Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Культурные мероприятия так или иначе связанные с Латинской Америкой и Испанией, концерты, выставки, танцы, пьянки.
Ответить
Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Сб апр 07, 2018 23:33

"Донжуан", Театр имени Маяковского, предпоказ 06.04.2018

Изображение

В любимой Маяковке я не была уже очень давно, как ни странно, и новостями про их готовящуюся премьеру «Донжуан» очень заинтересовалась: жанр, обозначенный как «селебрити-драма», первые и весьма интригующие фото декораций… Было ощущение, что, наконец, музыкальная постановка, хоть и оказалось, что это не так, но тем не менее. «Донжуан» - однозначно новаторство, эксперимент, он очень отличается от «Бешеных денег», что создавал тот же режиссер – Анатолий Шульев. Запомните, к слову, это имя – совсем молодой (28 лет), а создает замечательные постановки, надеюсь на успешное театральное будущее! Так или иначе, в спектакле ощущается такая молодая, бунтарская энергия, это такое обаятельное, хорошее хулиганство, ни в один момент не пошлое, не глупое, что даже хочется и пересмотреть.

Главный герой, как понятно из названия – Донжуан, именно так, слитно. Он знаменитость неопределенного рода занятий, именно селебрити. Он предстает перед нами будто чуть пьяным, всем своим поведением издевающимся над окружающим миром, носящим экстравагантные костюмы, провоцирующим и абсолютно не знающим ни рамок, ни границ. Хотелось бы отметить однозначно возникающую ассоциацию с Григорием Лепсом: этим образом явно вдохновлялись, о чем свидетельствует явная экстравагантность поведения, «лающая» манера разговора, своеобразная манера держать себя, и узнаваемые очки. Ближе к финалу в какой-то момент наш Донжуан становится просто невыносимо похожим на указанного певца. Не думаю, что было столь важно, на Лепса похож Донжуан или нет: просто был взят узнаваемый образ типичной российской знаменитости.

Вся его жизнь – непрекращающийся поп-рок концерт, где «роковые» разборки с одетой в байкерскую одежду Эльвирой соседствуют с очередными признаниями в любви очередной дурочке – Шарлотте, в подчеркнуто откровенном платье и в типично шоу-бизовском образе, даже нет, в образе провинциалки, пытающейся быть похожей на знаменитостей: губки уточкой, сама не слишком талантлива, о чем буквально кричит подчеркнуто отвратительное ее пение, не слишком умна, но капризна с преданным поклонником. Донжуан провоцирует, оскорбляет, врет или наоборот, пытается быть трогательным: он все время в образе, он играет, но не прячет одного – своего противного всем вокруг поведения, которое не принимает даже его слуга Сганарель. Вся его жизнь – бунтарство, вот только бунтарство ради бунтарства и ненависти к нему, которую он и хочет, ведь она привлекает внимание, и боится – ведь она может быть опасной.

Хочется отметить и то, что Донжуан выглядит все-таки уже сдающим свои позиции: хоть он и молод, еще пытается быть ого-го, пытается вести обычный для себя образ жизни, то здесь, то там организм его дает сбой, и он схватывается за спину, например – тоже своеобразная плата за беспутство. Своеобразный «звоночек», свидетельствующий, что что-то меняться должно.

Герой всегда ведет себя вызывающе, по отношению ли к людям или высшим силам. Но все его выкрики, действия выглядят как провокация, которой он сам не придает особого значения – он просто играет. К божественному он относится как к человеческому – одинаково вызывающе. Здесь хочется отметить, что попытка окружающих перевоспитать, развязка все равно – человеческое, все равно именно люди карают эту непокорную голову, люди читают нравоучения, и все, что происходит – так или иначе, порождение разума. Люди говорят то, во что или верят, или должны верить, а Донжуан очень долго всего лишь не подчинялся этим правилам, он играл в свою игру, он провоцировал, а его воспринимали всерьез, считали таким, как другие.

Самое важное традиционно – финальный монолог Донжуана о притворстве, о природе человеческой, о том, что все фальшиво, что никого не интересует, каков человек на самом деле, лишь бы вид имел приличный. Все это так узнаваемо и так верно: фальшь, лицемерие – то, что, к сожалению, часто окружает нас в нашем мире, что льется с экранов, с чем сталкиваемся в обычной жизни. Вот только дальше не логично: Донжуан платит за свои грехи, несмотря на притворство, так может, он просто мало притворялся? Или все-таки он не до конца прав? Этот посыл я не до конца поняла.

Как не очень считала и некоторую религиозную тему в спектакле: Донжуан периодически богохульствует, бросает вызов высшим силам, в своем монологе тоже упоминает наиболее религиозных как наиболее развратных что ли людей. Однако Донжуан все равно платит по счетам в окружении призраков прошлого: он не был прав в своем монологе? Или напротив, все его слова совсем не важны, он отвечает не за них, но за поступки по отношению к конкретным людям, и тогда вся эта религиозная составляющая, слова, что говорили ему, или те, что говорил он – не важны? В целом, все, что говорил и делал герой, выглядело просто провокацией без дополнительных смыслов, и, если предположить, что героя всего лишь ждала расплата за человеческие поступки, получается более логично.

Отдельно хочется отметить замечательную работу художника. Основная декорация – двусторонняя, с одной стороны это свисающие провода – такая изнанка любого шоу, сделанная умно, со вкусом и в тему, и именно на этом фоне происходят бытовые моменты, а с другой стороны – это миллион звуковых колонок, которые в разном освещении выглядят по-разному: то это элемент концерта, то это будто урны с прахом на кладбище. Работа со светом просто восхитительна: он может полностью изменять декорации, что особенно видно в сцене в склепе, свет очень грамотно играет в сценах с плясками героев, свет очень эффектно поставлен в момент мечтаний Сганареля, как и резкое его изменение в момент появления Донжуана. Очень необычно и очень грамотно. Хочется сказать, что основная цветовая гамма – все так же черно-белая с вкраплениями фиолетового, а разукрашивает происходящее свет. Грамотно использованы микрофоны, звук, который они дают, и лишь в одном месте есть некоторый сбой: когда Донжуан начинает петь, звук вдруг становится глухим. Можно предположить, что это прием: типа сейчас герой поет такое спокойное ретро, и это так откровенно скучно, потому и звук приглушили, но как-то музыкальный номер теряется.

Очень качественно проработаны образы героев. Донжуан откровенно напоминает Лепса, но не во всем, он чуть накрашен, будто Джек Воробей, но ведь вспомним, что Джонни Депп вдохновлялся тоже рок-музыкантом. Его костюмы – явно сценические, далекие от бытового вида. Эльвира впечатляет в своем появлении в виде байкерши с дороги: испачканная в грязи одежда, брутальный кожаный костюм и шлем в руке, но и испачканная белая юбка (?), и все это выглядит будто огрубевшая ее душа, испачканная Донжуаном будто грязью, где есть еще что-то женское, но тоже пострадавшее. Образ Шарлотты – просто классная пародия. У девушки и макияж, и высокая вечерняя прическа, и платье, и манера говорить, себя держать – такое провинциальное стремление к шоу-бизнесу. А как она реагирует на рассказ своего парня: да, да, ага… Такая провинциальная дурочка-стервочка. А вот парень ее – тоже узнаваемый образ увальня, который чем-то недоволен и чего-то хочет, но сам не знает, чего именно. Отец Донжуана – персонаж вообще для меня загадочный. С одной стороны, его можно принять за командора или отражение командора в другом человеке. Можно было бы назвать внешний образ обыденным, если бы не фуражка, отчасти напоминающая милицейскую.

Отдельно хочется поговорить об исполнителе главной роли – молодом актере театра Вахтангова Эльдаре Трамове. Надо сказать, что здесь он выглядит старше своих лет, и справляется с предложенным образом. Он играет просто великолепно, а какие чертики в глазах! Выкладывается полностью. Все выверено и четко, но натурально: манера двигаться, говорить, все так, что веришь в этот образ. Трамов играет однозначного мерзавца, неприятного, вызывающего, отталкивающего. Но очень энергичного. Он берет своих жертв напором, будь то девушка или кредитор. Он носится по сцене, и ничуть не устает. И он очень хорошо поет. Есть здесь всего один музыкальный номер у Донжуана в финале: он реально классно поет. Для моих любимых мюзиклов этот талантливый актер был бы находкой: так любимое мною сочетание умения хорошо петь и убедительно играть, а еще и очень интересная внешность.

Наверное, «Донжуан» требует еще некоторой «чистки», приведения в более гармоничный и искрящийся вид. Но мне спектакль понравился уже таким, каким был представлен на предпоказе. Он живой, хулиганский и с молодым характером. У него есть свое лицо. Это круто.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Сб апр 14, 2018 13:36

"Безымянная звезда", Новосибирский музыкальный театр на сцене РАМТ, 13.04.2018

Изображение

Как-то так получилось, что в этом году я сходила на не очень большое количество спектаклей «Золотой Маски», но привезенный к нам мюзикл, конечно, не могла обойти стороной. На этот раз ретро – «Безымянная звезда» в постановке Новосибирского музыкального театра - того самого, чей «Вий» пару лет назад очень приятно удивил. Пожалуй, я не могу сказать, что «Безымянная звезда» настолько же хороша, однако смотрится она достаточно прилично, хотя есть ощущение, что спектакль надо вычистить. Сама история, как мне кажется, имеет огромный театральный потенциал в плане экспериментов с художественными средствами, в плане донесения идей и смыслов: при желании может получиться очень здорово. Однако пока на суд публики представлена всего лишь романтическая история.

Пожалуй, основное мое разочарование наступает от того, что спектакль поставлен «в лоб», так что получилось ретро. Но если бы ретро было всего лишь формой, стилем, а сама постановка была современной, было бы интереснее и вкуснее, однако в предложенном случае ретро – это и форма, и содержание. Декорации в постановке довольно скучные, они «не работают», они просто есть, и на этом все. Более того, иногда они создают ощущение бардака на сцене, кажется, что они и вовсе мешают. Костюмы в общем-то тоже не лучше: удивительно скучные и банальные, без своей изюминки и без идеи. А зачем было играть в тему с зонтиками, я так и не поняла. Есть еще любимый всеми экран, но он не просто не играет никакой роли - его почти не видно! Впрочем, в плюс пойдет то, что все-таки не было чего-то совсем уж нелепого, просто не слишком оригинальное и интересное. Хотя одна очень понравившаяся мне находка все-таки была - это звездное сияющее небо, когда десятки блестящих шаров отражали свет: это было очень эффектно и красиво!

Отдельно хочется отметить, что свет в постановке ну очень банальный, скучный, не продуманный, хотя, казалось бы, для такого спектакля классно поставленный свет – это необходимость. Освещение то обычное, то приглушенно-ночное, но свет не играет, не создает настроения, не переносит в иные миры. Тут же вспоминается восхитительная работа со светом в «Донжуане» Театра Маяковского. Вот такой уровень здесь нужен, когда свет – сам герой, когда он способен заставить заиграть декорации, переносить в другие локации, изменять вообще все. Когда он способен дать настроение. Но нет. Не справились.

Как я уже упоминала выше, «Безымянная звезда» поставлена прямолинейно, как история о любви, хотя здесь ведь есть, о чем поразмышлять и что показать. Здесь есть тема контраста между витающим в облаках и парящим среди звезд Марином и жителями унылого городка, тема, возможно, его личной трагедии в связи с его нахождением в этом месте, можно поговорить о Моне, которая проделывает путь от приземленной девушки к просвещенной и обратно, которая делает выбор между любовью как глотком свежего воздуха и своей зоной комфорта, стоит обратить внимание на мадемуазель Куку и ее собственную трагедию прошедшей не для чего жизни, можно опять взглянуть на Марина и на невозможность ему самому что-то изменить. Все это требует формы, требует художественных средств, а не просто рассказа от титульного листа до слова «Конец». Всего этого не хватает. Получается очень поверхностно. Захвачены лишь самые элементарные темы, поданные прямо: воинствующая нравственность (которая, конечно, перекликается с сегодняшним днем, но отсылов все же нет, их можно лишь додумать), столица как единственное место для жизни (причем, несмотря на явную ассоциацию с нашей действительностью, это не использовано), разница между людьми. Есть, правда, один момент, который я оценила, но, возможно, лишь из-за своего настроя: это эпизод, когда главный герой объясняет, что, хотя соседей и не видно, они наблюдают, смотрят и обсуждают. Конечно, речь шла всего лишь о провинциальности, но у меня ассоциация была с другим, с другими «соседями». А тему с Куку просто не смогли развить: строгая воинственная и ненавидящая от собственной боли весь иной свет барышня преображается, увы, не до конца: очень хочется, чтобы она скинула свой костюм, а под ним легкое платье. Как бабочка, вылупившаяся из кокона. Не дотянули несколько.

Мне понравился исполнитель главной роли Евгений Дудник – его герою хочется сопереживать, потому что в сущности он и Мона – такие мечтатели, точнее, он-то да, а она лишь играет в мечтательницу, что отличает эту пару от героев «Ла-Ла-Лэнда», скажем. Марин и его друг Удря в этом карикатурном и картонном городке единственные живые, и прибытие Моны ничего не меняет. Она – актриса, о чем мы узнаем, и, увы, понятно, что она путает сцену и настоящую жизнь, она переходит от жизни к игре и обратно, причем сама не знает, что есть что. Так что она не картон, но блестки и серебряная пыль, которые сопровождали ее появление, которые нашиты на ее платье. Вот и получается, что жить пытаются лишь мечтатели, как Марин, как Удря, чьи мечты и стремления где-то в их воображении, а на деле лишь на бумаге. Один стремится к неведомой безымянной звезде как символу недостижимой цели, а второй – к музыке, которой нужен неведомый и столь же недостижимый инструмент. Интересно, что Марин и Удря в некоторой степени от начала к финалу меняются ролями, ведь Марин в самом начале делает шаг к своей звезде, купив книгу, но затем удаляется от нее – от мечты, когда уходит Мона, а он не может ничего изменить, и даже не пытается. А Удря, отчаянный в самом начале мечтатель, в финале, напротив, получает возможность воплотить свою мечту.

Финал вообще получился очень даже неплохо и пронзительно, он дал надежду кому-то, у кого-то ее отнял. Звезды не сходят с орбит, жизнь возвращается на круги своя, принося и моменты счастья, и моменты одиночества. Жизнь вообще часто жестока, и реальная жизнь часто не про комфорт, ведь этот финал открыл глаза многим, а сама история показала героям другую жизнь, и будет ли все в городке как прежде, или хотя бы у этих героев? Светлая грусть в финале переходит в грустное сожаление, соседствующее с осознанием неизбежности того, что произошло, и что не могло не произойти. А вот поклоны, напротив, выстроены очень даже с юмором, грамотно и интересно. Такой заряд позитива после не слишком счастливого финала.

В «Безымянной звезде», увы, довольно скучная хореография, и почему-то не очень цепляющая музыка. Все ждешь, что вот сейчас будет хит, какой просто обязан быть в любом мюзикле, а его все нет. Также обращает на себя внимание тот факт, что некоторые номера узнаваемы: номер Грига напомнил отчаянно «Чикаго», да и образ тоже. Исполнение песен артистами мне тоже не понравилось совсем, включая упомянутого мною и правда классного Евгения Дудника. Показалось, что пели они скорее, как оперетту, чем мюзикл. Ну правда, пели не очень. Да еще и актрисы, которые зачастую разговаривали довольно писклявыми голосами. Не думаю, что у них реально такие голоса, но вот так поставлены.

От «Звезды» остается ощущение нереализованности: столько всего можно было сделать, такой благодатный материал, а получилось просто не скучно. Но ведь этого мало. Однако есть кое-что, что я удовольствием хочу констатировать: уровень-то вполне приличный. Совсем не хочется делать жесты отчаяния относительно этой постановки. Определенно, музыкальные спектакли в регионах, в частности, мюзиклы, получаются гораздо лучше драматических спектаклей. Это ведь очень позитивная тенденция.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вт апр 17, 2018 23:57

Концерт Брендона Стоуна "Она" на сцене театра "Золотое кольцо", 15.04.2018

Я очень долго колебалась и не могла решиться, хочу ли я идти на концерт Брендона Стоуна, тем более, что театр «Золотое кольцо», на сцене которого концерт и состоялся, находится совсем не рядом с метро. Тем не менее, меня убедила хорошая погода, что сидеть дома – не лучшее времяпровождение. Так я впервые попала на концерт этого прекрасного артиста.

В случае с Брендоном, как и в случае с Александром Панайотовым, вовсе не шоу «Голос» было первым знакомством с творчеством артиста. Более того, «Голос» я не смотрела вовсе. Брендон Стоун запомнился мне на концертах Михаила Задорнова: запомнился тем, что пел очень легко, голос очень красив и невероятно проникновенен, а «Ленку» я вообще заслушала до дыр. Я знала, что Стоун – успешный композитор, но совсем не была знакома с его личным творчеством, так что в любом случае меня ждал сюрприз.

Одной из первых песен была русская версия Historia de un amor, причем Брендон высказал благодарность своему наставнику за то, что тот дал ему спеть эту песню. Это странно, так как пел он ее и раньше, и в оригинале в его исполнении она звучала еще более потрясающе, чем на русском языке. Было в концерте очень много песен, написанных для кого-то, из известных имен припомню, например, Ани Лорак. Единственное, что резануло, чего точно не стоило делать: не надо было многократно говорить про плотный график не пришедших артистов. Этими вечными упоминаниями Брендон будто ставил себя на ступень ниже, а зачем? Ведь публика пришла к нему на концерт, а не к ним.

