта, который ждешь. В первых сценах вообще сильно не ясно, почему Вронский ею заинтересовался, так как выглядит она достаточно посредственно. Вообще все как-то слишком резко в этих сценах, и притяжение-любовь слишком резко, да и не получается у них обоих – и Екатерины, и Дмитрия – эту любовь играть. Екатерина вообще играет женщину, которой, как минимум, неприятно это проявление внимания, и она вполне натурально бежит от Вронского, и избегает его как маньяка.

Однако ее освобождение происходит в сцене, где он ее в ночном наряде обнимает. Не то чтобы появилась химия – нет ее совсем, но происходит что-то с ней самой. Эта Анна будто разрешает себе быть свободней, она влюбляется в само состояние любви, она хочет кому-то отдавать, а Вронский – он попал под раздачу. Она просто освобождается и сбрасывает оковы – вот что с ней изначально происходит. На любовь не особо похоже, на самом деле. Большой любви основной пары не так уж много времени уделено, все больше начинающемуся закату Анны как личности и ее личному пути вниз, ее взаимоотношениям с Карениным, ребенком… А ухудшение отношений основной пары вообще наполовину за кадр вынесено, разве что один дуэт в финале. Однако не покидает ощущение катящегося вниз поезда (ох, поезд) – вот, что происходит с этой Анной. Да, она реально в своей депрессии становится слепа и безумна. Не факт, что от любви, но от потери себя. Ее «Анна Облонская» пробирает до мурашек и комка в горле – это дорогого стоит. Анна у Гусевой очень сильно меняется по ходу действия, но в первую очередь сама, и лишь отчасти благодаря другим.

Ермак как Вронский – это части анти-дримкаста для меня. Ну не люблю артиста, ничего не могу поделать. Какой-то он безвкусный, пожалуй. Сильно ли он меняется по ходу спектакля? Меняется, но очень трудно распробовать его характер в начале. Как-то он пресный. В любовь к Анне не верю, да и не верю в очарование ей в принципе. Достаточно самовлюбленный тип, на самом деле. Гораздо более органичен холодным карьеристом в финале, чем в самом начале. Не для меня, вот.

Каренин. Ай, авторы. Такое впечатление, что, понимая, что Маракулин в принципе никакие главные роли играть не хочет, решили второстепенную сделать побольше. Здесь был Балалаев – не вызывает он отрицательных эмоций и трогает, но опять же, «а вот как был бы АМ» портит все впечатление. У ИБ совсем не отрицательный и не жестокий Каренин, но глубоко оскорбленный. Он для Анны пытается играть роль отца, причем не отступает от этого желания до последнего. Конечно, он ей – «золотая клетка», но неприязни не вызывает. Очень сильная у него партия про благодарность, вызывает восхищение.

Левин и Кити. Кирюхин классный! Однако хочется поругать режиссера: первая сцена мучений из-за отказа Кити показана ну на редкость шаблонно. Все эти метания… Вообще неестественно смотрелись. А дальше Левин стал равнозначен клюкве. Не, он в клюкве вполне органичен. А еще он очень органичен в любви к Кити, в которую веришь от и до! Ах, какая красота их признания! Просто замечательно! Очень понравились. Искрение, очень искренние. Кити – чудо как хороша и свежа, и да, очень похожа на Быстрову Январина. Ну очень, что можно перепутать. Такая милая наивная девушка, но на самом деле достаточно сильная. Эти двое воплощают все настоящее, а не наносное, поэтому они такие светлые и приятные.

Распорядитель. Поначалу не понравился совсем, потом прямо прониклась. Подача своеобразная. Никакого дьявольского обаяния у героя нет, но он все-таки от темных сил: бесенок, который наблюдает за происходящим и кайфует от этого. Такой наблюдатель в замочную скважину. Смотрит и хихикает. Он вообще не добрый. Мне интересно думать, что он здесь – некий мистический персонаж, какой-нибудь призрачный машинист или что-то близкое, что-то мифическое, имеющее и свою собственную историю за плечами. Он всегда за спинами, но невидим. Понравился. Вообще считаю, что такая подача роли – это спасибо Максиму Заусалину; наверное, у безумно желаемого мною к просмотру Бирина подача совсем другая, хочу видеть.

Больше никого выделить не могу, так как эмоций и желания о них писать они не вызвали.

В целом, получился шаг вперед для Театра Оперетты: гораздо более качественная постановка. Но, глядя на эту отечественную поделку, еще сильнее хотелось бы переноса на нашу сцену чего-то французского, все-таки там есть что-то более оригинальное и с музыкальной и с оформительской точки зрения. Потому что «Анна Каренина» все же достаточно традиционна, ее совсем неинтересно разгадывать, так как символизма здесь нет даже в костюмах. Музыкально не проняло… Но, возможно, когда я дойду до удачного для себя состава, поменяю мнение. Хотелось бы также увидеть Ланскую: почему-то кажется, что в ее игре будет куда больше драматизма, чем есть у Гусевой, и на это любопытно взглянуть. Да и смогу рассмотреть все это в бинокль, так как, как ни парадоксально, при не очень хорошем зрении первые ряды не очень привлекают, так как видно априори хуже, чем более дальние в сильный бинокль.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вс мар 12, 2017 00:17

Сольный концерт Александра Панайотова "Непобедимый", 08.03.2017, Крокус сити Холл

Изображение

Мне очень хочется куда более обстоятельно поделиться своими восторгами по поводу Александра Панайотова и его концерта. Я достаточно давно следила за его творчеством, со времен «Народного артиста», наверное, может, в последние годы меньше. Мне всегда нравился его голос.

Появление в «Голосе» - конечно, сумасшедший сюрприз, да еще такое появление! Это сподвигло меня, давно остывшую по отношению к творчеству Саши, послушать его новые песни, и, надо сказать, я несколько разочаровалась. Новые лично для меня существенно проигрывали старым, в них не было ни пронзительности, ни нерва, по крайней мере, в записи. Номера в «Голосе» чаще всего были все-таки с нервом, и да, я за Александра болела! Я не смотрела «Голос» как таковой, но смотрела только его номера. Финал «Голоса» был шоком не только из-за огорчения за любимого участника, но и из-за того, что Александр был настолько явным фаворитом, настолько точно с первого же появления его вели на победу, что иной исход казался невозможным. Однако, как показывает жизнь, победа в этих музыкальных конкурсах почти ничего не значит.

Это подтвердил и забитый до отказа зал Крокуса. Я покупала билеты в последний момент, но следила за картиной постепенного открытия продаж на все большее количество рядов несколько месяцев. Такого аншлага в Крокусе я не видела давно. Практически не было пустых мест, даже на нашей безнадежной галерке. Это шок! Собрать такой зал не мастодонту эстрады, но недавнему выпускнику шоу «Голос». Без десятка звездных имен на афише! Очевидно, что все эти люди пришли послушать его – Александра. Это огромный вызов.

Организацию, концепцию концерта можно назвать супер-минималистичной. Оркестр на сцене, артист с микрофоном в элегантном костюме, слова на экране и все. Никаких тебе подтанцовок, акробатики и тысячи звездных гостей, за которыми можно спрятаться. Собрать Крокус – это мало. Его надо удержать. Удержать внимание тысяч людей, которое приковано исключительно к артисту, ведь больше нет ничего.

Саше это удалось. Когда он вышел на сцену, он выглядел несколько удивленным, но бесконечно счастливым. Конечно, он должен был знать об аншлаге, но знать цифры и видеть полный зал – это разные вещи. Александр был невероятно искренним с публикой, невероятно благодарным за эту любовь. Ни капли самолюбования, ни капли какого-то нехорошего заматерения, когда даже профессионал отрабатывает формально, но бездушно. Душа Саши была с залом, его счастье, его вдохновение, его удовольствие от происходящего, его любовь к своей публике – все это было. Люди чувствуют. Они чувствовали весь этот свет, эти удивительные эмоции, исходящие от артиста, подхватывали и ловили их. Артист был счастлив, и публика вместе с ним. Людям шоу не было нужно, но им нужен был лишь певец! А певцу – его публика, и вот они наконец-то встретились! Цветы несли и несли весь концерт, целая цветочная поляна. Наверное, давно я не видела такого искреннего счастья у артиста от цветов публики, как был счастлив Саша.

Это был удивительный концерт не только по атмосфере, но и по качеству выступления Саши. Сам он выглядел и выглядит просто удивительно стильно, красиво. Появился лоск, какого 10 лет назад не было, уверенность, он нашел свой стиль. Александру не дана столь складная фигура, как, скажем, Сергею Лазареву, но сейчас в его облике есть элегантность, он понимает, как держаться на сцене, что делать с руками-ногами и всем остальным, чтобы выступление выглядело органично. Это и есть профессионализм. Сейчас он просто невероятно хорошо выглядит и очень отличается от всех прочих артистов на эстраде хотя бы просто по стилю.

Наконец, его голос! Концерт длился 2,5 часа без перерыва, и все это время артист был на сцене. Все это время он пел, причем, как мы все знаем, у него нет песен, где он мог бы дать передышку себе, все помогают демонстрировать голос. Столько петь без перерыва – невероятно сложно! Даже представить не могу, насколько. Все это время Александр был на сцене, перерывы между номерами составляли не более 3 минут, когда артист общался с публикой. Он не позволял себе прятаться за других, уходя со сцены, ни даже присесть! Каждый номер, каждая песня – все было настолько красиво впечатляюще, поразительно, что просто невероятно.

Александр держал публику. Конечно, публика была лояльная, но! Как же трудно в данных обстоятельствах абсолютного минимализма не дать публике заскучать! Публике не было скучно! Зал тонул в аплодисментах, многие номера сопровождались перманентными светлячками-фонариками в зале, я видела такое разве что на концертах звезд «Собора Парижской Богоматери», только на них подобные действа устраивал фан-клуб, а здесь это был просто искренний порыв. Мне так показалось. Несколько раз зал начинал скандировать «Молодец», не считая отдельных выкриков. Сашу не сбивала эта удивительная любовь публики, которой он раньше не знал, но он подпитывался ею, исполняя песню за песней все лучше и лучше.

Мне гораздо больше понравилось исполнение ряда песен здесь, чем на «Голосе». Во время телешоу складывалось впечатление, что наставник Григорий Лепс заставлял Сашу «орать» дабы все могли услышать, какой невероятный голос, какой невероятно одаренный певец в его – Лепса – команде. Это частенько портило впечатление. А на своем концерте Саша уже не «орал», он пел так, как он пел обычно. Красиво, проникновенно, так, что был слышен и его голос, и ощущалась его душа. Более того, даже песни, которые мне совсем не нравились раньше, сейчас приобрели какой-то новый смысл и новое наполнение.