Написанные и спетые Брендоном для себя песни мне понравились, практически все, причем особенно запомнилась «Бьется сердце». Судя по реакции зала, эта песня – чуть ли не визитная карточка, и очевидно, почему. Прямо цепляет за душу и словами, и музыкой. Очень понравилась. Общее направление, в котором творит артист – что-то ближе к романсам, романтичное и спокойное, однако хотелось бы отметить, что песни для других артистов зачастую сильно отличались по стилю от того, что Стоун писал для себя. Да и упомянутая «Бьется сердце» тоже далеко не в романсовом стиле. Так что как композитор Брендон определенно раскрылся для меня с самой лучшей стороны. Мне действительно понравилось его творчество, в нем есть вкус, это не назовешь стандартной попсой, что я с горечью писала про песни Александра Панайотова.

Было у Брендона очень много дуэтов, в основном, с женщинами, из которых самые известные – Лада Дэнс и Сати Казанова. Лада Дэнс показалась отрешенной и замученной, пела очень средне на мой вкус. Казанова, напротив, скорее понравилась. Не тем, как пела: голос довольно посредственный, зато она свою партию проживала, так что на сцене случился маленький спектакль. Образ выбрала тоже весьма элегантный: красивое красное платье, подчеркивающее прекрасную фигуру. Была еще Нина Шацкая, которая по пению понравилась больше всех, но платье у нее…блестело как сопля на морозе. Ослепительно в прямом смысле слова. Очень не понравилась некая Лилит, ну просто очень не понравилась. Не произвела впечатление некая Людмила Соколова, и оставил двойственное впечатление дуэт. Девушку в нем зовут Катя, парень – Олег. Пели они с Брендоном втроем, и если девушка может понравиться, то парня с Брендоном даже близко не сравнишь. Впрочем, он будто понимал, что здесь третий лишний, чувствовал себя на сцене весьма неуютно. Самые бурные овации сорвал некий Вахтанг, большой друг, как я понимаю. Было у них несколько дуэтов, не могу сказать, что в восторге, но разнообразно. Еще было трое грузинских артистов из «Голоса», имен не помню, которые пели с Брендоном попурри в финале, и вот это было и зажигательно, и интересно, и круто. Была еще Этери Бериашвили, о которой я помню только сам факт ее наличия.

Сам Брендон имеет вкус не только в музыке, и мне хотелось бы отметить, что на его микрофоне были какие-то красные части, так у Брендона платочек, который торчал из кармашка, был в цвет. Была попытка использовать свет, но, конечно, довольно скромная. Пел, конечно, Брендон потрясающе, и так легко!.. Я это всегда очень люблю и ценю: эту легкость, эту красоту. Артист был на сцене и пел все три (!) часа концерта, и это потрясающе, конечно. Не очень здорово, что он очень много времени провел за инструментом, и гораздо больше нравилось, когда он вставал и пел, а играли другие, хотя здесь понятно: это особенность исполнителя.

Что особенно проняло, заставило чуть ли не плакать. Ком в горле – так точно. Воспоминания, посвящение Михаилу Задорнову. Мне тоже было очень больно, когда он ушел. Брендон посвятил этому человеку трогательнейшую песню, а видеоряд на экране…трудно было смотреть спокойно. В зале была жена Михаила Николаевича. Брендон пояснил, что в данном театре должны были состояться отмененные концерты Задорнова (неужели, правда? Задорнов в Москве выбирал залы больше, тот же театр на Таганке), поэтому сейчас Брендон выбрал именно «Золотое кольцо».

Вторая вещь, пронявшая до слез – посвящение маме. Я эти песни никогда спокойно слушать не могу, всегда очень трогают, вопреки моему желанию. А уж если в таком исполнении… Красиво и трогательно. Была и любимая мною «Ленка» - маленький спектакль, а не песня, обожаю.

Хочется отметить, что концерт был относительно структурирован: сначала спокойные песни, часто написанные для других, потом много дуэтов, чаще написанных для себя, потом зажигательное. Здесь скажу, что у Стоуна, конечно, есть энергетика. На мой взгляд, у Панайотова она все же сильнее, и другого свойства, но и у Брендона она есть. Он смог ближе к финалу зал не просто довести до экстаза, но натурально заставил танцевать. Хотя обращу внимание, что зал был очень теплым и приветливым, я чуть ли не впервые с таким сталкиваюсь.

Что еще хотелось бы подкорректировать на будущее: видеоряд не продуман совсем. Специально готовили, видимо, только посвящение Задорнову. В остальном на экране было только имя Брендона, и периодически клипы на песни. Я уже упоминала, что Брендон постоянно ссылался на занятость артистов, но также он частенько обращал внимание на некие технические неполадки, которые в зале, по крайней мере, там, где я сидела, были не заметны. С одной стороны, хорошо, что пропинал исправить, но с другой – а стоило ли? Это же не эпик фейл с неработающим микрофоном в Крокусе. Может, не надо было привлекать внимание к этим вещам? Звук, в целом, был неплохим, но я бы сделала чуть потише: поначалу было вообще дискомфортно, очень уже громыхало.

Еще один маленький момент: продолжительность. Я уже говорила, что длился концерт три часа. Спасибо хотя бы, что без антракта, сидеть там до 23-х – это жуть. Но при планировании точно стоило учитывать местонахождение: далеко от метро. Последние полчаса я нервно посматривала на часы и думала, а не взять ли такси прямо от театра, ибо добираться до метро страшновато. Продолжительность надо бы анонсировать. А также начинать не в 19, а в 18 – все-таки выходной день. Тогда и продолжительность не была бы проблемой. Концерты в том же Крокусе частенько по выходным начинаются в 18. Потому что Крокус ну очень далеко, пусть и рядом с метро.

Сам зал меня, скорее, удивил. Во-первых, тем, что далеко от метро. Это засада. Во-вторых, зал новый, и очень маленький. Нерационально как-то. А в остальном зал очень даже приятный: хороший подъем, довольно уютное здание, нормальный звук.

Подводя итоги, скажу, что точно не пожалела, что пошла, разве что продолжительность была не слишком приятным сюрпризом. Продолжаю восхищаться Брендоном как певцом, приятно удивляюсь ему как талантливому композитору с чувством вкуса, стиля. Не знаю уж, пойду ли второй раз, очень под настроение это все. Энергетика лично меня с кресла не подняла и восторженно говорить еще пару дней не заставила, хотя концерт очень качественный и с любой стороны приятный. Спасибо артисту за него.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Ср май 09, 2018 23:46

"Ovo", Cirque du Soleil, ДС "Лужники", 09.05.2018 в 15:00

Изображение

Я вообще-то сильно не люблю цирк, вот с детства не задалось как-то. Более того, меня ужасно раздражают всякие воздушные акробаты и прочие трюкачи, особенно, если они занимают место в ледовых шоу. Однако Цирк дю Солей – это другое. Их акробаты и гимнасты и всякие герои ледовых шоу – это как народные артисты и дети в школьной постановке. Небо и земля. Высочайший класс. Идеал и эталон. Чистое искусство и поэзия человеческого тела и человеческих возможностей. Цирк дю Солей – это какое-то воплощение мира и всех его ярчайших красок, сублимация позитива и красоты. Это действительно кусочек Солнца, и именно поэтому у этого цирка, лишь условно называемого цирком, столько поклонников и во всем мире, и в нашей стране.

Впервые я познакомилась с творчеством знаменитой команды несколько лет назад, когда они привозили в Россию шоу о Майкле Джексоне. Это было не первое их шоу в нашей стране, и не последнее, но было единственным, на которое я ходила. Ovo – лишь второе шоу Цирка дю Солей для меня. Почему-то мне кажется, что именно Ovo как нельзя лучше воплощает сущность этой труппы, потому что в нем, как нигде, есть природа, есть жизнь и есть Солнце. Ovo посвящено буйству красок, радости жизни и ее бесконечному циклу, не замирающему ни на миг. Мир насекомых, кажется, запрятан где-то в джунглях Бразилии, и звучат песни на чарующем португальском языке, перемежаясь со звуками нетронутой природы. Сюжета здесь почти нет: в джунгли попадает Иностранец – муха, а с ним и яйцо, привлекающее внимание всей местной живности. Яйцо – будущая жизнь, причем неизвестная и пугающая, но и привлекательная. Яйцо – сам символ жизни… А Иностранец – ее проводник, чья судьба – влиться в незнакомые джунгли и, может быть, их изменить. С новым гостем приходит и еще одна спутница жизни – любовь, и наводит сумятицу в голове у позитивной, большой и доброй Божьей коровки. Сходство и различие, страх и смелость – вот они, грани отношений этой странной пары.

Но не все время на арене Муха и Божья коровка, нет, они появляются лишь периодически. Ovo построен как набор номеров самых разных акробатов, изображающих – и весьма достоверно – насекомых. Очень впечатляет выступление «муравьев»: артистов, выступающих с предметами – то ли кусочками фруктов, то ли ее чем-то. Восхищает идеальная синхронность и абсолютная натренированность, когда ни один предмет не падает, несмотря даже на повороты-перевороты, смены позиций артистов. Самый музыкальный номер, на мой взгляд – это номер Стрекозы. Стрекоза невероятно в мелодию извивается и порхает по некоему дереву, или чем этот предмет может быть, показывая чудеса человеческой гибкости, удивительные возможности человеческого тела. В один момент герой здесь, и вот он уже порхнул выше – все это танец природы, красота, упускаемая человеческим глазом в обычной жизни.

Воздушные акробаты приятно удивили в этом шоу: целая их группа показывала умопомрачительные и даже страшные трюки с полетами и прыжками, когда порой не одна артистка в прыжке, а несколько, и эмоционально боишься какой-то опасности, но все настолько надежно, что можно просто наслаждаться зрелищем. Очень запомнился акробат-паук на не полностью натянутой нити, по которой он не просто ходил (это было бы скучно), но опирался на палку и держался лишь на ней, катался на импровизированном велосипеде – да много чего. Это кажется нереальным, пока не видишь своими глазами. А прыжки кузнечиков (или кто это был) с батута на стену и обратно! Идеальная синхронность прыжков и полета, многочисленность участвующих артистов и музыка их одного общего танца… Это просто завораживает.

А наши клоуны – Божья Коровка, Иностранец-муха и еще один жук не просто взаимодействуют друг с другом, но и со зрителями, сидящими в партере. В какой-то момент на арену вытащили девушку, и стали играть с ней. Надо сказать, что девушка большая молодец, она не растерялась и смотрелась очень гармонично с профессиональными артистами, сумев понять, чего они от нее хотят, как на них реагировать. Артисты же идеально реагировали на ее движения и поведение. Это было забавно и интересно, хотя я обычно такое взаимодействие не люблю.

Было бы странным, если бы в финале яйцо не раскрылось. И да, оно треснуло, но…кто вылупился из него – это осталось за скобками к моему огорчению. Весь финал – триумф жизни, всепобеждающей, постоянной, неизменной. Где есть место дружбе, любви, красоте, открытиям. Прекрасно выстроенные поклоны, где нашлось место каждому артисту.

Из всего шоу на меня не произвел должного впечатления лишь номер с жонглированием, хотя, безусловно, я прекрасно понимаю, что такое жонглирование требует немалой сноровки, что непросто. Но для меня именно в этом номере не было какого-то развития, и было совершенно не интересно, что же будет дальше. Однако это такие мелочи, учитывая, насколько потрясающе все остальное.

Есть еще вещи, обращающие на себя внимание. Декорации: на самом деле, они простые и функциональные, и сами по себе, похоже, бесцветные. Во все цвета радуги, в южноамериканский лес их превращает потрясающий, живой, уникальный свет, заставляющий ожить и сверкать разными красками все действие, создающий настоящую атмосферу заповедного места. Реквизит для гимнастов меняли максимально незаметно для зрителя: во время очередного номера одних артистов другие натягивали сетку для воздушных гимнастов, укладывали маты, укрытые мраком, однако все равно в костюмах и в образе. Я даже не всегда замечала это движение. Музыка здесь часто тягучая, дабы лучше отразить плавные движения гимнастов, или порывистая, чтобы показать рывок гимнастов воздушных. Здесь тот самый непонятный и понятный язык, на котором общаются герои. А еще здесь исполняемые, похоже, вживую песни на португальском, однако певица вовсе не привлекает внимания, оставаясь лишь фоном. Костюмы ярких цветов, богато украшенные и блестящие, грим ярко выраженный, но все это совсем не вульгарно, а очень аутентично, и соответствует общему стилю постановки. Конечно, в таких условиях лиц артистов не увидеть, и сами они используют лишь явную и максимально выразительную мимику, что, впрочем, должно подходить насекомым.

От постановки веет каким-то теплом, безумной любовью к жизни, к исконной жизни, к жизни, нам не подвластной. Посмотреть Ovo – это и правда побывать в иной вселенной, которая, тем не менее, рядом с нами. Цирк дю Солей – это что-то особенное, уникальное, увидев которое, хочется продолжения. Это абсолютное творчество, и оно привлекает. Это невероятно талантливо и невероятно профессионально.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Сб май 12, 2018 00:55

"Все о Золушке", Московский театр мюзикла, 10.05.2018

Изображение

Если бы не последний момент, ничего никогда сделано бы не было. Иногда это и про меня, причем особенно часто при прокате мюзиклов. Почему-то кажется, что эти спектакли будут идти вечно. Я в МДМ почти всегда прихожу в последние месяцы проката, так и здесь: не пошла бы я на «Все о Золушке», не будь новости о ее закрытии. А теперь, знаете, особенно жаль, что спектакль закрывают: это просто огонь. Давно я так до слез не смеялась, и давно так моментально не пролетало время на спектакле. Давно так отчаянно не хотелось посмотреть и второй-третий состав… Зацепило, в общем.

Сказок здесь намешано, конечно, прилично, и не узнать их просто невозможно: здесь и «Волшебник Изумрудного города» в лице Дровосека, и эстетика фильма «Алиса в Стране Чудес» на примере Мачехи, и «Спящая красавица», и «Кабаре» читается, и Кощей Бессмертный здесь есть (Король, конечно), да и…чего только нет, в общем. А все вместе выглядит как удивительный кукольный дом, где все такое ненастоящее-игрушечное-бумажное, а вместе с тем и жизненное, и узнаваемое. Озорство, и с каждым новым приколом смеешься от узнавания, а ведь у каждого в голове ассоциация своя: для кого-то безобидная, для кого-то смелая и провокационная, а для кого-то просто шутка юмора.

Здесь есть один важный посыл, воплощением которого является Лесничий с шарфом-удавкой на шее: если верить, что все хорошо, то все хорошо и будет. Вот все-все себя в этом и убеждают, хотят и любят обманываться: это и положительные, и не очень герои. Золушка по определению верит в хорошее, Мачеха верит в свой план вопреки всему, Король верит в правильность своих действий, и, обманывая себя, герои обманывают и всех вокруг. Просто с Лесничим все очень наглядно: удавка, самообман, а стоит ее размотать – и перед нами иной и живой человек уже без покорной улыбки на лице, с окрепшим голосом и своим мнением. С одной стороны, да, самообман, с другой – удавка все-таки чужеродная, накинутая его «правителем» и как бы доброжелателем, хотя шарф сливается с костюмом, а внушенные мысли – сливаются с собственными. Поэтому изначальный обман становится собственным. А кто ее срывает? Конечно, номинальный «враг»-браконьер, который фактически открывает глаза, и этот взгляд на правду – он болезненен, голая шея смотрится странно, но зато сам пациент излечен. Трактуйте это все как хотите. Самый страшный обман – собственный. Самые страшные вещи люди делают всего лишь ради убеждений, внушенных убеждений.

А кто же в этой истории свободен? Дровосек, ни на минуту не желающий подчиняться правилам, Крестная, устанавливающая собственные правила, да Шут, несущий, что пожелает, играющий, но в свою игру. Кто эти люди? Один – новое поколение, не желающее жить старыми предрассудками, вторая – сломанная и закаленная ими же, а третий – что-то вроде…журналиста или артиста, подмечающего, говорящего все, но развлекающего, и не привлекающего в результате никакого внимания. Все эти люди – они те, кто способен все изменить благодаря своей природе, благодаря своим умениям. Что говорят они? Они говорят про время! У которого невозможно выиграть, как невозможно прошлое сделать будущим и поэтому так важен здесь номер про часы, где часы – каждый, и поэтому время – его не остановить, не надо и пытаться. У часов не выиграть, а значит, и у себя не выиграть.

Здесь хочется отметить и образы Короля и Мачехи. Засушенный Кощей Бессмертный, помирающий от скуки и отсутствия хоть какой-то цели и пышущая здоровьем и азартом Красная Королева, всего лишь способная эту цель внушить. Белое и красное. Мачеха красная как война, которую она хочет спровоцировать, как кровь, которая может пролиться просто так, ради славы, и ужас, как ее слова пугают, а от этого страшного энтузиазма не только смеяться хочется. А когда вдруг Мачеха начинает петь о войне, в ее голосе и манере проглядывают знакомые характерные нотки песен военных лет, пусть даже всего на миг, и это показательная находка. А что еще страшно: все эти однообразные люди-стулья покорно начинают маршировать, и им что бал, что война – все едино. Хорошая объединяющая идея – война, но страшная, нельзя ей жить, потому что война – это смерть. Когда королям нечем заняться, они занимаются войной?..

А что же Золушка? Она все-таки воплощение любви. Не назову ее наивной, но назову ее душевной и искренней. Она искренне верит окружающим и на них надеется – не на себя, в себя она не верит. Да, она действительно не приспособлена к жизни, а жизнь с ней поступает совсем не по сказочному. А ее любовь ведь и не любовь как таковая, а поиск, кто бы в нее поверил. Золушка – такой человек-человек, которому надо быть кому-то нужным, которому нужно отдавать. Поэтому ее «умирание» происходит не из-за холода, а лишь от одиночества. Самая страшная штука – быть не нужным.

Золушка – совсем явно отражение Крестной, только отражение наоборот. Они обе сдаются и пасуют перед любовью, но одна меняется, а вторая тихонько испускает дух. Поэтому одна сама может завоевать свой второй шанс на счастье, а другой непременно нужно чудо. А вот другие отражения – Король и Дровосек – это герои ровно наоборот. Первый сдается и плывет по течению, и фактически хоронит себя заживо, что написано на его лице, а второй борется и сам совершает чудо. Как все-таки правильно получается в этом втором случае… Будущее в лице Дровосека лучше и решительнее, свободнее прошлого… И наконец-то решительнее мужчина, и это история совсем не про сильных женщин. Странный вывод… Но напросился.

Еще один сильный символ здесь – перчатка. Она закладывает основу, и она сразу, с первых минут намекает на финал. Перчатка – своеобразная туфелька в этой сказке на новый манер. Перчатка – ключ к любви, вот только она – настоящая, не волшебная, а значит, и для любви в этой истории колдовство не нужно. Люди притягиваются потому что должны. Но перчатка – не только туфелька, это и брошенная перчатка, которая связывает Лесничего и Дровосека, это вызов непокорного будущего к покорному (пока) настоящему. Каждый из героев играет так много в судьбе другого, и каждый из этих героев в некоторой мере освобождает другого.

Что безумно понравилось в этом спектакле – дух драматического спектакля, то есть спектакля с сердцем и душой, от которого кайфуют сами исполнители, от которого у них горят глаза. А какие здесь тексты! Какие озорные решения номеров! Выход Крестной с командой на корточках – это просто нечто, смех до слез. Как и охрана позднее, как и умные с поддевкой песенки Шута. Я не берусь оценивать музыку, она настолько часть спектакля, что мне сложно ее оценить отдельно.

И очень сильный актерский состав. Золушка (Екатерина Новоселова) так кайфует от своей роли, и это невероятно передается зрителям. Не нежная, но озорная и живая, и ранимая порою, и момент с ее засыпанием тронул чуть ли не до слез. Мачеха (Анна Гученкова) великолепна в своей агрессии и амбициях, эти переходы от кошачьей опасной нежности к рыку тигрицы – это круто. Вот уж кто пугает в этом спектакле, так это она. Не интриганка, но сплошная власть. Пожалуй, у нее нет любви к дочкам, но есть отношение к ним как к инструментам. Она не воплощение зла – она воплощение выстланной благими намерениями дороги в ад. Крестная (Оксана Костецкая) – это просто звезда, это пародийный персонаж, которого актриса, тем не менее, делает живым. Ярчайшее впечатление от игры Оксаны – она великолепна. Лесничий (Евгений Вальц) напомнил Евгения Миронова в «Сказках Пушкина», пусть там все совсем иначе, и эстетика иная. Очень заметны, хорошо показаны переходы от мягкотелости к жесткости, от смирения к сопротивлению и обратно. Король (Максим Заусалин) просто понравился – в сущности, здесь это ведомый персонаж, за которого многое делает грим, но ведь актер действительно хорошо играет переход от скуки к новому смыслу жизни, а затем и к другому – уже настоящему, и он обнимает Крестную так, будто смертельно боится ее отпустить. Отдельно упомяну Шута (Марат Абдрахимов) – он умудряется быть незаметным и быть везде, он умудряется донести свои сильные мысли, не забивая главных героев. Он и веселый, и невероятно трагичный, и да, кажется, что этот шут единственный, кто трезво оценивает происходящее во дворце. А вот от Дровосека (Денис Котельников) можно было ожидать большего… На фоне остальных он выглядит чуть слабее, ему будто неудобно петь, чуть лучше, когда просто говорит, он чуть более… наигран, и ему не так отчаянно веришь, как остальным, хотя стоит отметить классный голос и все-таки общую вписанность в спектакль. Я почти смирилась с отсутствием возможности увидеть Стаса Беляева в этой роли, но все же не слишком убедительный Дровосек бередит эту рану… В прочих ролях были Татьяна Батманова и Виктория Пивко (Изольда и Снежанна), а также Иван Латушко (Церемониймейстер).

Много слов и много букв – и сплошной восторг. Очень классная постановка, и жаль, что от нее отказываются. Это невероятно в кайф смотреть, и явно артисты играют с удовольствием, что, признаемся честно, в мюзиклах встретишь не часто (часто совсем уж на автомате). Отдельное спасибо Театру мюзикла за грамотно организованную пересадку. Они большие молодцы, и очень доброжелательные. Надеюсь, театр этот хоть как-то зарабатывает.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вс май 20, 2018 22:26

"Привидение", МДМ, 20.05.2018

Изображение

Я себе не изменяю – хожу на все в последний момент. С «Привидением» уж совсем затянула. У меня спорные от него впечатления: вроде бы и хорошо, и профессионально, и местами эффектно (как меняли солиста на кого-то или что-то еще в сценах гибели! Я даже не поняла, как), но вот не пробирает до мурашек, нет романтического настроя, не больно, не страшно. Может, всему виной то впечатление, что есть у меня от «Последнего испытания», а может, сам спектакль холодноват.

Состав: Андрей Бирин (Сэм), Галина Безрук (Молли), Эльвина Мухутдинова (Ода Мэй), Станислав Беляев (Карл), Андрей Федоров (Вилли), Игорь Портной (больничное привидение), Дмитрий Янковский (призрак из подземки), Юлия Ива (Клара), Галина Шиманская (Луиза).

В этом спектакле есть несколько центральных тем, хотя главная в любом случае романтика. Однако выделить стоит тему исправления собственных ошибок, когда уже поздно, тему страстной любви к деньгам, довольно все же формальную, тему зависти. Но, даже несмотря на наличие тем, спектакль развивается как любопытный и вполне детективный рассказ с налетом мистики. Ввиду того, что круг персонажей и, собственно, потенциальных подозреваемых довольно узок, кто же во всем виноват, понятно с первых же минут. И главной интригой становится: сможет Сэм или не сможет достичь своей цели – защитить любимую.

В этом спектакле важен город Нью-Йорк, и попытка передать его атмосферу может быть названа вполне удачной: это и вечный кофе из Старбакса, который ну постоянно в руках у Карла, это и деловые костюмчики, и бешеный его ритм, и опасность подворотен, и безумная подземка, и наличие красочных персонажей – такое сочетание несочетаемого, такой плавильный котел, в котором может затеряться кто угодно. Город, который может нести и счастье, и разочарование. Город небоскребов и хижин. Здесь легко все обрести и легко все потерять. Здесь много необычных и обычных людей.

Наша тройка основных героев – Сэм, Молли и Карл – однозначно относятся к обычным героям. Они просто живут, просто ведут дела, просто влюбляются. Даже творческое начало Молли здесь сильно второстепенно, а ее гончарный круг – не призвание никакое, а способ снятия стресса. Сэм и Карл – судя по всему, из финансовой среды, причем вполне успешные – этакие представили среднего класса. Этих героев объединяет одно – простота их жизни, и, следовательно, простота счастья Молли и Сэма, в котором есть все, в котором – главное – есть они сами, а остальное все будет. У них простые диалоги, простые желания, простые ссоры из-за мелочей. Все так мило, никак не на разрыв, а просто и легко – бытовая жизнь и ее маленькие радости. Они веселые, жизнерадостные и вполне довольные, в них нет сочетаемости несочетаемого, нет трудностей, какие стоило бы преодолеть, а самая большая проблема – внезапная ревность Сэма, как тучка, появляющаяся на его лице, чтобы в следующий момент пройти. Притягательность этих героев – в их простоте и понятности, они должны быть близки зрителю.

Счастливый ритм начинает меняться с момента убийства Сэма – тоже невероятно бытового, обычного – простое ограбление в подворотне, простая и нелепая смерть, и предсказуемая реакция Молли. Вот здесь интересное и начинается: обычные персонажи сталкиваются с трагическими обстоятельствами, которые они вынуждены преодолевать. Нельзя сказать при этом, что милая счастливая идиллия резко становится драмой на разрыв аорты: вовсе нет, здесь остается юмор, а сцены страданий Молли перемежаются с юмористическими моментами Оды Мэй или нервными переживаниями Карла. Да та же Молли довольно решительна: на публику она особо не страдает, она пытается действовать и жить дальше.

Впрочем, стоит сказать, что вообще все происходящее мы видим глазами Сэма, поэтому нередко действие, куда вовлечены иные персонажи, будто уходит на второй план, происходит будто где-то вдалеке. Кадры страдающей Молли, не находящего себе места Карла – они где-то еще, в ином мире, а мы – зрители – вместе с Сэмом оказываемся запертыми между небом и землей, и видим мир чуть под иным углом зрения. Удивительный эффект, который достигается во многом тем, что Сэм почти всегда на сцене, почти всегда комментирует происходящее, и именно его эмоции становятся ключевыми. Достигается эффект и хореографией, когда Сэма ну никто не замечает, он не может дотронуться до предметов, а звуки голосов иных персонажей могут быть тише, чем его голос.

Сам костюм Сэма тоже играет на отстраненный образ – в синих джинсах и синей рубашке и в соответствующем освещении он контрастирует с яркими цветами костюмов остальных – живых – героев. Здесь тоже хочется сказать, что простота этой одежды добавляет некой трагичности образу – кажется, что герой ничем не отличается от прочих, никаких балахонов и мертвенной бледности. Но – привидение.

Само действие развивается весьма динамично, каждая сцена вполне логично связана с предыдущей, и в каждой сцене что-то происходит – минимум пустословия и страданий. Единственные моменты, где что-то такое общее есть – это выходы Карла про деньги с ансамблем, ну и все, наверное. Нельзя сказать, что детективная линия здесь главная – даже впрямую главный злодей оказывается представлен публике довольно рано, и главная загадка – сможет ли Сэм помочь Молли, а вовсе не то, что сделает злодей. Впрочем, и не это главное. Ведь Сэм так и не сказал важные слова, и, наверное, это самая большая ошибка, которую хотелось бы ему исправить. Ошибки-ошибки, когда слишком поздно.

Андрей Бирин, бесспорно, входящий в мой личный список любимейших актеров, представляет в первых сценах своего Сэма невероятно позитивным и вечно улыбчивым шутником, помимо этого и несколько легкомысленным, на первый взгляд. Он смешит и радует свою Молли, но относится к ней в своем живом состоянии немного…несерьезно. Этим легко объяснить, почему он не может сказать: «Я тебя люблю». Наверное, подсознательно вот к этой серьезности он не готов. Какой он в жизни в целом – сказать трудно, он ну очень позитивен, иногда даже чрезвычайно, так что понять его характер почти невозможно.

Мне вовсе не показалось, что Сэм у Андрея реально впадает в отчаяние от своей смерти: он слишком жизнерадостен и счастлив, чтобы сразу все осознать, и, хотя реакция резкая, она не очень убедительная. Однако переживает он, что не успел сказать главных слов, поэтому это чуть ли не первое, что он хочет сказать Молли после через Оду Мэй. В сущности, Андрей показывает переход от счастья в живом состоянии не в трагедию, а в угрюмое состояние депрессии, может быть. Однако и из угрюмости Сэм быстро переходит к действию, и в этот момент он уже просто зол на Карла, и эта злоба (и иначе не назвать) становится центральной в его поведении.

Да, мне показалось, что поначалу просто жизнерадостный персонаж становится просто злым, так что даже можно представить, что движет им не столько желание защитить любимую, сколько месть. К сожалению, мне не хватило перехода от звериной серьезности, вызванной, в том числе, осознанием собственного бессилия, к нежности по-настоящему любящего человека. Андрей все-таки нежен с Галей Безрук как-то формально, и «химии» больше даже между Стасом Беляевым и Безрук, чем между нею и Бириным. Андрей слишком…злой сегодня на сцене, будто он не смог окончательно переключиться от Рейстлина к Сэму, не знаю…

Так что романтика у Бирина и Безрук не удается ну совсем. Вроде бы два очень хороших актера, но в игре его не хватает именно переживаний любящего человека, разлученного со своей половинкой навсегда, и даже в финале, когда Сэм уходит куда-то к звездам, нет вот этой пронзительности, которую вызывает музыка. Что-то не сложилось…

Зато юмористические сцены удаются просто идеально. Юмор – точно конек Андрея Бирина. И саркастичные фразочки, когда Мэй «гадает», и шуточки над ней – все в тему и в точку. С Одой взаимодействие получается замечательно.

Пока Сэм увлечен делом, он убедителен. Когда же от действия он переходит к наблюдению, он становится ну просто угрюм. Так хотелось бы увидеть и развитие темы ревности к Карлу, а не просто заботы о Молли, но ее не хватило. Ревность реально и наглядно была показана в одном эпизоде, но дальше тема не выстреливает, а жаль.

Зато поет Андрей как по мне, так просто идеально. Стас Беляев, как мне показалось, сегодня был будто не в голосе, и некоторые его выходы прозвучали не очень убедительно, вплоть до того, что не все можно было разобрать, Андрей в этой части был круче. Зато со словами в каком-то диалоге накосячил, впервые за ним такое замечаю, видимо, 100500 спектаклей в неделю не идут артисту на пользу. Впрочем, он сегодня косячил не единственный: Ода Мэй тоже путалась, но ни она, ни он из образа не выпали. Еще показалось, что были проблемы с микрофонами: не всегда было достаточно хорошо слышно, особенно Берзук, а Мэй и вовсе вышла с переносным, интересно, это так задумано, или мне не показалось.

Но я отвлеклась. Для меня сегодня лучше всех был Стас Беляев. Еще один из моих безусловно любимейших актеров. Ну вот люблю я именно хороших, в первую очередь, актеров. Просто затмил всех, и это несмотря на мегапозитивный настрой по отношению к Андрею Бирину – и его затмил. Вот у него интерес к Молли был настоящий. Карл получился типом весьма скользким, такой «маленький» человек, выбившийся в чуть более благополучный социальный круг, но не забывающий своих повадок. Его вечный кофе в руках - желание угодить и втереться в доверие. При этом собой Карл ну совсем не владеет, он часто очень нервный, просто не имеющей возможности усидеть на месте, и он точно не соперник размеренному и спокойному Сэму. Он прямо-таки мельтешит, носится по сцене, что однозначно характеризует его характер. Стас реально ну очень убедительно играет двуличного негодяя, чего стоит только сцена на кладбище, когда в глазах актера стоят эти фальшивые крокодиловы слезы. Он играет притворщика, и играет убедительно! Наверняка, Карл жутко завидовал Сэму при жизни, и его поступки – они даже не страстью к деньгам обусловлены, а завистью. Завладеть всем, что было у Сэма, даже его женщиной. Кажется, что он в принципе хочет занять место Сэма – любой ценой. Наверное, в сценарии он чуть трусоват, но Стас трусость не играет, а вот умение приспособиться к новым обстоятельствам – да. Такая весьма неприятная категория людей-приспособленцев и подлецов.

У него реально получается взаимодействовать с Безрук: в сцене с рубашкой у Молли дома куда больше потенциальной страсти и романтики, чем в счастливой сцене между Сэмом и Молли некоторое время до этого. Вот поцелуй между Молли и Карлом не был бы обыденностью, пусть и не любовью, но притяжением. Другой вопрос, что через некоторое время Карл уже увлечен необходимостью самосохранения, и Молли, почти им побежденная, уже не так интересна. Чисто животные инстинкты. Взаимодействие с Бириным у Беляева тоже получается убедительно: он выставляет своего Карла реально напуганным негодяем, уже в тот момент чуть свихнувшимся и слетевшим с катушек, и, как оказалось, его к краю бездны надо было лишь подтолкнуть. Ненависть к Сэму? Нет, исключительно вопрос самосохранения. От Сэма исходит реально ненависть, но от Карла – лишь испуг от этих мистических обстоятельств.

Галя Безрук вроде бы и главная героиня, и все время где-то в стороне, ее судьбой так или иначе заняты мужчины. Мне понравился ее голос – довольно неожиданный, такой сильный и…современный. Очень трудно что-то сказать о ее героине: она все время в страдании, которое, наверное, должно пробирать до глубины души, и даже пробирает в сцене, когда приходит Карл. Пожалуй, это весьма целеустремленная девушка, обращенная в будущее, но еще страдающая от прошлого. Не знаю уж, идет ли ей в принципе на пользу увидеть Сэма снова, или нет. Может быть и нет. Она ведь осознает, что завтра новый день. Она даже не запрещает и до того себе общение с Карлом, потенциально близкое.

Ода Мэй – Мухутдинова ну очень классная и юмористическая. Сколько раз их дуэт с Андреем Бириным заставлял смеяться! Она вроде и грубоватая, и не слишком грубая, она ровно в меру такова, как нужна. Ее музыкальные номера мне не очень понравились, но она сама – да.