Очень понравилась «Аве Мария» - проникновенно-сильная и невероятная! Бесконечно понравился дуэт с Лепсом «Я слушал дождь» и исполнение песни Лепса «Зачем тебе я». Хочется отметить, что в исполнении Саши эти композиции становятся ближе к року, и вдруг подумалось, что очень хотелось бы ему чего-то такого, так идет, что-то вроде даже Maybe I maybe you (я бы послушала в исполнении Саши)! Я была невероятно рада услышать песню «Голос» с первого альбома, как я ее любила как раз за нерв! Невероятную ностальгию вызвала «На краю». Чуть разочаровал его дуэт с участницей «Голоса», как-то не зацепил, и немного сумбурная была «Лунная мелодия». Но это единственное, что мне понравилось меньше. Относительно новые песни, которые мне совершенно не понравились до этого момента, сейчас даже зацепили. В медленной версии «Снег» звучит гораздо благороднее. Сейчас артист в исполнении вкладывал гораздо больше, чем можно услышать на студийной записи, это, конечно, повлияло на впечатление. Мне понравилась его новая песня «Падаем», не до дрожи в коленках, но сильно.

Обратила внимание на эмоции Лепса. Он был такой довольный, он всем своим видом будто говорил: «Смотрите, какой талант!». Он относился к Саше так, как будто это его наследник на эстраде. Он не столько пел с Сашей, сколько представлял его! Надеюсь, у него получится помочь Саше стать звездой первой величины, ведь такой мощный старт уже есть!

По составу песен: все ключевые прозвучали, все любимые прозвучали, но новый репертуар Саши у меня лично все же вызывает сомнение. Очень хотелось бы, чтобы команда Лепса помогла уйти от откровенной попсы, нашла ему что-то пронзительное, ведь как он поет такие песни – закачаешься! Я бы хотела еще и рока в хорошем смысле, но вообще хотелось бы разнообразия. Я очень люблю артиста, но хочется иметь любимые песни, которые стоит переслушивать, а пока я таких новых для себя не нашла. Может, «Падаем», станет такой.

Хочется отметить, что все прошло без накладок, если не считать задержку начала на 40 минут, но это почти стандартная ситуация. Микрофоны работали, артист не забывал слова, гости пришли. Единственное, чего хотелось бы – программок. Очень хотелось бы. Мне вот не хватало, я же их коллекционирую.

Но главное: я получила такой безумный заряд положительных эмоций, какой не получала очень давно. Я говорила и говорила, какой замечательный концерт, какой замечательный Александр, что всех этим достала. Так хочется продолжения. Снова фанатка, да.

P.S. Моя подруга дала невероятно точную характеристику. Александр вел себя как умирающий от жажды в пустыне, добравшийся до воды, который пьет воду и пьет и не может остановиться. Так Саша не мог остановиться петь.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Пн мар 27, 2017 22:45

"Ворон", Александринский театр на сцене МХТ им. Чехова, 26.03.2017

Изображение

Спектакль «Ворон» Александринского театра произвел на меня сильнейшее впечатление, но произвел не сразу, а спустя время. Когда я смотрела это произведение, то просто наслаждалась необычным оригинальным подходом. Хотя нет, я пыталась понять, что же мог иметь ввиду автор постановки за столь яркими внешними образами, но не могла. Не приходило ничего на ум. Но вот прошло буквально немного часов, и наутро все стало предельно ясно, аж до смеха и до слез. Так прозрачно, будто утренний солнечный воздух на природе.

Удивительно, как из относительно безобидной сказки Карло Гоцци получилось столь сильное высказывание на тему актуальной современности. Спектакль настраивает на «кусачий» лад с первых же минут, когда на сцене появляется псевдо-родственница великого автора. Она несет какие-то интересные слова, условно-нейтральные, но периодически покусывающие саму сотрясаемую неизменными скандалами «Золотую маску», или театры, или много чего еще. Публика благодарно откликается, но этот пока еще относительно безобидный монолог лишь начало.

Наши главные герои – это король и его брат, однако они оба абсолютно неотличимы от своих министров. Их лица скрыты за уродливыми масками, которые они совсем не снимают, так что может создаться впечатление, что они приросли к лицу. Действие начинается со сцены на корабле, когда принц все больше случает своего приближенного министра Панталону, которая, как и в нашей действительности, неизменно и в любой точке пути извещает, что светлое будущее близко, вот-вот покажется на горизонте, только не случилось бы…А здесь любое самое сумасшедшее происшествие, которое только может привидеться, будь то молния или монстр, которое, конечно, тут же случается. Однако любимый министр всегда извещает, что «это все тьфу, лишь бы не случилось…». Прямо как «мы достигли дна…», а потом оказывается, что не совсем. Интересно, что все эти происшествия происходят на сцене в виде каких-то издевательских декораций, забавных и нереальных, но оказывают на столь же нереальную лодочку героев свое воздействие. А принц…он лишь слушает приближенного министра.

Впрочем, принц характеризует себя достаточно неприглядным делом похищения прекрасной принцессы, конечно, во имя светлой цели, которая едва ли его оправдывает. Прекрасна ли принцесса, зритель долго не может знать, ведь она вся скрыта под стилизованными мусульманскими одеяниями, безразлична к происходящему, словно неживая. Зато в какой-то момент голос берет ее служанка, столь же одетая, но активная. Она как голос из толпы, который принц предпочел бы не слышать, и, конечно, со всей своей жестокостью этот отчаянный вопль власть прекращает. Заметьте, не лично, ведь бояре плохие. Зачем лишние чужие проблемы. Своих хватает.