Хочется отдельно сказать буквально чуть-чуть о финале. Ну все действовали в рамках представленных образов, кроме Сэма. Он так откровенно ненавидел и был зол на Карла, что я ждала, что на лице его будет довольная усмешка, что все так сложилось, а он – наоборот! – бежит ему помочь. Нелогично это, ведь простодушного и вечно доброго Сэма Андрей играет только пока его герой жив, а потом-то вполне целеустремленный призрак, и не очень добрый. Да и не похоже ну никак, что Карла он простил.

Во всем спектакле есть одна известная музыкальная тема, которую почему-то в прошедшем сезоне брали ну очень многие фигуристы, а вот остальная музыка…скорее, понравилась, но не запомнилось ну почти ничего. Запомнился выход призрака подземки, однако слов было почти не разобрать. А все остальное – скорее, нет. Надо переслушивать… Но мне часто с первого раза ничего не запоминается. Удачно, на мой взгляд, использовали экран, декорации сменялись ну очень живо, и были убедительны.

Мне вообще опять жалко, что я поздно пришла. Не то чтобы сильно «Привидение» зацепило, но я вдруг захотела увидеть Левкина, а сейчас ну совсем не время. Интересно, он такой же злой и скептичный призрак, как Сэм у Андрея? Или добрее и великодушнее? По идее, реакция Сэма-Андрея вполне человеческая: есть из-за чего обозлиться, просто это как-то…просто. Хотелось больше переходов от одной эмоции к другой… У Стаса Беляева более логичный и продуманный персонаж. С другой стороны, он играет постоянно. А Андрея поймать трудно.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вт май 22, 2018 00:02

"Последнее испытание" на сцене театра "Русская песня", 18.05.2018

Вот ведь бывает, что умом понимаешь, что постановка бюджетная, что она во многом от фанатов и для фанатов, а не для массового зрителя, что недоделок чуть ли не больше, чем сделанного, что шлифовать еще надо много-много времени, но материал настолько хороший, что цепляет все: музыка, герои, история, актеры. Настолько, что просто не отпускает, хочется еще и еще. Даже в таком виде.

«Последнее испытание» - мюзикл, очевидно сложный к постановке. Здесь достаточно запутанный сюжет, склеить который в единую историю – то еще испытание, извините за каламбур. А к сюжету прилагается вполне себе философская идея: цель оправдывает средства или нет?.. Даже не так: стоит ли достигать СВОЕЙ цели, вполне человеческого по характеру толка, любой ценой, не будет ли она слишком высока? Есть ли вообще такие цели, ради которых можно пойти на все? В нашем приземленным мире чаще всего таковой целью для антигероев становятся деньги и связанная с ними власть, в мире кино чаще власть выходит на первое место. В этой театральной истории речь тоже идет о власти, но в совсем уж преломленном виде, совсем не земном – здесь речь о том, чтобы не обрести власть, а ею стать. Самому стать своею целью. А если так, то еще острее вопрос правильности постановки цели, ведь если цель не верна, то и финал хорошим быть не может – ложная цель приводит к фальшивому их воплощению - некоему… фальшивому «я» для антигероя.

Эта довольно философская идея завернута в любопытное приключение, в котором прослеживается еще одна ключевая линия: вызов каждого каждому. Почти война всех против всех. Каждый герой ПИ обретает свою цель и воспринимает ее как вызов, будь эта цель возвышенна или низка – это не важно. Принять вызов – очень земное и человеческое свойство, плотно завязанное на гордости, неких вечных представлениях о чести, благородстве – это в природе человека, как элемент какой-то вечной нравственности. А уж руководствоваться вызовом – это не сделать что-то хорошее, это не победить, но извратить то, к чему идешь. Брошенная перчатка – игра на гордыне, и трудно просто развернуться, и уйти.

Однако, если уйти от обдумывания философских проблем, придется увидеть некоторую разобщенность спектакля, прерывистый сюжет, который хоть и пытались собрать воедино, еще до конца рассказать последовательно не получилось. Поэтому прибегают к обычно категорически нелюбимому мною средству – к рассказчику, коим является главный герой, и голос его звучит и в начале, что может быть допустимым, и просто по ходу сюжета, поясняя и объясняя. Стоит ли говорить, что подобное все же излишне, и куда вернее, правильнее показать все рассказанное на сцене, оставив автору лишь вступительное слово, быть может.

Но даже рассказчик не всегда спасает сюжет: в нем остаются логические дыры и недосказанности, когда у неподготовленного зрителя совсем нет шансов понять, где на сей раз оказываются герои, как оказываются, да в конечном итоге порою не ясно, кто есть кто. Более всего этим грешит первое действие, напускающее страху о Роще мертвых, совсем в итоге не показанной, или не дает ответа на то, куда и как делись герои после Истара. И это лишь наиболее ярко проявляющиеся моменты таких недосказанностей и нелогичностей. Страдает от недостатка понимания для зрителя и финал, оставляющий в недоумении, почему так получилось, и никто не вмешался. Наверное, «починить» многие такие моменты помогли бы именно диалоги между героями, небольшие сцены-склейки, которые не сильно удлинили бы действие, зато сделали постановку более цельной.

Все арии и песни мюзикла очень сюжетны, и это, на удивление, не всегда идет постановке на пользу. Что такое спектакль? Чем можно завлечь зрителя с улицы, если не рекламой? Атмосферой. А в музыкальном спектакле сама музыка, песни – большая ее часть. Песни создают мир, знакомят с миром, погружают в него. «Последнему испытанию» не хватает именно атмосферных песен не о чем и обо всем одновременно, они помогли бы правильно вступить в повествование, грамотно представить героев, постепенно – не резко! – перейти к основному сюжету или событиям, когда зрителю уже понятно, что здесь есть маги и воины, боги и жрецы, есть тьма и свет, и этот постоянный конфликт между добром и злом. Хотелось напустить мистической и фантастической атмосферы с постепенно оживающими героями, на которых мы смотрим будто из другого мира… И музыка – наш проводник…

Но ведь создает атмосферу не только музыка, и для спектакля в жанре «фэнтези» так важно оформление: костюмы, декорации и свет!! Подход ко всему перечисленному удивительно минималистичен, но это не было бы совсем проблемой, если бы можно было отметить удачно подобранную цветовую гамму. В спектакле много серого, темного, а в неверном свете слабо светящих фонарей все кошки серы… Солисты и танцоры слишком часто сливаются в бесформенную массу, где не выделить ни одних, ни других, и производит это не очень позитивное впечатление. Иногда отчаянно хочется добавить цвета, как в крайне серой таверне, а иногда – просто увидеть героев… Цвет фантастики – не серый – пустой и скучный цвет. Здесь стоило бы сделать акценты на серебристом, черном цвете, на переходе от белого к бордовому цвету, на фиолетовом цвете. Дать больше блеска костюмам, визуально выделить солистов. Обязательно! Они должны быть в одном стиле, но в явном виде отличаться от балета! Не сливаться с ним… Пусть постановка будет минималистичной, но она должна быть стильной. Сценические костюмы не должны быть скучными: пусть в них будет блеск, пусть в них будет фантазия. К сожалению, сейчас многие костюмы вызывают лишь вздохи.

Декорации, к сожалению, совсем не играют. Идея с «зубьями» выглядит любопытной, но декорация – не только они, но и не скрытые никак лестницы… Во многих постановках драматических театров декорации не богаты, но важны же в них не шик и блеск. Важна их функциональность, важно, чем в глазах зрителя они могут стать. Сейчас они – одно, а в другом свете или другой стороной - уже другое. Важно и то, как просто их меняют, насколько это заметно зрителю. Декорации в ПИ слишком статичны, и они довольно слабо создают ощущение параллельного мира. Плохо выстроенный свет совсем здесь не помощник: взаимодействие освещения и декораций не продумано. Зато их перемены и развороты постановщики все же постарались скрыть – в амфитеатре эти моменты не очень бросались в глаза, и это безусловный плюс. Еще один элемент декорации – экран. Последнее время он ну очень популярен в самых разных постановках. На мой скромный взгляд, в ПИ он реально играл только в сцене тюрьмы в Истаре. Все остальное время – не очень…Скорее, мешал. Я не сторонник выведения на экран видеоисторий, скорее, каких-то элементов, дополняющих декорации, а вот этого было по минимуму.

Одна из двух бед ПИ – отвратительно сделанный свет. Просто отвратительно. Сцена практически всегда должна быть освещена достаточно, чтобы зритель мог видеть солистов, ведь сцена в почти полном мраке – тоже художественный прием, но не постоянно же. Сейчас же доходило до того, что солист начинает петь, находясь в полной темноте. Или не поющий в конкретный момент герой, но важный в этой сцене – он в темноте, и видеть его реакцию просто невозможно. Декорациям свет тоже не помогает, увы. А ведь свет должен создавать определенную магию! Он должен литься, меняться, играть с героями, сам быть героем. Но ничего этого нет. На второй беде ПИ – плохой звук – я долго останавливаться не буду, ибо в «Русской песне» просто плохая акустика, и дело не только в кривых руках, тем более, что звук реально улучшили по сравнению с тем, что я слышала в «Русской песне» пару лет назад на другом спектакле.

Очень важный момент – это магия, ведь спектакль о ней… Показать ее можно было тем самым светом, с которым совсем не работали хорошо, а также хореографией. Но, к сожалению, реально это работало лишь в паре моментов, и выглядело это удачным озарением, а не последовательной работой над созданием образа как могущественного мага, так и опасной богини. Магии стоило бы добавить, смешать моменты ее проявления со светом: пусть будет какой-то луч, или, не знаю, звездная дорожка… Что-то должно быть.

Все это кажется одной большой бочкой дегтя, но ведь это не так, пока есть музыка «Последнего испытания», его текст, его идеи. Пусть не каждая, но многие песни – потенциальные хиты, и тексты здесь цепляют, они хлесткие, не безликие, как часто бывает, они запоминаются и цепляют. Актеры могут произносить их с миллионом интонаций, и они будут играть. Невероятно талантливый материал.

Еще одна ложка меда – актеры, те самые приглашенные большие мюзикловые звезды (Бирин, Колпаков, Бахтиярова). Перед ними стояла сложнейшая задача: быть интересными тем, кто уже полюбил иных, кто привык к иным, кто просто их не знает. Конечно, исполнителю главной роли – Андрею Бирину – пришлось сложнее всего. Он классный драматический актер, конечно, прекрасно поющий, и да, он смог нащупать своего Рейстлина. Его герой совсем не прост, он многогранен, он проходит путь от циничности, жестокости, язвительности и едкости к полной растерянности и все перекрывающей боли. Этому Рейстлину приходится упасть с вершины своей гордыни в самые глубокие недра своей души, испытать то, что, как казалось, ему испытать невозможно. Ему приходится осознать то, с чем не хочется мириться, и, в конце концов, усомниться в себе самом. Его жестокость в осознании силы в первом акте резко контрастирует с слабостью, в чем-то нежностью в акте втором. Его путь – это сплошное падение, то, которое и открывает глаза, и бросает вызов, и порождает СОМНЕНИЕ. Сплошное сомнение. Никакой уверенности в своей правоте. Никакой насмешки. И даже никакого злого огня в глазах, жестокого взгляда, что характерен для Рейстлина в первом акте. Только удар, опять удар, и от них не отбиться.

Он вовсе не борется с богиней тьмы, он борется с собой, не понимая при этом, на какой из сторон своей души ему выступить: быть ли жестоким и сильным Рейстлином (а сможет ли снова?) или, наконец, стать просто человеком. Эта вспыхнувшая на фоне вызванных воспоминаниями о любви и о боли болезненная любовь к Крисании – она искренняя, как всякий путь к спасению, но и острая, словно нож. Даст ли она счастье? Или только боль? Можно ли вообще его – темного мага – любить? Такхизис – его темная сторона – бросает вызов, и он поддается. Но нет ни капли уверенности, и все злые слова – герой говорит их лишь себе, и лишь себя уговаривает в правильности своего выбора и своих действий, прекрасно понимая, что никакая власть и божественность ему не нужны, просто отказаться - сложнее. Он не рассказывает легенду о каком-то маге – он рассказывает легенду о самом себе, это совершенно очевидно, и в чем-то легенда повторяется, только наоборот, а влюбленный дурак опять ошибается. Если в начале спектакля перед нами уверенный в себе герой, то в финале он буквально разорван на части. А его боль и переживания и сомнения – они отдаются в зале в душе каждого зрителя. Он жалок, но и его жалко. Он в этот момент очень человек.

Крисания здесь холодна и прекрасна, как и положено по тексту, но она почему-то совсем уж часто безучастна, совсем уж часто просто стоит в стороне, будто не испытывая совсем ничего. Ее любовь – она лишь в финале, а до того попытка обыграть мага на его поле, ведь она принимает этот брошенный им вызов, и чем он насмешливее, чем откровеннее он смеется ей в лицо, тем интереснее для нее его спасти. Спасти заблудшую душу. Но стоит признать, что при всей красоте вокала Крисания – классическая героиня, не глубокая, не сложная.
Все прочие герои вполне второстепенны, пусть на их фоне выделяется эмоциональный и швыряемый из крайности в крайность Карамон, тоже не имеющий цели, кроме любви брата, но все же герой второго плана. Из опытного состава выгодно выделяется Вера Зудина – Такхизис, темная богиня. Отражение самого мага: такая же насмешливая, такая же умная, такая же вызывающая. Фанатичный Король-Жрец не выходит за рамки прописанной роли, хотя сейчас – во времена возрождающегося религиозного...влияния – герой мог бы выглядеть чуть актуальнее, и было бы интересно осовременить взгляд на персонажа.

Как много слов опять, а ведь хотела сокращенную версию написать… Этот материал заслуживает достойной постановки, с нормальным бюджетом, постоянной площадкой. Но даже в таком виде он цепляет: и музыкой, и сюжетом, и, конечно, настоящими звездами в главных ролях. Я точно хочу еще. Несмотря на кучу недоделок. Потому что не халтура. Потому что талантливо, но требует доработки. Додумывания.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Пт июл 06, 2018 00:23

"Веселые времена", МХТ им. Чехова, 04.07.2018

Изображение

Поскольку чувствовать свободу – это делать, что хочется, но особенно – думать, о чем хочется, я пошла в театр. Снова. Да, странное занятие для июля, но мне невыносимо хочется видеть, чувствовать, ловить эти эмоции сцены. Каким-то чудом накануне мне удалось купить билет в МХТ им. Чехова на их премьеру завершающегося сезона – на комедию «Веселые времена».

Состав: Светлана Колпакова (Ниночка), Константин Крюков (Леон), Наталья Рогожкина (Свана), Армен Арушанян (Иранов), Александр Усов (Бульянов), Ростислав Лаврентьев (Копальский), Алексей Агапов (Управляющий отеля), Александр Ливанов (граф Раконин), Владимир Кузнецов (ювелир Мерсье, Медведь), а также в малозначимых ролях Ульяна Глушкова, Кузьма Котрелев, Николай Сальников, Софья Ардова, Ульяна Кравец, Иван Дергачев, Мария Сокольская.

Это спектакль о любви. О забавной, порой, неуклюжей, счастливой, а временами не очень, но все-таки любви. О любви почти невозможной и странной, о любви несочетаемых и таких разных: воплощение убежденности большевичка Ниночка и типичный француз, то ли альфонс, то ли просто денди, меняющий свои взгляды под воздействием обстоятельств Леон. Они, как и в любой постановке о любви, тянутся друг к другу, потом ссорятся, мирятся, находят свое положение невозможным, преодолевают испытания и, конечно, любят. Вся эта история не про продажу драгоценностей или мехов, не про столкновение советских и западных ценностей, а про силу любви, которая любые разногласия способна в миг уладить. А препятствия… какими неважными, мелочными они кажутся, когда речь идет о судьбе людей – живых людей, и как это ужасно, когда на пути главного в жизни – счастья – встают никому на самом деле не нужные принципы и декларации.

Да, все основные персонажи узнаваемы: взяты типичные штампованные образы. Это большевичка, которая все время будто на войне – дисциплина, резкость, нет времени на «сопли», никакой женственности. Это типичный живущий в свое удовольствие француз, который флиртует каждую секунду, это подчеркнуто театральная вплоть до ненатуральности княгиня, будто кинозвезда. Это и комедийная троица непутевых посланцев Советов, конечно, не стойкая морально. Тем более удивительно, интересно, когда за этой скорлупкой комедии, стереотипов вдруг проглядывают живые люди и живые чувства, когда шелуха исчезает, Ниночка снимает форму и шапку, когда ее волосы развеваются на ветру… А что же здесь такого: весь мир жил (да и живет, наверное) во власти стереотипов, как надо, лицемерия и вечного притворства, за которым люди не видели людей и не видели жизни самой. Как снег, в этом спектакле вечно закрывающий Москву, так эта игра закрывала человеческие души.

Да, здесь есть определенное противопоставление бесцветной и вечно холодной Москвы цветущему и жизнерадостному «загнивающему» Парижу. Вот Ниночка включает радио там – там музыка. Включает здесь – здесь пропаганда. Вот Ниночка открывает окно в Париже – весна, листочки, ласточки. Открывает в Москве – снег и … снегири. Вот парижанки в изящных шляпках и Нина сама в чем-то бесформенном. И под конец, конечно, бодрое пение о том, как хорошо живется, когда героиня будто идет против ветра и метели. Так и все советские герои – их шубы не только на их теле, но и на их душах, и именно попав, наконец, в жизнь, они становятся собой, лишь иногда вспоминая о возможных последствиях.

Однако не стоит преувеличивать все же это противопоставление – это комедия, и это правда смешно. Как и медведь в самом начале спектакля, рычащий на фоне какой-то арки (?), создающий однозначную ассоциацию с символикой известной кинокомпании и ее льва. Но у нас медведь. В этой комедии есть совершенно безобидная троица недотеп, вечно ищущих баланс между желанием и необходимостью. Они и напиваются, и делают глупости, и говорят глупости: словом, на них Запад влияет растлевающе. Ниночка сходит с ума совсем по-другому: ей свойственно чувствовать, и в этой грубой женщине вдруг просыпается девушка. Она учится любить, а вместе с любовью она учится и жить. Не выживать, а жить. Все это приводит к совершенно поразительному выводу, что да, на развитие народов действительно влияет климат, и влияет больше, чем любые экономические факторы. А люди… они если и не одинаковы, то природа их – да, поэтому они и меняются под воздействием климата, и, как знать, какой была бы история России, будь у нас чуть потеплее.

Оформление спектакля довольно простое, но грамотное и качественное: всего пара элементов декораций, и мы в шикарном отеле, а потом в квартире Леона, где то голая женщина на стене изображена, то неожиданно Ленин, меняющий выражение лица от обычного до удивленного. То мы в Советской России, то на вершине Эйфелевой башни, а перед нами весь Париж – сияющий и прекрасный. А эффект создается всего лишь декорациями и светом. Так и Ниночка – вот она в своей форме и шапке – гордая, неприступная, убежденная, говорящая лозунгами, то нежная женщина, стоит лишь снять шапку, а уж тем более, надеть платье. Несомненной находкой являются переодевания служащего в посольстве СССР, через мгновение и на глазах у зрителя превращающаяся в сурового комиссара Разинина. Ну разве можно серьезно воспринимать комиссара после такой метаморфозы? Конечно, это настраивает на ироничный лад по отношению к формалистской части постановки.

Конечно, юмор построен на контрастах – на сочетании несочетаемого, на сопоставлении ярких противоположностей, на грубом от нежных, на нежном от грубых. Но это работает. Хорошо здесь выстроено и движение актеров – троица удивительно синхронна в ряде своих появлений, декорации меняются совершенно незаметно для зрителя, а экран создает эффект кино, немого кино, но иногда и сам служит декорацией, достаточно качественной, чтобы не выглядеть просто экраном. Даже надпись перед началом на нем «Железный занавес» - даже она хороша, создает атмосферу.

Мне очень понравилась Светлана Колпакова в роли Ниночки. Ей достался непростой образ: с одной стороны, явно комедийный, с другой – ей надо было показать нежность сквозь грубость, показать те ростки настоящего, что пробиваются через … шинель. Она смогла. Ее большевичка – будто оживший плакат, будто ходячий лозунг, пугающий своей фанатичной одержимостью. Но ее Ниночка – женщина, желающая счастья, но и боящаяся его одновременно. Она резкая, быстро принимающая решения и не склонная к терзаниям. Она – главный контраст постановки. Вот она делает вид, что не смешно, и сидит с гордым и неприступным видом, а в следующий момент человек-плакат уже смеется заливистым девичьим смехом, которого не ожидаешь от большевички. Грубость и нежность – сочетание серого и … розового что ли – писк сезона. Она очень меняется за время спектакля. Если в начале она – типичная большевичка, то в конце те же, казалось бы, движения уже выглядят притворством. Она умудряется стать нежной и настоящей, пусть даже и с грубыми манерами, но живой… Она не мечтает о любви, она любит, и верит в любовь, потому что прямота ее души не способна на сомнения ни в чем. Меняются ли ее идеалы? Нет, просто она уже живет не только ими. Она живет.

Роль Константина Крюкова показалась попроще, а в программке и вовсе написано, что это дебют киноактера на театральной сцене. И не скажешь – Константин нисколько не проигрывает своим более опытным коллегам. Образ обаятельного француза выверен и отточен, он слегка ироничен и изящен, немного лукав, но неожиданно и честен тоже. Но Леон все же проще Ниночки: ему не свойственны убеждения, он верит во что-то сегодня, а завтра – в другое, и вот лишь любовь оказывается его единственной постоянной верой и идеалом. К убежденной Ниночке. Пара с Светланой Крюковой вполне удалась, с учетом, конечно, что это не совсем романтика, это комедия, и любовь тоже комедийна, но она все же настоящая.

Наталья Рогожкина прекрасна в своей роли Сваны – великой княгини. Она – настоящая кинозвезда, с явной театральностью, что так контрастирует с прямой Ниной. Она – воплощение фальши, как фальшивый блеск ее драгоценностей, из-за которых разгорелся весь сыр-бор. Она ведет себя не как человек, а как образ, где есть место и картинным потерям сознания, и заламыванию рук и флирту… Иронично, но именно манера поведения Сваны совсем не меняется, эта пустая натура совсем не способная на изменения. Ее не волнует любовь, она говорит о ней, но не знает, что это такое. И в итоге Свана лишь веселит публику, но не привлекает ее внимания более, чем требуется.

Подводя итоги всему сказанному, отмечу, что «Веселые времена» - очень неглупая комедия, приятная, довольно легкая к восприятию, что и нужно в летний вечер. Не назову ее выдающимся спектаклем, но достойным – однозначно. Сильный актерский состав, хорошая режиссура, динамика, качественное оформление. Очень хороший уровень

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Чт июл 26, 2018 21:37

Неожиданный концерт 25.07.2018

Все-таки я везучая. Сейчас, на следующий день после концерта, я это точно понимаю: никаких негативных эмоций он мне не принес, хотя точно мог, все-таки объективную картинку я вижу. Я брала место наугад, ничего не выбирая, не в первые дни, а вот же получилось: место оказалось почти идеальным, видно было почти все. Мне просто очень повезло, что никакие бытовые трудности не помешали получить удовольствие от действительно замечательного концерта – наверное, с атмосферой капустника (хотя я никогда не была на таком мероприятии, и лишь слышала рассказы). Мне все очень понравилось: я давно так не смеялась, давно так не улыбалась, а прилива позитива, уверена, хватит надолго.

Но все же хочу отметить то, что стоило бы изменить, чтобы было лучше. С моей скромной точки зрения, теплоход в июле - идея прекрасная, однако само время выбрано очень неудачно. Середина недели – иногородним неудобно, это раз. Начало для такого водного мероприятия позднее. Спустя часа полтора после отплытия за окнами ничего уже не видно – ну и какая разница, на теплоходе мы или в зале?.. Тем более, что получился именно концерт со зрительным залом (пусть и импровизированным). Стоило делать в выходной день и именно днем! Когда светло, когда прелесть водной прогулки ощутима! Например, был очень большой антракт – чтобы можно было погулять по верхней палубе, ощутить ветерок, подышать воздухом. Ну а смысл этого всего в темноте? А еще в такой атмосфере уместны были бы, наверное…столики. Для более расслабляющей атмосферы. И это пишу я, хотя мне всегда зал лучше клуба, и я вообще ничего никогда алкогольного не пью. Однако в данном случае было бы уместно.

В текущем же варианте получился перенесенный на воду концерт. Со всеми вытекающими: опоздавшие и не попавшие совсем, очень позднее, неоправданно позднее окончание, а до метро не близко и по парку, плохая видимость для многих зрителей (подъема-то по понятным причинам нет), не идеальный звук (хотя и хороший для теплохода, думаю). К сожалению, можно наблюдать разочарование части зрителей прошедшим концертом. А жаль, ведь именно сам концерт был великолепен!

Для меня многие из чудесных артистов открылись с новой стороны, а некоторых я просто увидела и, наконец, узнала. Таким открытием для меня стал Ярослав Баярунас. Я видела много фото и восхищений этим молодым человеком, но совершенно не знала, кто же он, и за что такая любовь. А теперь понятно – это чудо, иначе не скажешь. Ярослав просто отчаянно талантливый, и очень…необычный, очень. Поначалу чуть напомнил Глеба Матвейчука (удивительно) времен МК, потом эта ассоциация прошла. А уж «Северный флот» в исполнении Ярослава для меня – один из самых ярких номеров всего путешествия. Сколько в нем энергии, когда он поет, она буквально рвется наружу, и Ярослав с ней, стоит признать, справляется с трудом. Отметила, что артист ну очень хорошо двигается, очень, и каждое свое выступление превращает в настоящий номер, за которым невероятно интересно наблюдать. Я не скажу – спектакль, потому что все же мне выходы Ярослава показались ближе к музыкальной сцене, чем театральной, и как актер пока (пока!) Ярослав явно уступает и Саше Казьмину, и Кириллу Гордееву (мне так показалось исключительно на основании концерта), однако повторюсь – такой талант видно невооруженным взглядом. Как алмаз, которому просто нужна огранка, чтобы стать бриллиантом. Уверена, что здесь нужно лишь время. А сейчас же эта еще необузданная энергия часто создавала ощущение излишней… агрессии, которая из исполнения ушла лишь к финальным песням. Но это все исправимо, здесь такой потенциал, что ах!.. Интересно будет следить за карьерой этого артиста.

Александр Казьмин – это моторчик и сердце всего концерта. И душа. Мне показалось, что вот он – то самое необходимое зернышко, без которого подобная посиделка потеряет свою прелесть. А еще именно его по итогам концерта я хочу назвать Артистом с большой буквы. Он буквально каждый свой выход превращал в настоящий спектакль. Он преображался: взгляд, движения, мимика – все. Настоящий артист. Очень-очень настоящий и очень-очень легкий. Его, наверное, как никого (может, Ярослава еще), часто подкалывали, и он реагировал на это с невероятным приятным чувством юмора. А еще явно сам наслаждался тем, что делает, и самому ему было интересно. Он был таким азартным! Море обаяния. Саша по-настоящему создавал атмосферу своими репликами, рассказами, действиями – он великолепен в своем экспромте (или, может, в игре в экспромт), и просто покорил. Неожиданно и приятно было услышать песню из «Все о Золушке», и Саша буквально на наших глазах вдруг стал тем самым Дровосеком, и в нем я увидела того героя, которого так не хватило на спектакле. Артист. Горящий, настоящий, талантливый! С очень красивым голосом, обладающий очень теплой энергетикой. А еще связующее звено между всеми остальными, которые цеплялись за взаимодействие с ним как за одну общую нить.

Кирилл Гордеев – мое личное открытие номер два. Кто он такой, я знаю прекрасно, но на сцене я видела его ровно однажды в «Бале вампиров», и за карьерой Кирилла я не следила. А сейчас даже захотелось…Какой у него голос! Это просто нечто! Вот он что-то поет потрясным глубоким баритоном (извините, если ошиблась, не музыкант я), а в другой момент – уже выше, будто вообще другой человек вышел. А как он пел песню из «Алых парусов»: я слушала, буквально открыв рот и внимая каждому слову. А как Кирилл менялся, переходя от себя настоящего к очередному образу и герою: он будто становился другим человеком, и вот перед нами не современный рубаха-парень, а граф или вовсе язвительное божество. Даже не подозревала о таких талантах! А чувство юмора! Мне кажется, половина «лежания» от смеха – его заслуга. Саркастичный и довольно колкий, но непременно смешной. Все думала, кого же мне так напомнил Кирилл. Вспомнила – Максим Виторган в «Дне выборов». Тот же образ обаятельного увальня (в хорошем смысле слова, конечно), ироничного и чуть язвительного. Очень близко! И на этом фоне очень силен эффект от преображения.

Вера Свешникова в Москве гостья нечастая, и ее я не видела раньше никогда. Какие у нее глаза! Просто ведьминские и колдовские! Ей бы такое играть – огонь был бы. Вера была немного на втором плане, несколько скорее наблюдала, чем пела. В ней есть какая-то кошачья притягательность, что ли. В ней есть недосказанность и тайна, загадка… Настоящая роковая женщина даже в матроске и джинсах. Она может быть и озорной, и роковой. Очень понравился ее дуэт с Еленой Газаевой – прямо очень. Интересная артистка. Необычная.

Елена Газаева – солнышко. Такая обаятельная и улыбчивая, а еще быстро поняла, что где-то на последних рядах ничего не видно, и часто ходила в народ. Вот она – активная и озорная. Провоцировала ребят. Мне очень понравился ее проникновенный дуэт с Кириллом – будто в другой мир и другое время перенеслись. Тоже девушка с согревающей энергетикой. Было очень приятно ее увидеть и услышать.

Не могу не упомянуть продюсера всего этого «безобразия» - Кирилла (увы, фамилию не помню). Обаятельный он очень. И смелый. Надо же нацепить костюм а-ля Сейлор-мун (а я больше никакое анимэ и не смотрела) и не бояться показаться на публике. А еще с хорошим чувством юмора, и самоироничный он. Обаял, правда. Наверное, только у такого человека могло получиться собрать такой почти домашний концерт, где все артисты будут чувствовать себя легко, будто просто развлекаются и выступают для друзей, а не для публики. Он молодец.

Не знаю уж, были ли все шутки и приколы частью сценария, но смотрелись они свежо и натурально. Если все это сценарий – браво. Если нет, то браво еще раз за моментальную реакцию и талант к импровизации. За талант к импровизации, впрочем, все равно браво всем, так как и на вопросы надо было отвечать, и что-то точно непредсказуемое было. Хотя для четырехчасового концерта пели относительно мало, а много говорили и шутили, время пролетело незаметно. Репертуар для меня был зачастую незнакомым (включая «Тетрадь смерти» - верите, не слушала, даже ради самоустранившегося на вчера АМ), однако понравился. Там были и сюрпризы, и что-то традиционное, и пели в основном по-русски, что воспринимается проще, чем исполнение на иностранных языках (пусть даже второе может восприниматься как более высокоинтеллектуальное). Так что мне понравилось! Было зажигательно, уютно, атмосферно и интересно!

Так что мои эмоции – положительные! Я получила удовольствие, было чудесно. Сделала для себя много открытий и даже – подумать только – задумалась о вояже в Питер на концерт Ярослава (ну, пока просто задумалась). Это о многом говорит. Какие же все-таки наши мюзикловые звездочки талантливые. Восхищаюсь.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Ср авг 22, 2018 08:30

Караоке Камикадзе в клубе Алиби 20.08.2018: Иван Коряковский и Евгений Зайцев

Когда ничего не ждешь, хочешь просто хорошо провести время – так и случается. Это точно для меня было авантюрой: пойти на Караоке Камикадзе с участием двух артистов, которые никогда в число моих фаворитов не входили, да еще в будний день, да еще в 20:00. Но авантюра удалась! Давно я так не смеялась до слез, что чуть тушь не потекла, давно не получала такого удовольствия от прослушивания, зачастую, посредственной музыки. А уж атмосфера душевной дружеской посиделки заставила весь не короткий концерт-шоу пролететь в одно мгновение.

Иногда мне кажется, что такие милые маленькие концерты-посиделки способны доставить едва ли не больше удовольствия, чем сами мюзиклы, которыми так или иначе они порождены. Эти концерты раскрывают любимых или не очень, знакомых или совсем нет артистов с новых сторон, и это жутко увлекательный процесс. Евгения Зайцева я точно видела в «Призраке оперы», и совсем не помню своих впечатлений, а Ивана Коряковского думала, что нет, но мой отзыв на «Поющих под дождем» говорит, что да, и он мне даже очень понравился. А не помню! Ситуация: я как зритель практически чистый лист, а артисты просто наверняка должны были стать для меня открытием. И стали. Да еще каким! Таким, что теперь ну очень хочется увидеть их снова на сцене, уже конкретно их, а не просто они – хорошо, не они – ну и ладно. После такого концерта мой список люблюнемогу явно пополнился двумя фамилиями.

Иван Коряковский – это смесь блистательного таланта, искренней жизнерадостности, настоящего азарта и бесконечного веселья. Кажется, ему было в удовольствие абсолютно все, как и зрителям слушать абсолютно все, что он пел. Даже откровенно попсовые не-знаю-кто-поет песни «Вахтерам» и «Белая стрекоза любви» в его исполнении чуть ли не смыслом наполнились и совершенно точно по-новому, а, может, и впервые по-настоящему здорово прозвучали. Еще бы – спетые ТАКИМ голосом! Но главное музыкальное потрясение от Ивана, возможно, и от всего вечера в целом – «Молчи, душа моя». Очевидно, что не самая простая песня, и ТАК исполненная. Это было круто. Нет. КРУТО. Опять нет. НЕВЕРОЯТНО КРУТО. Я слушала, затаив дыхание. Да и самому артисту, смею предположить, понравилось. У Ивана прекрасное чувство партнера по сцене, и с Евгением, да и с ведущим вечера Александром Казьминым, получался восхитительный, полный доброго и совсем не ядовитого юмора диалог. Я прямо хочу отметить, что Иван и Александр непринужденно подпевали Евгению при необходимости (ну и наоборот, смею отметить), и это была такая…команда. Настоящая. Очень приятно видеть!