Сам король является личностью не менее любопытной, чем его брат-принц. Чахнущее его королевство по вине какой-то истории с вороном, которая его якобы свела с ума и заставила заболеть. Однако никакой истории и ворона на сцене нет, лишь экран, происходящее на котором нам, как в школе или даже как на ТВ, объясняют с указкой. Вот ворон, вот людоед, вот проклятие. А было ли оно на самом деле, или выдумки/пропаганда – никто не знает! А еще есть экран, где изображено то неведомое, что нужно достичь: едва ли это лицо девушки, но актер объясняет, что вот это губы, это кровь, а это крыло. Для непонятливых. Можно видеть, что изображено, а можно то, что нужно видеть. Встреча с принцессой едва ли исцеляет короля, так как нельзя исцелить того, кто не болен. Тем более, что и после король продолжает восклицать: «Ах, ворон-ворон», что очевидно говорит о нежелании и неспособности брать на себя ответственность за свои поступки, сваливая все на какие-то внешние мифические обстоятельства.

Отношения братьев здесь комедийные, неловкие и даже неуклюжие. Братская любовь? Да, но формальная, с формальными же обниманиями на публику, ибо в этом мире никто никого реально любить не способен. Попытки спасти брата? Внушенное чувство долга, причем абсолютно слепое, без поиска даже хоть каких-то обходных путей или минимальной логики. Зато кровь и кишки в наличии. Кажется, что все происходящее, все обстоятельства – это лишь последствия самовнушения и игры воображения, когда сам уже веришь в ту ложь, которая была придумана для других.

Финал в определенной степени тоже символичен: что бы ни произошло, кто бы в чем не был повинен, наши герои в связи со своей властью всегда представят все в выгодном им свете. Нет, они никогда не виновны, и они не осознают ничего в финале, они всего лишь достигают своей цели. Однако они существуют не одни, важным элементом является их судьба-кукловод – Норандо, единственный без маски, хоть и в очках, играющий этими людишками с их мелкими страстями.

Интересно, что в спектакле на равных используется максимальная символичность и определенная прямолинейность. Молния, чудище – все они реальны, а превращение в статую (кусок камня) происходит путем выливания бетона из натуральной такой бетономешалки. Однако все актеры в масках, в одинаковых костюмах и в минимальных декорациях. Все роли чуть бездушны, и просто исполняют свою функцию, а Армиллу и вовсе лишили хоть каких-то признаков жизни: она кукла (иногда в прямом смысле) в руках окружающих, так что за нее можно делать и думать все, что угодно.

Спектакль исключительно понравился и внутренним своим посылом, и подходом к интерпретации классической истории, и оформлением. Минимум декораций и костюмов, но какой эффект! Это очень экспериментальная постановка, я даже не помню, чтобы что-то еще производило такой эффект. Оформление как кожа, когда поначалу не ясно, о чем же речь, но потом шкурка слезает, появляется кожа гладкая и молодая, и все встает на место. Все не затянуто, максимально подтянуто и динамично. Очень хорошая постановка.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Ср апр 05, 2017 22:54

"Белый. Петербург", Театр музыкальной комедии, Санкт-Петербург, на сцене МАМТ, 04.04.2017

Изображение

Поход на относительно ожидаемый мною «Белый. Петербург» обернулся сильным разочарованием. Начитавшись позитивных откликов на постановку Санкт-Петербургской музкомедией «Бала вампиров», насмотревшись на частое присутствие в номинациях «Маски» их спектаклей, я смела надеяться, что их новый проект будет достойным. Но как же я ошиблась! Этот спектакль похож на грандиозный полуфабрикат, из которого можно получить что-то достойное, но надо стараться. Для спектакля, идущего уже 1,5 года, быть столь сырым – это плохо.

Первое действие – это просто какой-то странный балаган. Я все пыталась уловить настроение спектакля, его мысль, посыл, и не могла. В первом действии полно «мусорных» сцен, когда перед зрителем полно массовки, артистов, но совершенно не ясно, зачем это. Главных героев в первом действии совсем не разглядеть, а те, что хоть как-то вырисовываются на фоне общей массы, все равно эпизодичны. Очень много хоровых номеров, что часто странно для мюзикла, причем таких, когда нет явного солиста. Массовка тоже пестрая ужасно, ее слишком много, так что поиск идеи становится делом сложным.

Спектакль начинается с трагичной сцены расстрела мирной демонстрации, но затем как-то резко весь этот спектакль скатывается даже не в фарс, а в балаган. Власть имущие – насквозь прогнившие клоуны, но и как бы революционеры не лучше – это бессердечные фанатики, умело манипулирующие мнением необразованной толпы. К слову, в начале есть заявка на манипуляцию сознанием с обеих сторон, и авторы спектакля пытались позиционировать, что к обеим группам они относятся одинаково. Одни не лучше других. Однако все эти заявки просто тонут в бессмысленности всего происходящего, абсолютном отсутствии сюжета, явного конфликта, хоть какой-то цели. Отдельные персонажи что-то делают, но сцены выглядят абсолютно не связанными между собой, из-за чего смотреть просто скучно. Это даже не набор эпизодов, это набор разовых иллюстраций.