Евгений Зайцев – новичок проекта, и включился в игру он чуть позднее Ивана, но быстро освоился. И оказалось… Евгений – настоящий шоумен. Каждый его выход – маленький спектакль. Он не прекращал веселиться и веселить публику ни на минуту. Кажется, я совсем недавно отметила для себя Евгения в трансляции благотворительного концерта, и не зря. Какой он живой! Сколько в нем доброго юмора, самоиронии! А как он чувствует публику в зале, как он взаимодействует с ней! Отлично понимая, чего же жаждут зрители, он это зрителю дает. И получает отклик. Евгений делает публику частью своего спектакля, даже если это и не запланировано. Очень яркое впечатление – это песня «Что ты имела ввиду» Несчастного случая, я в восхищении, как он выдержал этот темп! А дуэт со зрителем Евгений превратил в настоящее приключение и номер. Очень мне запомнилось его исполнение песни «Крошка моя» - на его голос легло просто идеально, как влитое.

Александр Казьмин – не просто ведущий, он будто неизменная, крайне необходимая часть этого проекта. Казалось бы, на сцене так мало места, но Александр совсем не был там лишним! Ему, очевидно, было интересно не менее, чем зрителям, что же учудят участники далее, и в какие-то моменты он аж пополам складывался от смеха в унисон с залом. А уж его чувство юмора – такое безобидно-провокационное – очень сочеталось с иронией Евгения и шутками Ивана. Но по сути Александр – провокатор. Он совершенно точно местами мешал участникам, ибо так смешнее. Александр не просто вел шоу, он был его полноправным участником, но не перетягивал одеяло на себя, а лишь делал акцент, позволяя его развить Ивану и Евгению. Ну и отдельное спасибо за смелость спеть «Аэропорты»: я так поняла, что никто из троих сие творение толком не знал, а петь взялся Александр. Получилось выразительно!

Вообще отдельно хочу сказать «спасибо» всем участникам концерта за «легкость на подъем» - если публика просила, артисты пели! Вот так, легко, без подготовки (ну, я так полагаю). Не знаю уж, спели ли «Короли ночной Вероны», вроде бы, обещали, но я дожидаться не стала – было ну очень поздно. И понедельник.

Конкурсы… конкурсы помогли раскрыть всех троих с их лучших и весьма неожиданных сторон, проявить скрытые и не очень таланты. Мне показалось, что Евгений поначалу отнесся к происходящему как к игре, не очень серьезно, отсюда разгромное поражение в первом конкурсе, но дальше вступил в борьбу уже полноценно. Самый забавный, конечно – песни наоборот или АПОЖ. Честно, я не помню, в каком телешоу это было, но было, и увидеть такое вживую – это здорово. Вот уж где важнее участие, а не победа, ведь, если честно, никто ничего САМ не угадал. Ну так и задача была почти издевательски сложная. Тут было весело все: и спетые зрительницами песни (браво им за смелость), и переворот, и даже запись уже в исполнении артистов, и их реплики! Это было так … импровизационно, от этого легко и весело.

Но апож апожем, а самое большое впечатление на меня произвел конкурс, где артисты читали по губам. Это что-то такое актерское-актерское, и мне почему-то кажется, что обычные офисные служащие шансов в таком конкурсе не имели бы вообще. КАК Иван с Евгением это сделали?! Да еще дважды?! Я была просто в восхищении! Это даже не столь забавно, сколько просто круто. Как крут и конкурс с танцами, где своими моментальными догадками артисты даже Александра Казьмина удивили, кажется. Это же надо иметь такую интуицию. И так уметь показать, чтобы другой догадался! А уж насколько Евгений выразителен в танцах – просто нет слов! Это было очень впечатляюще! Дуэты со зрителями были замечательными, и хочется аплодировать девушкам, решившимся на них! Они были просто вынуждены и сами на эти десять минут стать артистками, конечно, с поддержкой своих звездных партнеров по сцене. Браво! А перфоманс Евгения – это незабываемо.

Так что три с лишним часа пролетели незаметно: с шутками, песнями, конкурсами, улыбками. Так, что хочется еще, и еще, и еще. Теперь я точно знаю, кто же такой Иван Коряковский и Евгений Зайцев, и точно хочу их увидеть, зная! Какие все-таки таланты, и какое умение отчаянно веселиться и получать от этого удовольствие.

P.S. Напоследок все-таки ложка дегтя, небольшая, правда. Вот просто мольба: начинайте раньше! 20:00 – ну очень поздно. Не зря же все театры стартуют в 19 с опозданием в 15 минут. В 20 что-то начинается разве что в Крокусе, ну так он на выселках, поэтому. А клуб Алиби в центре – незачем такое радикальное время, особенно с учетом продолжительности. Не стала бы этого писать, но аж несколько раз слушала вокруг разговоры, что придется уйти раньше, что слишком поздно и слишком долго. Значит, не мне одной не очень удобно.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Чт авг 30, 2018 00:05

МультПати в клубе Гластонберри 28.08.2018

На это подсаживаешься: возникает какая-то зависимость от этих периодических концертов в почти домашней атмосфере. В обычной жизни иногда ловишь себя на мысли, что не хватает этих шуток, этой энергетики, и надо еще – зарядиться на неделю вперед, улыбаться без причины, делать в два раза больше.

МультПати завлекла не идеей, не участниками, а точно неповторимой атмосферой. Атмосферой хорошего творческого хулиганства, свободы, экспериментов – настоящего доверительного разговора артистов со зрителями при помощи песен, шуток и прибауток. Свобода была не просто творческой: в чем-то была свобода от любых обязательств, кроме обязанности быть честными и настоящими, и позволялось смеяться и шутить, петь шиворот-навыворот и вообще не с тем текстом, забывать слова и смеяться над этим, ведь на этой вечеринке идеальное «вымуштрованное» исполнение было совсем не нужно. Это ощущение абсолютной свободы однозначно передалось зрителям: и зрители сами, без вытаскивания с насиженных мест, танцевали, подпевали и веселились, и в такой атмосфере даже артисты становились немножечко зрителями, а зрители – немножечко артистами. Настоящая вечеринка.

Александра Казьмина можно назвать не только участником, но и ведущим, причем, кажется, немного случайным, просто в его естестве импровизировать, шутить, моментально реагировать на любые происходящие события. Александра было много, причем в первом отделении временами даже казалось, что мы на сольном концерте Александра с приглашенными гостями, настолько он был энергичен, активен, азартен, но во втором все же немного отошел в сторону, уступив возможность солировать каждому артисту в отведенное ему время. Александр – удивительный артист, который умудряется в каждой исполняемой песне перевоплотиться в ее героя, моментально измениться, сыграть. Он настолько интересен в каждую минуту своих выступлений, что оторвать взгляд почти невозможно, ведь так не хочется что-то пропустить. Но даже и будучи где-то в тени, когда поют коллеги, Александр вольно или невольно привлекает внимание: удивительный дар не просто слышать музыку, но сливаться с ней, двигаться, танцевать под нее совершенно нестандартно, когда интересно каждое следующее движение и каждый следующий жест. Почему-то подумалось, что, окажись Александр на каком-нибудь проекте типа некогда популярной «Фабрики звезд», он моментально стал бы там любимцем публики и звездой номер один, да и не только там, а на эстраде вообще, ведь эта ниша сочетания положительности и хулиганства, немного легкомысленности, обаяния молодости – она не занята. Мне очень понравилась «Аллилуйя» - уж кто только ее не пел, красивейшая песня, и, конечно, песня из Сейлор Мун – это же любимый мультик детства! А финальный выход всей четверки («Какая жизнь настала бы…») лишь еще раз убедил меня в уже высказанной мысли: каждый выход Александра – перевоплощение.

Агата Вавилова – пожалуй, единственная, кто мог составить конкуренцию Александру Казьмину по части ведения концерта и шуток-прибауток. Такая, хм, чуть вальяжная дама, в то же время, довольно саркастичная как по отношению к другим, так и к самой себе. Очень необычный и сложноватый для моего восприятия голос, а отметить в исполнении Агаты я точно могу вальс и «Hero», конечно. А еще Агата была категорически необходима в этой иначе мужской компании – она добавила красок, некоей даже…изюминки всему мероприятию, а когда Агата пела, мне вдруг подумалось, что как же хорошо, что есть возможность услышать и песни в женском исполнении на этом концерте тоже. Какое интересное сочетание подчеркнутой интеллектуальности и, зачастую, каких-то вполне «народных» слов и выражений.

Иван Коряковский – мое личное открытие прошлого КК, в связи с чем я была несказанно рада его участию в данном мероприятии. Какой же шикарный голос, ну до чего шикарный, а «Луч солнца золотого» - просто нечто! Красота! А еще он был человеком-сюрпризом, когда решительно непонятно, чего он Ивана ждать. Если от Александра ждешь все-таки прикола, то от Ивана как-то нет, и от того невероятно весело и классно, когда сюрприз случается. А уж эти фишки с переодеваниями – получилось очень атмосферно. А еще именно Иван смог окончательно поднять зал со своих мест и танцевать-зажигать.

От Ярослава Баярунаса двойственные впечатления. С одной стороны, это просто талантище, с другой – алмаз требует огранки и пока не сияет так ярко, как будет потом (а это без сомнения). Ярослав играл на этом концерте роль такого чуть забавного тихони, чуть странного, непременно категорически непредсказуемого. Пусть он пошутил всего пару раз, но эффект неожиданности сработал на все сто, и зал лежал от смеха. Ярослав – история немного сама в себе. Он наверняка перфекционист, и в этом он искренен, он хочет идеала, а не хулиганства. В этом плане круто, когда они поют с Казьминым: это же две противоположности! А еще Ярослав как никто удивляет в своих творческих экспериментах и поисках: ну кто ждал женской песни?.. Я точно нет. А еще именно Ярослава мне даже немного не хватило: он был все время в тени, все время наблюдал, а не участвовал, за исключением нескольких своих номеров, и этого было как будто мало. Самый смелый экспериментатор и самый до поры до времени тихий артист.

Мне хочется сказать спасибо всем организаторам, всем артистам за такой концерт, за такие эмоции! За такой заряд бодрости! За такую искренность и единение множества людей и множества сердец. Такой не глянцевый, но настоящий концерт мне нравится даже больше, чем «вылизанные» концерты больших звезд, например, в том же Крокусе. Здесь на сцене люди, а не небожители, это подкупает, это в какой-то мере делает поклонников и артистов одной большой семьей. Идея с мультиками замечательная, а самое главное – добрая и искренняя, уж что-что, а мультики в детстве смотрели все.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вт окт 02, 2018 22:42

"Эвита", Свердловский театр музыкальной комедии на сцене театра на Таганке, 26.09.2018

Изображение

Я, наверное, целую неделю не могла найти времени написать про «Эвиту». Сейчас же, отойдя от прочих впечатлений, напишу. Основной мой вопрос: и за что Алексея Франдетти так ругают? Ну ведь не так все плохо. Даже совсем неплохо, особенно с учетом, что спектакль поставлен силами не московского и не петербургского театра и без участия известных мюзикловых имен.

Хочется сразу оговориться, если кто не знает, что Алексей ставил полусценическую версию, иными словами, никаких декораций не было, реквизита минимум, разве что, актеры выходили играть в костюмах. Думаю, сделать подобный спектакль убедительным гораздо сложнее, чем традиционную постановку, где есть возможность использовать полноценные декорации для создания атмосферы – это очень важное средство. Я могу точно сказать про себя, что для меня наиважнейшим элементом является актерская игра, за хорошие образы многое готова простить, но для осознания и понимая спектакля в целом нужно все. Это как прокат программы в фигурном катании без костюма – может оказаться совсем не тем. Так что полусценическая версия – вызов, обнаженные идеи, то, что способно показать силу режиссера или слабость, ведь замаскироваться просто нечем.

А у Алексея получилась история. Конечно, здесь есть небольшой мухлеж, скажем так, ведь перед спектаклем совершенно бесплатно раздавали весьма подробное описание жизни Эвиты Перон, однако понять, что происходит на сцене, вполне можно и без малейших знаний об этой женщине.

Для зрителя происходящее на сцене – путешествие во времени в компании студента Че, с одной стороны, равнодушного, но с другой – эмоционального. Спектакль начинается с похорон Эвиты: этой демонстрации абсолютного горя, сопровождаемого хлесткими и даже жестокими словами Че, что призвано дать понять, что Эвита вовсе не была однозначной личностью. Собственно, похоже, что показать неоднозначность «ангела» - цель всей постановки. В этом тщательно рисуемый образ главной героини: с одной стороны, в первых же сценах она – невинная юная и, кажется, наивная девушка, темноволосая девчушка, заслушивающаяся выступлением известного певца, а с другой – она все же вполне хищница, использующая его для попадания в Буэнос-Айрес. Тот же контраст в ее характере продемонстрирован и в дальнейшем: вот она выгоняет, ни на минуту не задумавшись, бывшую возлюбленную Перона, а вот – готова идти на баррикады за ним. Или благотворительность, когда пара-тройка банкнот оказывается не переданной так любимому простому народу. Сюда же и слова Эвиты, когда она вдохновляет Перона, что она же пошла за ним, значит, победа за ними – это показатель некоторого эгоизма и даже самоуверенности героини.

Алексей совершенно сознательно выводит всех прочих персонажей, кроме Эвы, на второй план: Перон выглядит как эхо эффектной жены, как ее тень, но ни разу не кажется сильным и уверенным лидером простого народа. Вокруг героини мелькают люди, события, которых она почти не замечает, однако несколько акцентов действие имеет: песня брошенной возлюбленной Перона, страдающей по вине Эвиты, повторяется в финале уже в ее исполнении, или поддержка Эвиты, когда она протягивает руку Перону – только позови, и в безнадежном финале уже история наоборот, только Перон дает руку жене, он поет, что будет рядом, но отдаляется, не может помочь. Кажется, что спектакль показывает, как все возвращается Эвите бумерангом.

Хочется обратить внимание и еще на тот момент, что так называемое высшее общество, частью которого не может стать девушка, выглядит как сборище официантов и обслуги, которую они так презирают. В драгоценностях позволено ходить лишь самой Эвите, и больше никому в этой постановке. Интересно еще и следующее: когда Перон получает власть, выступает перед народом, и потом выходит его жена, она вся в белом, и кажется в этот момент, что она выходит замуж за саму Аргентину, в этот момент становится ее синонимом.

Очень грамотно у Алексея используется свет и экран. Не могу сказать, что здесь есть что-то выдающееся, но отдельные моменты стоит выделить: свечи на экране создают ощущение гибели, банальный, казалось бы, дворец создает ощущение присутствия в соответствующих местах, и особенно отмечу фигуру самой Эвиты в начале – как воспоминание о ней, и в финале, когда ровно в такой же позе на фоне этого экрана оказывается актриса, закольцовывая действие, - Эвита «уходит в бессмертие».

Подумалось и еще об одной идее, имеющей место в спектакле. За каждым великим мужчиной стоит великая женщина. Впрочем, как я говорила, Перон здесь вовсе не великий. Более, того, он может показаться жалким, он поет как эхо, даже не как живой человек. Он боится, когда героиня рвется вперед. Его оружие – красные плакаты, развивающийся флаг Аргентины на экране, лозунги и она. А ее – близкие народу слова. Впрочем, остальные мужчины (кроме Че) здесь тоже если не комичны, то малозначимы: множество возлюбленных Эвиты до замужества, которых она использует, тот самый как бы известней певец – все будто ступени для нее, и даже знакомство с Пероном. Она решает за него, что она с ним будет.

Хочется сказать еще пару слов о костюмах: они показались, в основном, удачными, в частности, мне нравится вневременной костюм Че, подчеркивающий вечность воплощаемого им молодежного духа бунтарства и его сверхъестественную природу. Мне почти нравятся костюмы Эвиты, кроме платья на приеме, где, простите, вылезает и виден бюстгальтер – это «грязь» в постановке. Не очень мне понравилось еще и то, что разнесенные по времени и смыслу сцены Эвита проводит в одном платье: можно было бы добавить какой аксессуар, чтобы показать разницу. Хорошая идея и с высшим обществом-прислугой. Может, здесь смысл в том, что они все равно служат кому-то, кто имеет власть, и это так иронично, что в некотором смысле – девушке из низов. Костюм Эвиты для тура прост и довольно элегантен, в нем есть отсылка к дорожным костюмам всяких герцогинь и принцесс.

Игра актеров, за отдельным исключением (увы, существенным), мне скорее понравилась. Отдельно подчеркну, что, в основном, все хорошо поют, особенно я это выделяю, вспоминая новосибирскую «Безымянную звезду», которую прямо больно слушать от осознания хороших голосов и опереточной манеры, чуждой для мюзикла. Теперь же хотелось бы отдельно написать про исполнителей основных ролей, это существенно.

Игорь Ладейщиков – Че. Для меня этот молодой человек – настоящие открытие спектакля. Артист с очень красивым ярким голосом, слегка напоминающий молодого Александра Постоленко (из-за прически, наверное), очень здорово поющий. Че – персонаж почти мистический, но не совсем отрешенный. Мне понравилось, как в самом начале Че страстно убеждает скорбящих о тщетности их молитв, но вдруг становится понятно, что парень чуть ли не больше остальных переживает из-за смерти Эвиты. Он активный, яркий и быстрый, он то там, то здесь – он везде. Это – всезнающий герой, но, ввиду его полуреальности, никто особо его не замечает, когда он говорит жесткую правду. Сам же он вполне переживает за героев, и это заметно. Ближе к финалу Эвита танцует с ним, и кто он ей? Ее совесть? Ее судьба? Мне показалось поначалу, что Игорь чуть переигрывает, но потом стало ясно, что всего в самый раз. Просто молодость героя – его захватывают эмоции, он ярче прочих может переживать и чувствовать. Завершая писать о нем, скажу, что очень хотелось бы увидеть Игоря в московском спектакле: на мюзикловой сцене точно нужны новые яркие имена, и все у актера есть, чтобы стать любимцем столичной публики.