Второе действие хоть как-то обнадеживает. Наконец-то на первый план выходят персонажи, появляются сольные номера. Появляется, наконец, конфликт, сюжет. Хотя к тому, как этот сюжет реализован, вопросов больше, чем ответов. Зачастую кажется, что трагедия разыгрывается на пустом месте, из-за чего трагедия снова скатывается в фарс. Мотивации и эмоции героев кажутся надуманными, не логичными, не обоснованными, пусть даже наконец-то становится не так отчаянно скучно смотреть. Есть в этом втором действии фраза по отношению к большевикам, передаваемая словно эстафетная палочка, ну и все, в общем-то. Это действие способно воздействовать на зрителя в момент эмоционально, заставить сопереживать героям, но спустя буквально минут 15 после завершения спектакля наступает недоумение, и, казавшиеся яркими и искренними, слова и действия главных героев вновь вызывают вопросы. Как герои вообще докатились до жизни такой? Почему? Зачем? Как герои, определенно не являвшиеся эталоном чистоты, вдруг получают песню, которая свойственна чистым сердцам? Откуда у них отношения? Что за истории и страдания на пустом месте?

Финал, тем не менее, получился достойным и достаточно сильным. Достаточно торжественный, трагичный, тихий (практически без музыки), ограниченный в движениях, в оформлении, но обращенный к надеждам, то есть к будущему, и опрокидывающийся в реальность. В финале на экране стали выводить кадры терактов по всему миру и за все времена. Это, конечно, очень сильно действует на психику, но это- запрещенный прием. По идее, такой финал подталкивает зрителя к странному выводу. Во всем виноваты большевики? Ага, и часовню тоже они. Конечно, они далеко не ангелы, но не ко всему же они причастны. Или начиналось все так – с банки с сардинами, а закончилось так, как все знаем? Тоже нет. Террор ведет свою историю с более ранних времен. Тогда это зачем? Просто вызывать эмоциональную реакцию. Конечно, это слабость и для создателей, и для зрителей, но это не честно.

Теперь в целом. Само название спектакля предполагает некоторый минимализм в оформлении, и он имеет место. Но костюмы совсем не «дружат» здесь с декорациями, все это не дружит с достаточно «мусорным» действием. Оформление ужасно «дерется» с постановкой. В ней нет сдержанности. Она категорически не требует таких, неплохих в общем-то, декораций. Пожалуй, в той же «Маяковке» в «Августе» проекции были использованы куда более грамотно. Здесь идея не играет и не оправдывает себя.

Почему-то в МАМТе ужасный звук. Кто-то явно не умеет работать с микрофонами. Оркестр напрочь заглушает солистов. Хор поет так, что ни слова не разобрать, да и солисты не лучше – каша во рту. Пока говорят, а не поют, еще терпимо, как петь начинают – катастрофа. Так в музыкальном спектакле нельзя. Дуэты – отдельная история. Кто-то один обязательно перекрикивает другого, так что получается не дуэт, а какофония. Очень много хоровых номеров, отдельные же сольные арии оценить объективно трудно из-за плохого звука: солистов просто совершенно не слышно. Может, поэтому, а, может, и объективно, не могу отметить хороших голосов. Зато легко могу отметить, что музыка достаточно скучная, много самоповторов (даже если они так задуманы, это же не кино, где одна мелодия может характеризовать персонажа, здесь, скорее, должен стиль), очень много опереточного. Артисты в большинстве своем поют все в том же пресловутом опереточном стиле, а совсем не эстрадном. Даже серьезные номера из-за этого смотрятся по-дурацки.

Артисты в положительном смысле не запомнились. Здесь, вроде, есть номинации актерские. Возникает вопрос: за что? Виктор Кривонос (Аблеухов) пытается разыгрывать трагедию, но получается настолько безлико и временами нелепо, что как-то неудобно. У Владимира Садкова (Николенька) получается намного лучше, изменения в его герое налицо; внешне, тем не менее, он почему-то напомнил Микеле Локонте, но не суть. Однако вопросы к логике и мотивации, словам персонажа мешают воспринимать его серьезно. Игорь Шумаев (Дудкин) трагичен всего несколько раз, это такой герой-тень, который часто функция, нежели живой персонаж. С огромным знаком «минус» хочется упомянуть Ольгу Лозовую (Анна Петровна) – настолько нелепая героиня, дешевая опереточная манера в самом худшем смысле слова. Не веришь ни секунды. Когда она появлялась, хотелось закрыть глаза. Ленин и Сталин (Сергей Брага и Иван Еремин) получились в своем эпизоде весьма комично. Хотя, учитывая второй акт, наверняка так и задумано. За актеров обидно, так как здесь очень многое может зависеть от них, они здесь все-таки живые люди.

Режиссуры здесь, такое впечатление, просто нет. Спектакль рассыпается, нет целостности. Нет общего настроения: то балаган, то как бы трагедия, причем никакой логики в распределении этих стилей нет. Заявленный в названии Петербург как место действия даже не вторичен, а не важен, а отдельные фразы про Петербург говорят скорее о какой-то затаенной его – питерской – обиде, чем о роли города в спектакле. Совсем не поняла смысла намеков на классику и классиков. Зачем здесь это? В действие не вписывается органично никак. Спроецированный в какой-то момент топор имени Достоевского определенно для меня становится в один ряд с сапогом ижевского театра и Львом Толстым в лаптях театра свердловского.

Я разочарована ужасно. От петербуржцев такого я не ожидала. Но если это лучшее, то что же тогда остальное? Страшно подумать. И это сейчас, когда даже в Москве достаточно приличное количество музыкальных постановок. Ну и не мюзикл это, такое впечатление, а самая настоящая оперетта, что совсем не комплимент.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Сб апр 08, 2017 00:32

"Бешеные деньги", Театр им. Маяковского, 06.04.2017

Изображение

После феерично неудачного (по моему мнению) «Белый. Петербург» меня и мое мнение о театре отогревала любимая Маяковка с их премьерой «Бешеные деньги». Теплая, располагающая и не обременяющая лишним символизмом постановка, где интересное для себя может найти любой зритель.

Сейчас, во времена, когда деньги правят миром, но «денег нет», постановка «Бешеных денег» кажется очень актуальной. Спектакль буквально сталкивает и заставляет сравнивать два подхода к деньгам: условную «золотую молодежь» и успешных молодых. В комичной, пусть и с налетом трагизма, форме. В спектакле есть, тем не менее, некий дух умирания прошлого, а также ощущения приближающегося будущего, когда в одно и то же время живут и сосуществуют люди разных формаций. Это порождает и искры, и веселье, и горе, и обман, причем для всех.

Все в этом спектакле усиленно создают видимость, намеренно или случайно. Все живут в каком-то непрекращающемся мираже, и все происходящее на сцене – химера. Все пытаются заставить верить других в химеру, но и сами верят в обман соседа. Ради этой видимости люди готовы губить свои и чужие жизни, и этих жизней не жалко самим обладателям, ведь в них ничего настоящего нет и никогда не было. Эти творцы песочных замков бессердечны, жестоки и не способны ни на какие чувства. Даже если они не глупы, они мыслят в одном и том же безнадежном направлении, раз за разом попадаясь на чужие обманы и миражи, такие же, как творят они сами. Большинство героев находятся в бесконечных долгах, но творят и делают еще долги, просто не понимая, как можно жить иначе. Это такой привет сегодняшнему настоящему, в котором люди точно так же влезают в кредиты, которые физически не способны выплатить. Только на сцене герои швыряют деньги на наряды и выезды, а в настоящем – на айфоны. Но ведь цель не изменилась – создать видимость. Весь мир – лишь видимость. Люди живут ради видимости. Видимости успеха, достатка, просто ради видимости счастья. Удивительная ситуация, когда видимость счастья дороже его самого.

Что здесь настоящее? Настоящие здесь лишь чувства Саввы, его любовь. Грубая, но честная и преданная. Этот человек – противоположность всем остальным, этакий представитель новой формации, крепко стоящий на ногах, не теряющий голову практически никогда. Что трудно дается, то не выкидываешь на ветер. Поначалу Савва кричит, чем отличается от манерных прочих героев, он искренен, кажется наивным. Но этот крик постепенно сменяется медленно подступающим спокойствием, ближе к финалу становящимся расчетливым безразличием. Его отчаяние, такое искреннее, тем не менее, не кажется безнадежным, как неизбежно подступающее отчаяние Лидии и ее матери, или как веселое безразличие прочих персонажей. Этот герой несет в себе будущее, как для себя, так и для других. Любопытно, что его формируют, его в какой-то мере учат своей бессердечностью такие люди, как Лидия и ее окружение. Только все здесь несутся в пропасть, кроме него одного.

Этот спектакль очень цельный по своей постановке, по своему оформлению. Я бы не сказала, что декорации обладают новаторством, нет, но они качественные, перемены сцен происходят не тягостно для зрителя, а одни и те же вещи могут играть совершенно разные роли. Спектакль, несмотря на некоторый даже нерв, настраивает зрителя на спокойный и мирный лад. Все время играет успокаивающая музыка, создающая атмосферу размеренной и мирной жизни. То же самое делают и костюмы: здесь нет пуха и перьев, платья актрис максимально простые, но «вкусные», костюмы актеров удивительно подходят этим персонажам, вплоть до шляпы или шарфа (очень удачная находка для несколько потерянного героя). В целом, постановка оформлена в теплых тонах, выглядит на сцене как-то даже компактно и камерно, хотя это спектакль большой формы.

Актерский состав очень силен, как старшее поколение, так и прекрасная молодежь Маяковки. Приковывает к себе внимание Полина Лазарева – такая рафинированная стервь, очень красивая, но очень холодная. Холодный и высокомерный взгляд, самолюбивая улыбка: о ее героине все ясно с первого появления. Она составляет удивительный контраст своему «горящему» мужу в исполнении Алексея Дякина, чей образ максимально «русский» и достаточно простой внешне. Виталий Гребенников с своим Телятевым будто вышел из популярного российского ситкома, тем не менее, очень удачно вписывается в происходящее в своих эпизодах. Старшее поколение здесь показывает мастер-класс, но вовсе не к нему приковывается внимание зрителя.