Леонид Чугунников – Перон. Довольно странно поданный образ. Голос будто из неоткуда, как эхо. Его Перон – безвольная тень жены. Даже внешний вид: ничего привлекательного, простота, скромность. По взаимодействию с Эвитой трудно сказать, но никакой любви тут нет, а хотелось бы, есть отношение к ней как к товарищу, наверное, все.

Татьяна Мокроусова – Эвита. К сожалению, то самое «увы». Давно я не видела настолько вульгарный, насквозь фальшивый образ. Конечно, совершенно очевидно, и весь спектакль ровно об этом, что Эвита не так проста. Что она не ангел. Но должно же быть в ней что-то настоящее? Татьяна, к сожалению, играет довольно…грубо, когда ее Эва танцует с Пероном, поет, что ему будет с ней хорошо, кажется, что она сейчас вытащит кинжал из платья и ударит Перона в спину. Когда Эва поет про Буэнос-Айрес, про звезду, в ней столько самовлюблённости (это нормально), но нет, собственно, страсти к Буэнос-Айресу, есть лишь желание покрасоваться. Да что там, даже во время речей перед народом Эва себя красивую показывает, и совершенно непонятно, как такая женщина может кого-то вдохновить. От нее так и веет бутафорией. Никакого шарма и очарования. Переодевшись в костюм для тура, Эва поправляет шляпку раз 100, так что это почти начинает раздражать. Не верю, что Алексей Франдетти поставил именно так.

Отдельная песня – болезнь Эвиты. Сказать, что показать постепенное угасание звезды не удалось – не сказать ничего. Сначала Эве совершенно неправдоподобно становится плохо во время тура, а потом она очень театрально в плохом смысле слова падает уже ближе к финалу. Не верю! Где же та самая постепенность? Где переход от сияющей Эвы к умирающей? Перон в финале поет, что улыбка героини потухла, а я как зритель и не увидела.

Самое обидное, чего не удалось показать Татьяне – где ее Эвита настоящая. Что она любит или кого? Перона? Вот вообще не вижу. Аргентину? Она поет о любви к Аргентине, но это выглядит как слабо сложенный образ, и никакой любви нет. Так зачем весь этот цирк? В чем страсть Эвиты? В какой момент мы должны ее понять? А чем она завоевывала людей? В ней нет страсти, нет любви, нет привязанности. Она красивая, но пустая. Я не верю в этот образ.

А еще что меня разочаровало – актриса очень отличалась от всех коллег тем, что пела очень не очень. Я бы сказала даже, что плохо, и что это слышно даже мне – простому зрителю. Это не было так называемым «актерским» пением – я не услышала игры голосом и интонаций. Это не было эстрадно-мюзикловым пением. Это не было профессионально. Быстрые мелодии Татьяна просто не вытаскивает, она банально не успевает проговаривать текст (например, та же «…только я и город Буэнос-Айрес, о, Боже мой!» - вообще больше ничего не расслышала из всей песни). Даже и на звук не спишешь – в театре на Таганке он превосходный. Про остальное просто хочется промолчать.

Так что главная проблема весьма приличного мюзикла «Эвита» в постановке Алексея Франдетти – исполнительница главной (!!) роли. Она просто «не тянет». Она не очаровательна, не интересна актерски, не убедительна и – УВЫ!!! – она слаба как певица (и это в мюзикле!). Думаю, стоит заменить исполнительницу, и спектакль заиграет новыми красками.

Подводя итоги, скажу, что мне было правда интересно, меня увлекло, я готова была сопереживать героям, я почти не замечала отсутствия декораций: реквизит и экран вполне прилично его заменяли. Мне понравились тексты, мне, в целом, понравился актерский состав (особенно, исполнитель роли Че). Но спектакль очень проседает из-за исполнительницы главной роли. Я же не слепая, а это так очевидно. Конечно, я написала о ней довольно резко, но я даже и не знаю, как написать иначе… Здесь речь уже совсем не о «вкусах не спорят».

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Пн окт 08, 2018 23:37

"Царь Эдип", Театр имени Евг. Вахтангова, 07.10.2018

Изображение

«Царь Эдип» - классическая греческая трагедия Софокла, поставленная в Театре имени Вахтангова в современной интерпретации. Впрочем, несмотря на оформление, художественные приемы на сцене все равно классика: интересная, трагичная и довольно ровная.

Основным элементом оформления в спектакле служит огромная бочка, которую катят, которая катится сама, на которую взбираются, к которой цепляются, за которую уходят: одним словом, неизменный элемент происходящего действия. Оформление вообще довольно лаконично: основными цветами становятся белый и черный с редкими вкраплениями золотого и красного. Главный герой – царь Эдип – персонаж в белом, и этому цвету он не изменяет до самого финала, иногда надевая массивную золотую шапку (я не знаю, как она называется), чем-то напоминая в таком виде не просто главу своего государства, но и религиозного лидера. В противовес «белому» царю его народ весь в черном, он однообразен, в какой-то момент люди даже надевают маски, дабы потерять на время свою индивидуальность.

Таков Эдип – просветленный царь, вполне искренне переживающий из-за бед, обрушившихся на его страну. Здесь хочется обратить внимание на замотанного, словно мумия или зомби, в бинты персонажа, и ведь именно он надевает на Эдипа его светлый пиджак, когда вокруг все говорят о море и болезнях, и в чем-то здесь намек, что «чума» (назовем это так, хотя термин не слишком применим) – неизменная часть доброго царя. Стоит обратить внимание, что светлый образ начинает рушиться с момента появления слепого провидца, к которому до того достаточно благородный Эдип проявляет неожиданную жестокость, и который своими словами оказывается способен чуть ли не свалить здорового и сильного героя с ног (первое проявление какого-то давнего недуга, пока еще воспринимаемое как яркое отражение, может, страха, но точно чего-то душевного). Метафора понятна: слепец способен видеть больше, чем зрячий и претендующий на духовное лидерство царь, и этот, на первый взгляд, слепец вполне способен не просто дать отпор зарвавшемуся царю, но и – страшнее – заронить в нем сомнение. Эдип отбирает у старца его палку, пусть пока она царю без надобности, но тот может опереться на плечо мальчишки-проводника, а Эдипу, кажется, и опереться не на кого.

Отсюда жестокость к родственнику Креонту, предстающему в полуобнаженном виде и с венком из лавровых (?) листьев на голове, подчеркнуто беззащитному перед царем. Отсюда жестокость к самому себе, когда царь извлекает на свет забытые, казалось бы, воспоминания, мучая себя собственными сомнениями и подозрениями. Где-то в этот миг «мумия» вдруг становится отражением самого царя, изображая судорожными движениями его переживания, страхи, подозрения. Появление жены Эдипа Иокасты приводит на сцену еще одного полумистического персонажа – девушку в платье ворона, как парившие над бочкой вороны в самом начале, с огромными черными крыльями, следующую за героиней повсюду и становящуюся уже ее тенью. Кто эти два персонажа? Я склонна думать, что рок, судьба обреченной супружеской четы. В какой-то момент девушка-ворон раскрывает белоснежные крылья, вставая за спиной Иокасты, делая ту ангелом, но потом отдаляется, разрушая образ. А затем следует, уже размахивая крыльями черными.

Народ царя тоже имеет свой голос: буквально пение, да еще и не на русском языке. Народ подает голос лишь в отсутствие царя, непонятно для него, оставаясь не слышим царем. Чаще они – молчаливые свидетели трагедии. Они могли быть для него опорой, но он их даже не пытается замечать.

Надо отметить и представителей простых людей: пастухов, когда им приходится говорить. Никто не идеализирует их, они, вроде, и неплохие, они могут руководствоваться благими намерениями, но при малейшей опасности собственной жизни они предпочитают делать, что сказали. Они здесь противоположны Эдипу: он отчаянно делает себе больно, познавая правду, а они говорят правду, избегая боли. Иокаста – жена Эдипа – здесь ближе к обычным людям, нежели к неординарному мужу: ей тоже хотелось бы молчать, чтобы избежать ненужной боли, но честна она с царем не из-за страха, а из-за самой честности. Она по-земному мудрая, она склонна переживать из-за человеческих проблем, тогда как ее муж корит себя из-за традиционной и даже религиозной морали, что незримо объединяет его со старцем в начале спектакля, отстаивающем условно божественную точку зрения.

Известный финал – финал-перевертыш, отсылка к встрече со старцем, и вот уже в руках у Эдипа тот посох, и вот уже его глаза не видят света земного, зато душа видит свет неземной. Ослепнув, прозрел. Важно здесь и то, что «мумия» разматывает свои бинты и видит, наконец, свет, что лишь подтверждает мою теорию о его тесной связи с Эдипом. Быть может, это душа героя?

И бочка – это рок и судьба? К бочке цепляются оставленные дочки Эдипа, бочка их тащит, от нее они убегают, а до того другие персонажи пытаются ее катить.

Виктор Добронравов в роли Эдипа весьма убедителен, и создает он характер царя достаточно ровно и цельно. Даже когда сомнения западают в душу Эдипа, тот не переходит в саморефлексию, он склонен действовать, разрушая себя не мыслями, но поступками. Он решителен. Решителен в гневе на провидца, первым рушащим миф о собственной непогрешимости, он решителен, пусть и с оттенком опаски, при воспоминаниях о прошлом, он решителен в расспросах жены, а затем и пастуха. Финальный выход никак не выбивается из канвы: он все так же решительно наказывает себя. Никаких лишних сомнений. Очень последовательный характер. Трудно сказать, что движет им более прочего: клятва найти убийцу Лая или желание быть уверенным в своей честности, правильности, праведности. Наверное, второе – желание быть уверенным в себе любой ценой. Отсюда и сомнения в правильности слов богов, и подозрения к Креонту. Ошибиться может кто угодно, но не Эдип! В сущности, он и не ошибается на свой счет, он просто не сразу узнает о себе правду, а, узнав, возвращает собственную уверенность, пусть и жестким способом. Виктор изображает Эдипа уверенным, но, пожалуй, без самолюбования, достаточно страстным при покушении на его собственную истину, полным неверной надежды и временно спокойным при общении с Иокастой. Думаю, ключевое в изображенном актером характере – честность, в первую очередь, с самим собой. Его Эдип лгать, жить во лжи не смог бы.

Людмила Максакова не играет сверхчеловека, она играет женщину. Ключевое в характере Иокасты – любовь. К мужу, к сгинувшему много лет назад сыну, к погибшему супругу. В ней совсем нет злобы, ненависти, лишь любовь. Она очень по-женски надеется, что ее Эдип остановится, что все будет по-прежнему, даже уже понимая, что произошло. Она все равно не осуждает. Она просто хочет жить. Разве ей не больно от воспоминаний о сыне? Еще как, даже слезы стоят в глазах. Но спасти своего мужа и себя саму ей важнее. Ее финал столь трагичен из-за трагедии супруга, невозможности повернуть время вспять, жить как жили. Поэтому ее черная ворона не отбрасывает крылья, а летит навстречу судьбе.

Евгений Князев – Тиресий. Невозможно сильный старец-провидец. Он близок к простому народу тем, что хочет скрыть правду во благо, но близок к Эдипу тем, что ее раскрывает, заставляет в нее поверить. Свой посох он старается не отдавать, может, чтобы не наслать на Эдипа печальную судьбу? Евгений делает своего героя сильным, духовно и физически. Его недуг, кажется, ему совсем не мешает. Только такой старец может направить Эдипа. Ведь слабость сильный царь никогда не признает.

Эльдар Трамов – Креонт. Самый непонятый мною персонаж. Он ведь не отрицательный. Он несколько мечтатель, и, в сущности, он безобиден. Он даже положителен. Ощущение некоторой духовности должна создать прическа актера, стилизованные под античность одеяния, венок, однако… У Эльдара такое ярко выраженное отрицательное обаяние, от него так веет…порочностью, что в образ в «Царе Эдипе» сложно поверить, от Креонта вполне можно ожидать какой угодно подставы. Так просто при таком раскладе поверить, что Эдип не зря в нем сомневался, было, за что, тем более, что в финале Креонт получает ровно это – власть, пусть на деле к ней не стремится. Понятно, почему Анатолий Шульев нашел в Эльдаре Трамове своего Донжуана, идеальное попадание, но почему Эльдар играет Креонта, я не понимаю. Он играет хорошо, но как-то…диссонирует с этой ролью.

Павел Юдин – воин. Очаровательный комедийный образ охранника-недотепы, и в античности такие были! Чаще забавный, порой скучающий, почти даже ребенок с игрушечной лошадкой и вполне преданный. Таков воин. Без лишних мыслей, без лишних размышлений.

Также на сцене играли: Евгений Косырев (Жрец), Виталийс Семеновс (корифей хора), Олег Форостенко (вестник), Рубен Симонов (пастух), Максим Севриновский (домочадец Эдипа), Екатерина Симонова (крылатая дева), Юрий Цокуров (мальчик), Мария Бердинских и Мария Риваль (дети).


Спектакль увлек, заинтересовал, пусть это вполне классическая история в современных декорациях. История, наверное, вечная: о поиске себя настоящего и о принятии себя настоящего. История о неизбежности судьбы, от которой не уйти, о ничтожности самих попыток. О важности окружающих людей, о необходимости думать о них, ведь Иокаста, дети пострадали из-за поиска себя Эдипом. Я не могу занести «Царь Эдип» в число своих любимых спектаклей, но я получила и эстетическое удовольствие, и удовольствие от сильных актерских работ.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Сб окт 13, 2018 14:06

На этот раз, ссылкой. О концерте Андрея Бирина (артист мюзиклов) 11.10.2018: https://nadezda-karpova.livejournal.com/31327.html

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Вт окт 16, 2018 22:11

"Великолепный рогоносец", Театр имени Моссовета, 13.10.2018

Изображение

Когда я услышала о грядущей постановке «Великолепного рогоносца», то заинтересовалась историей, поскольку было очевидно, что ждет что-то совсем странное, небанальное и неординарное. Так оно и оказалось: зачастую, происходящее на сцене – чистый сюр. Этому ощущению очень способствует классное оформление, где «работает» буквально каждая деталь. Забавно, я совсем не обратила внимание, что в главной роли Павел Деревянко, шла на спектакль, и исполнитель главной роли мне тоже очень понравился.

Концепция спектакля – смесь реальности, в которой живут герои, и вымысла, в который периодически погружается герой Павла Деревянко Бруно. Серьезно стилистически разделены два акта: первый представляет собой очевидное противопоставление действительности и вымысла, когда в действительности все скорее хорошо до розовых соплей, а в вымысле – скорее, нет, а второй представляет собой ад что здесь, что там, где герои многократно пересекают черту, где форменно сходят с ума, и вообще кажется, что так не бывает.

Реальность поначалу вполне реальна: стол, стул, кровать, милые платья и чириканье девушек. Будущий кошмар лишь разово прорывается случайно зашедшим грубым простолюдином, честным в своих порывах, пока еще пугающим. Главная героиня Стелла похожа на куколку с нереально накрашенными ресничками, в коротеньком кукольном платьице, в своей неземной влюбленности, когда все слова буквально только о нем, а счастье просто преувеличенно сильное. Вымысел тоже еще не пугает: Бруно живет в мире счастливых фантазий, и в его голове те же птички, цветочки и много-много ничем не омраченного счастья. Кажется, более положительных героев трудно придумать, а их общение друг с другом, с другими людьми – просто воплощение любви и счастья. Начало жизни, когда все впереди. Безоблачное небо над головой. Они оба влюблены не только друг в друга, но и в само состояние влюбленности.

Вместе с тем, любовь Бруно, как минимум, с самого начала какая-то странная, и проявления этой любви, этого желания похвастаться – это не проявление любви к женщине, а проявление любви к вещи, которой хочется владеть, но совсем не хочется, чтобы на нее покушались иные люди. Развивающаяся ревность к жене – это непонимание и неприятие того, что у нее, оказывается, могут быть собственные и не подчиненные ему – Бруно – чувства, и здесь не важно, какие именно. В сущности, Бруно относится к Стелле одинаково и в первой «светлой» части спектакля, и в «темной» второй. Это отношение к вещи, отношение к неодухотворенному предмету.

Основная и заявленная идея спектакля «любовь – болезнь» здесь читается вполне ясно. Стелла многократно спрашивает: «Ты излечился?», пусть сама она до конца не понимает, что результатом излечения будет хоть и ее свобода, но и конец их отношений. Единственный ее шанс на спасение появляется тогда, когда она заявляет, что перестала любить, а окончательно пропадает она, когда любить не перестает. Сам Бруно «больной» с самого начала: воображаемый друг Эстрюго появляется в первой же сцене, а сам Бруно живет в мире фантазий с самого начала, просто они меняются.

Оформление в спектакле играет очень важную роль, и это тот случай, когда на сцене нет случайных элементов. Аскетичный экран с дверью будто в реальность – отражение мыслей Бруно. Он то наполнен цветами и ягодами, то серый, то красный. Он – состояние героя. Он отражает его мысли, с одной стороны, а с другой – убеждает в верности этих мыслей. Явное отражение самоубеждения. Дверь в реальность далеко не всегда нейтральна, зачастую, она горит красным, будто путь в преисподнюю. Эстрюго – человек в нейтральном светлом костюме, который часто сливается с экраном, на нем часто проецируется картинка, что идет на экран, но в определенный момент этот воображаемый друг становится на окне (или лежащей двери), весь в красном свете, голова и плечи в темноте, точно дьявол.