Спектакль обладает приличной продолжительностью: это не 3 часа, как указано в программке, не верьте, все 3,5! Однако действие настолько интересное, забавное, «теплое», обаятельное, что время пролетает незаметно. Здесь можно и посмеяться, и сопереживать, и подумать. От «Бешеных денег» не веет устаревшей классикой, все очень современно, актеры играют очень современно с отчасти современными же характерами и манерами, но спектакль сделан с любовью к этой всегда актуальной пьесе. Ближайшее сравнение для меня – «Волки и овцы» в Мастерской Петра Фоменко, но все же постановка Маяковки полностью в ее стиле, она более – снова это слово – современная и чуть злободневная. Здесь не так много откровенного юмора, но актеры заставляют зал смеяться.

В общем, это моя рекомендация. Этот спектакль – не заявка на все театральные премии мира, это лишь одна из премьер театрального сезона. Однако на фоне многих и многих постановок «Бешеные деньги» выглядят сильно и достойно. А еще…Они абсолютно в стиле Маяковки Миндаугаса Карбаускиса! Пусть даже спектакль «теплый», от него все равно веет холодком, парадокс. Стильная столичная Маяковка, очень люблю.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вс апр 09, 2017 22:30

"Изганание", Театр имени Маяковского, 08.04.2017

Изображение

К постановкам Миндаугаса Карбаускиса надо морально готовиться. Ничего, эти 4 часа пролетят незаметно. Или хотя бы просто пролетят. В случае с «Изгнанием» есть хотя бы 2 антракта и малая сцена, на которой постановка смотрится определенно хорошо. Это спектакль-заявка, интересный и профессиональный, пусть и холодный.

История «Изгнания» - это жизнеописание литовских мигрантов, уехавших в поисках хорошей жизни в Лондон. Все эти 17 лет там мы проживаем вместе с усталым и не имеющим покоя Беном, который меняет занятия, имена, окружение, но сталкивается и сталкивается с теми людьми в автобусике, в котором он когда-то ехал в Лондон.

Это история о разбитых мечтах, о поисках себя в себе и себя в мире. История о том, как реальность может перечеркнуть мечты. Это история о том, как притягивает прошлое, как притягивает Родина, что совсем не всегда хорошо. Бен меняется на наших глазах: он узнает новую культуру (Фредди так контрастирует с дешевой попсой в автобусе), он узнает новые правила отношения к людям (толерантность к другим постепенно приходит и к Бену), он узнает новых людей. Каждый новый шаг для героя мучителен и болезненен, как с физической, так и с психологической точки зрения. Бен часто выброшен и подавлен, одинок и безнадежен. Но он буквально заставляет себя делать новый шаг и идти дальше.

Что главное в его пути? Герой всего лишь хочет чего-то добиться. Он всегда к чему-то стремится, и это стремление, поначалу вытаскивающее его из ямы, в итоге не дает ему быть счастливым здесь и сейчас. В спектакле звучит мысль о стремлении к тому, чтобы быть человеком. Для Бена это значит быть местным, европейцем – британцем, подавить свое «я». Но это только для него. Быть человеком – быть самодостаточным здесь и сейчас. Поэтому в этой истории есть счастливые люди, вне зависимости от обстоятельств. Бен просто все время стремится к недостижимому идеалу, который делает его несчастным, ведь он осознает, что никогда его не достигнет. Он даже хочет сменить любимую футбольную команду, чтобы не болеть за проигравших, а болеть за победителей, и это о стремлении, а не о примирении со своим местом в жизни. А его старые знакомые зачастую просто живут. Вместе с тем, стремление к большему вытаскивает Бена, а его знакомую Эгле наоборот туда погружает.

В этой постановке нет как таковых столкновений культур. Точнее, это столкновение есть, но лишь отчасти. Разные люди и разные нации живут мирно, пришлые пытаются интегрироваться в страну, и их принимают, но! Момент террора порождает в людях страх, а где страх, там ненависть. И вот уже на сцене ненависть к тем, кто другой. Ненависть к Бену, или его ненависть к его почти другу Азиму. Это не такой уж большой эпизод, но важный, ведь он рушит для нашего героя, да и не только для него, годами нарабатываемое умение быть своим, а не чужеродным. Быть своим внутри, ощущать себя самого своим.

Бен здесь в трех ипостасях: это неудачник Бен, приехавший в Лондон, это уже чуть поднявшийся поляк Марек и это успешный среднестатистический британец Роберт. Каждый из них оказывается опрокинут, и каждый из них возвращается к Бену, всегда живущему внутри этого человека. Просто нет у героя душевного спокойствия, он не становится другим, он лишь играет в другого. Не имея спокойствия, Марек или Роберт быстро становится обратно Беном, лишь встретив старых знакомых. Родина возвращает обратно, жестоко и беспринципно. Благополучная жизнь, так тяжело достигнутая, держится на тоненькой ниточке, которая может очень легко порваться. Случайно. Глупо. Всех героев так или иначе тянет назад, и все они сопротивляются. К прошлому нет возврата. Этого возврата просто не хочется.

Что в спектакле есть действительно выдающегося, так это оформление. Минимальными средствами достигается максимальный эффект. В одних и тех же декорациях мы видим десятки локаций, и всегда они органичны. Здесь и коробка с помойки, и старый корабль, и вход в ночной клуб, и много чего еще. Зачастую используются киношные приемы, когда с одной стороны мы видим один этаж и героя, а с другой – этаж выше. Железные стены эффектно гремят, а еще выглядят в разном освещении совершенно по-разному и даже в разных цветах. Костюмы здесь минимальны, настроение часто создается какой-то одной деталью. В спектакле много музыки, и даже в какой-то момент герой поет сам. Все это в совокупности создает настоящую атмосферу Лондона, но каких-то его подворотен, этакий нижний мир. Настроение у спектакля есть!

Это история не столько о мигрантах, сколько история о потерянных людях, не сумевших быть счастливыми дома и не ставшими счастливыми в Европе. Они сталкиваются с собственной ненужностью, когда единственный путь стать частью общества – полностью изменить себя, что очень трудно. Здесь много судеб: и счастливые, и не очень. Наш Бен-Марек-Роберт едва ли счастлив. Он всегда в поиске, но он не знает, в поиске чего. Даже в тот момент, когда, казалось бы, он нашел свое счастье, его бесконечный бег это счастье может легко отнять. Быть человеком? Но человек по умолчанию человек. Надо стремиться к собственному счастью, и уметь его сохранить. Ведь это вещь хрупкая.

Все-таки «Изгнание» - холодный спектакль, обращенный к разуму. Здесь совсем нет эмоций. Это умная постановка, сделанная для молодого поколения, не без юмора, но без чувств. Даже условная любовь у Роберта – не любовь совсем, а стабильность, приземленное состояние. Мне, скорее, нравится этот спектакль, понятно его настроение, но он холодный.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2192
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Ср апр 12, 2017 23:38

"Биндюжник и Король", ТЮЗ города Красноярск на сцене Et Cetera, 11.04.2017

Изображение

О, я была приятно удивлена. Я была очень приятно удивлена. «Биндюжник и Король» оказался действительно очень качественным, вкусным, хорошо поставленным спектаклем, где нет ничего лишнего, все очень современно, красиво и талантливо. Однозначно, это заявка куда сильнее, чем ранее виденный мною «Белый. Петербург», пусть даже это кажется странным. Вот так Красноярский ТЮЗ громко заявил о себе. Очень радостное удивление. Получается, что драма в провинциальных театрах часто совсем не очень, зато мюзикл бывает весьма достойным. Уже второй год я могу сделать такой вывод.

Спектакль этот выполнен минималистично, важен здесь свет, цветовые решения, декорации. Первое, что напоминает «Биндюжник и Король» по оформлению – это «Сказки Пушкина» Театра наций, только, конечно, несколько проще. Декорации, световые решения, даже движения выполнены очень графично и почти строго, свет часто играет с музыкой, как и движения актеров. Декораций здесь минимум, они обозначены условно, что придает нереальности, какой-то сказочности (даже, может, элемент притчи или мифа, как иллюстрация в книге) и комичности происходящему. Интересен здесь грим – у всех выбеленные лица как маски, грим вообще характерный, а костюмы достаточно простые и максимально подходящие к этим декорациям. Смена мест действия происходит достаточно качественно, однако часто с одним и тем же приемом бесед актеров в круге света по бокам сцены.

То, что трудно победить, надо возглавить. Могу предположить, что из этого исходил режиссер постановки, поскольку игра актеров зачастую – это гротеск, нарочито показанные эмоции и движения, переигрывание, так часто свойственное не столичным театрам. Только здесь это специально и это уместно. Гротеск и преувеличение здесь во всем: в движениях хора, в движениях солистов, даже в их позах. Каждому подобран подчеркнуто стереотипный образ, узнаваемый, выделенный, оттого смешной. Образы здесь тоже как иллюстрация: и девушка с косой, и гусар, и бандит – все узнаваемо, будто герои сошли со страниц книги.

Если в начале спектакля зрителю может быть трудно связать между собой большое количество героев и отдельных номеров, то постепенно действие выстраивается в единую историю. Герои так или иначе получают свои характеристики, и практически у каждого есть свой коронный выход. В центре истории семья евреев в дореволюционной Одессе, и сыграна эта история в знакомой и узнаваемой каждому на уровне подсознания манере. Никакой трагедии здесь нет, лишь игра, даже условно драматические номера вызывают скорее улыбку, чем сочувствие, но это задуманная реакция.

Актеры в этой постановке большие молодцы, они выглядят слаженной командой, каждый на своем месте и играет свою роль. Единственное разочарование – Беня Крик. Здесь совершенно безэмоциональный и картонный персонаж, менее всего похожий на короля преступного мира. Все его достижения – характерный грим. Хочется также отметить, что роли исполняют в основном возрастные актеры, что в некоторых эпизодах придает дополнительного колорита.

В спектакле использована музыка Александра Журбина (который, кстати, присутствовал в зале), для которой сделаны невероятные и современные аранжировки. Здесь и шансон, и попса, и рок, и романс. Место находится любым стилям. В некоторой мере, героям подобраны их собственные стили, манера. Вся музыка звучит очень интересно, не скучно, не застарело, а современно! Это не какой-то нафталин, а живая и яркая музыка.

Очень достойная, оригинальная, безусловно талантливая и современная постановка. Направленная на молодых, яркая, задорная вещь. Стиль выдержан, не разорван, декорации, костюмы, свет – все дополняет друг друга, как и хореография, как аранжировки, как игра актеров. Получилась вещь в большой степени режиссерская, продуманная, профессиональная. Конечно, можно говорить, что такой стиль не нов, но сделано все равно качественно. Не дорого и богато, но стильно и современно. Без лишних претензий на серьезность, но очень в правильной струе.

P.S. В Et Cetera звук в разы лучше, чем в МАМТе. Парадокс.

Ответить

Вернуться в «Концерты/Выставки/Клубы/Бары»