Бруно сам продает, уничтожает свою любовь. Он сам замазывает Стеллу, и это показано вполне буквально, когда он наносит «маску» на ее лицо. Эта маска исчезает после первой вынужденной измены, будто, поступив по воле мужа, Стелла попыталась спасти и его, и себя, силой своей любви, она снова чиста. Стелла босая все первое действие: босая значит невинная и чистая, и она, испытав все возможные муки, возвращается в это босое состояние в конце спектакля.

Единственным палачом Бруно является он сам, и, разбив стакан в собственной руке, он размазывает кровь по майке ровно там, где сердце. Сам наносит себе рану. Он болен? Да, очевидно, светлая любовь помогала ему прыгать словно зайчику, а такая темная одержимость сажает его в кресло и дает в руки трость.

Стелла во втором действии – познавшая жизнь падшая женщина, которая моментами (чаще, когда речь о муже) вдруг снова та невинная девочка, что была знакома нам в первом акте. Она выглядит порою как ведьма, и нет ничего удивительного, что поющие и пугающие ее люди в масках похожи на инквизицию и чумных докторов одновременно, а ее саму хотят утопить, как это часто случалось с ведьмами: проверка на то, колдунья она или нет.

Финал здесь странен: с одной стороны, есть шанс и надежда на спасение для Стеллы, спасение от извращенной жизни в грубости и простоте, но с другой – шанса нет, ведь, будучи верной своей любви, Стелла в сущности верна своей уже болезни. Стелла в финале оказывается там, где пребывал ее муж с самого начала, и это безумие, наконец, сошлось в одной точке, но два безумия все равно вместе существовать не могут. Странный финал.

Это действительно трагифарс, и созданные характеры такие, каких не бывает. Преувеличенное счастье, переходящее в не менее преувеличенное несчастье. Любовь, которая то ли существует, то ли нет. Одержимость, бесконечная преданность. Какие-то несуществующие чувства. Мы видим героев, когда они уже безумно влюблены, и совсем не ясно, когда же они сошли с ума. Если любовь может быть болезнью, то в какой момент таковой становится? Спектакль не дает ответов, но будто предупреждает: не увлекайтесь ничем слишком сильно, иначе потеряете себя. Как оба этих героев. Бруно сам замазал свою любовь, сам ее продал, сам сделал себя несчастным. А все отчего? От ее силы, которая толкает к действию даже тогда, когда оно не нужно. Стелла сама не захотела спасения, и почему? Тоже от силы чувств. Любовь слепа, она ослепляет.

Павел Деревянко в роли Бруно невероятно хорош. Он начинает рисовать своего героя подчеркнуто светлыми, даже комедийными красками с элементами преувеличения (таких не бывает). Пока любовь еще не перешла границу окончательно, она – источник вдохновения. Но потом… Павел превращает своего героя из здорового и счастливого в умирающего и разваливающегося тирана, явно недостойного любви, но любимого, вот только уже падшей женщиной.

Поначалу герой Деревянко, кажется, мухи не обидит, но постепенно он становится непредсказуем, в нем может вспыхнуть ярость, смешанная со страхом, уверенность, смешанная с сомнением. Он страстный, но лишь в первом акте. Потом… Потом все чувства заменяются рутинным издевательством, изведенный собственными подозрениями герой в кресле и с тростью, и в спасение такого верить уже невозможно. Единственный, кажется, момент, когда можно подумать, что Бруно проснулся – момент, когда герой срывает маску, и кажется, что спасает Стеллу он, наконец, благодаря настоящей любви, а не любви-болезни, но это лишь миг.

Павел чудесно смог сыграть перемену. Он смог быть счастливым до неверия, несчастным до отчаяния, жестоким до отвращения. Безумным до оторопи. Он смог сыграть и привязанность, и зависимость, и одержимость, и веру, и неверие. Он был настоящим. Путь его героя в никуда был притягательно-пугающим.

Единственный момент, небольшой минус – дикция. Не очень спасал даже микрофон-гарнитура. У Павла есть рэп-номер. Он сыгран великолепно: стильно, страстно, отчаянно, но…ни одного слова невозможно разобрать. Но это один маленький минус, который ни в коем случае не делает исполнение роли менее виртуозным.

Юлия Хлынина как Стелла показала не менее разительную перемену, чем Павел в своей роли. Она – сама невинность в первом действии. Она безоблачно счастливая, веселая, сущее дитя. А потом растерянная, отчаянно пытающаяся что-то понять, помочь, спасти. Она и раздавленная, разбитая, но надеющаяся.

Как такое дитя смогло превратиться в доступную женщину, курящую сигары и носящую колготки в клетку? Хищная, смелая, своенравная, резкая. А с другой стороны, стоит ей быть рядом с Бруно, как говорит она тоном той несчастной светлой девочки, что говорит, что не все в ней умерло. Да и дальнейшие ее испытания – испытания той еще не запачканной Стеллы, чистой, мечтательной, влюбленной. Вдруг распутная барышня стала страдалицей, беззащитной, отважной. Ее жалко, на счастье для нее надеешься. А в любовь ее веришь все меньше, и если поначалу скорее Стелла любила, а Бруно был болезненно привязан, то под конец и ее любовь заменяется болезнью. Она постепенно сходит с ума, и это чувствуется уже в ее голосе и интонациях.

Юлия фактически сыграла двух героинь, одну в другой, и это было потрясающе.

Леонид Фомин – Эстрюго. Тот самый воображаемый друг. Он немногословен, он воплощает собой и убеждения, и страхи Бруно. Он смотрит на Бруно, заставляя того посмотреть в лицо тому, чего герой боится. Только реакция иная: Бруно поддается своим страхам, а не борется с ними. Эстрюго – загадка, роль во многом техническая, и сыгранная актером размеренность, спокойствие создают нужное ощущение как от Эстрюго, так и от Бруно. Эстрюго в первом акте лишь в сценах с экраном, но во втором – он уже часть реальности, что говорит о прогрессирующем безумии главного героя, перепутавшего действительность и вымысел.

Татьяна Родионова – Кормилица. Роль не столь уж и большая, это роль – преданность. Кормилица следует за Стеллой везде, и, когда та опускается на дно, в ад, Кормилица идет туда же даже в своем внешнем виде. Вся эта роль – настоящая любовь, жертвенная не отчаянно, но дельно. Любовь-спасение, которое просто не видит Стелла. Если важность роли в первом акте не очевидна, то во втором становится ясно, как Стелла дорога Кормилице, возможно, только ей одной. Актриса безукоризненно играет эту бескорыстную любовь. Единственное настоящее чувство.

Также в ролях заняты: Дмитрий Савкин (Петрюс), Дмитрий Подадаев (Бургомистр), Владимир Андриянов (погонщик), Дмитрий Федоров (Марсель), Анастасия Пронина (Корнелия), Татьяна Храмова (Флоранс), Павел Усачев (жених Флоранс), Михаил Филиппов (пьяница), Антон Аносов (граф), Евгений Ратьков (красавчик).

Это интересный, умный, местами ироничный над универсальной действительностью (те сцены в начале с бургомистром) спектакль, и смешной, и трагичный одновременно. Безукоризненно оформленный (что не всегда встречается), динамичный и захватывающий. Здесь сочетается драматический театр и музыкальные номера, грамотно вплетенные в канву спектакля. Актерские работы в спектакле очень сильные, каждый из актерского состава выкладывается на все сто. Я рекомендую «Рогоносца» каждому, кто прочтет этот мой отзыв. А, еще название… Рогоносец… Самообман, наверное. Никто не обманывает нас сильнее, чем мы сами.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Сб окт 20, 2018 14:07

"Коварство и любовь", Малый драматический театр - театр Европы на сцене Et Cetera в рамках Биеннале театрального искусства, 19.10.2018

Изображение

Мне не удавалось попасть на спектакли МДТ Театра Европы года 3 подряд, ну, то есть, на них я не была никогда, так как на привозимые в рамках «Маски» спектакли невозможно было купить билеты, а если и были гастроли не в ее рамках, то я об этом не знала: тяжеловато отслеживать, что привозят в Москву самые разные театры, так как информация не очень тиражируема и разрозненна. Но сейчас почти случайно о гастролях МДТ я узнала, хотя до последнего не была уверена, что пойду – ценник очень кусался, но в какой-то момент самые дешевые билеты чуть подешевели и вошли в рамки разумного. Благодаря спектаклю «Коварство и любовь» я увидела на сцене, наверное, главного киноактера современности – Данилу Козловского, и это приятно. Хотя шла я, в первую очередь, на спектакль МДТ, и главный их актер в постановке стал, назовем это так, бонусом.

Стол, стул, девушка в белом платье читает книгу. Безмолвие. Вдруг к ней подлетает молодой человек, парочка начинает страстно целоваться и обниматься. Книга забыта. Безмолвие. Времени не существует. Звуков не существует. Только покой и безмолвное счастье. Они улыбаются друг другу, целуются, почти смеются, но не издают ни звука. Они где-то, не здесь. Их счастье любит тишину. Счастье разбивается, когда появляются слова. Совершенно не важно, кто их произносит, важно лишь то, что слова нарушают безмолвие любви. И вот уже пару обсуждают, пусть пара будто за стеклом, не слышит, не видит, а будущее ее уже предопределено. Они застывают, будто в картине «Поцелуй» Франческо Айеца – картина счастья перед расставанием и большим несчастьем. Как и у художника, эта любовь – чувственная и страстная. То есть человеческая, уязвимая.

Черные фигуры отца и его секретаря ткут нить судьбы черно-белого сына, рассуждая о будущем, выгодах, успехах, ничуть не заботясь о чувствах. Любви нет, она им не знакома. Ни отцовская, ни к женщине. Поэтому на сцене нет матери. Лишь отец, он же палач для собственного сына. Любовь сына – она не трогает, может, потому что слишком земная, или эта темная почти всемогущая фигура просто не верит в существование любви как таковой. Отец и сын, они говорят друг с другом с ложным пафосом, будто чужие люди, вынужденные заключать сделку, и лишь изредка сквозь саркастичную холодность сына прорывается страстная и нестабильная его натура.

А на сцене все равно ничего нет…Лишь столы и стулья, приносимые безмолвными чьими-то прислужниками. С явно видимым микрофоном в ухе, они так часто на сцене, и они исполняют чьи-то указания. А еще на заднем плане то ли крест, то ли подобие сооружения-виселицы, которое буквально светится, когда сцена погружается во мрак. Предзнаменование чего-то нехорошего. А еще на сцене есть единственный комедийный персонаж – леди Мильфорд – стареющая любовница некоего всемогущего герцога. Она и сама всемогущая…Возможно. Она ходит по этим столам при помощи этих прислужников, выделывая разные па, будто каждую минуту пытается удержать ускользающую молодость с ее гибкостью и легкостью. Вот только молодости уже почти нет, и она непременно потянет какую-нибудь мышцу, осознав это. Она ходит по столам, будучи, с одной стороны, над двором, обладая властью, но это лишь столы, и власть ее несколько фальшива. Она ходит не сама, ее носят на руках, и стоит ее отпустить – она упадет. Она тоже зависима.

А первый ее разговор – с Фердинандом (сыном) – тоже с ложным пафосом, как предыдущая беседа сына с отцом. То ли ложь, то ли правда, отец и сын слушают ее, сидя на разных сторонах сцены, за столами, не особо веря этой барышне в белом. В белом, но в белом будто нижнем белье, а не белом будто подвенечном платье. Она – женщина – перед мужчинами будто на трибуне, но говорит будто в пустоту. Один ее слушатель черный, другой – черно-белый. Стороны натуры, стороны души. Поэтому Фердинанд, только что страстно целовавший свой Луизу, готов целовать леди, уже одетый больше в черное, чем в белое. Целовать, но говорить о как бы любимой. А леди…Она в белом, вот только под белым платьем черные лосины, будто гнилая душа под маской овечки, которой она лишь хочет казаться. Логично, что эти лосины видно в этот момент: момент почти падения Фердинанда и такой простой слабости все познавшей леди.

А в незапятнанно белом позволено быть лишь Луизе. Лишь она в белом платье, которое не показывает черных лосин, ведь их нет. Она, видимо, здесь ангел. Она и, может, ее мать-старушка – почти бессловесное существо, тенью следующее за черно-белым мужем. У этого ангела есть характер, и она готова спорить и защищаться, например, в сцене импровизированного будто суда, когда по одну сторону Луиза, Фердинанд, ее родители, а судья – отец Фердинанда. Но зачем ее характер, если она все равно покорно следует своей судьбе, споря, кажется, просто из любви к спору. Она более других запутывается в уже плетущихся сами по себе сетях, не веря в даже шанс выбраться, отталкивая саму возможность. Луиза – ангел, от этого она более других склонна к крайностям, и пасть она готова чуть ли не ниже, чем все остальные.

От ложного пафоса речей героев, от картинной любви первой части спектакля почти все переходят в страстное отчаяние, и слезы – они застывают в глазах женщин, а безумие накрывает мужчин. Каждый очень увлечен собой и своими страданиями. В чем их трагедия? Они не слышат! Не слышат никого, кроме себя, не слышат – и не хотят слышать – друг друга. Спектакль явно содержит отсылки к Ромео и Джульетте, и вот уже еще живые Фердинанд и Луиза лежат на столах будто в склепе, и рядом нож. Только Ромео и Джульетта были жертвами абсурдно сложившихся обстоятельств, а герои «Коварства и любви» создают абсурд собственными руками. Они анти-Ромео и анти-Джульетта. Герои Шекспира хотят сбежать и спастись, а эти герои от спасения шарахаются как от чумы, будто страдания – их единственная цель, а вовсе не счастье.

Герои не слышат друг друга. Наверное, это главное, это – ключевое. Единственное их счастье было в безмолвии и тишине начала спектакля. Но стоило прозвучать словам, счастье рухнуло. Луиза не хочет слушать Фердинанда, а Фердинанд не хочет слушать Луизу, когда каждый из них – спасение для второго. Они действуют, по слепому убеждению, и, может, клянут судьбу, но создают ее сами. Финальные сцены – свечи будто в склепе, а потом – будто на мрачном средневековом пиршестве, и «лимонад». Он красный, будто кровь, и, конечно, ему суждено пролиться и испачкать и белизну скатертей, и одеяния героев.

Черное, белое, черно-белое. Женщины в белом, мужчины в черном. Тишина, прерываемая словами, лишь изредка – в комедийных сценах – тихая музыка. Все это – крайности. Тишина – крайность. Крик – крайность. И ничего, совсем ничего уравновешенного. Женщины и мужчины будто с разных планет. Их тянет друг к другу, но конкретно здесь они друг друга не слышат, не замечают. А просто слова, не выворачивающие душу наизнанку, не с надрывом, но спокойные, могли бы спасти. Но так здесь никто не говорит.

Данила Козловский проводит своего Фердинанда сложным путем, но только не к спасению, а к гибели. Он делает Фердинанда саркастичным и даже чуть самоуверенным в первой части спектакля, но даже в еще спокойной части сквозь маску презрения к чьим-то словам и чьему-то мнению прорывается отчаяние и страсть – те два чувства, которые поведут Фердинанда во второй части.

Козловский делает героя привлекательным и даже симпатичным вначале, даже с налетом легкомыслия, но дальше страстная и отчаянная борьба героя за свою цель превращается в наваждение, и, находящийся все время на взводе герой уже, скорее, пугает. Думаю, у Козловского-Фердинанда цель подменяет в какой-то момент любовь, а письмо Луизы – оно порождает сбой на пути к цели, и просыпается не столько ревность, сколько недовольство и личная оскорбленность. Цель у него – всего лишь чтобы все было так, как нужно ему. Как – не важно, но по его воле, в сущности, он жуткий эгоист. Финальный его жестокий выход, в некоторой мере, тоже достижение цели, просто потом происходит ее подмена, и слезы на его глазах – слезы разочарования, что все было зря.

Данила Козловский в спектакле и привлекательный, и отталкивающий, и здравомыслящий, и безумец, и любящий, и ненавидящий. Иногда по очереди, иногда – одновременно. В конечном счете, он играет сходящего с ума героя, чье спокойствие наводит ужас чуть ли не больше, чем взрывы гнева или страсти.

Екатерина Тарасова – Луиза. Девушка в белом платье, слабый ангел в этих сетях. Екатерина наделяет своего ангела сильным и дерзким характером, который каждую минуту пытается бороться с обстоятельствами, но это борьба ради борьбы, ведь Луиза каждую минуту подчиняется. Актриса играет любовь, но любовь странную, совсем не жертвенную, как можно было бы подумать, а какую-то…безнадежную. Будто Луиза сама себе вынесла приговор, и сама себя решила наказать. Страдание ради страдания, мученичество ради мученичества. Но это все равно самообман, глупость, ведь она не возвышенная, пусть и чистая, и любовь ее вполне земная и чувственная. Кажется, что девушка запутывается, с каждой минутой все сильнее, будто даже не в сети попала, а в зыбучие пески, она то борется, то сдается.

Екатерина-Луиза позволяет себя мучить, и пусть во второй части ее глаза будто воспаленные от слез, она этого мучения хочет. Она не жертвует собой ради любви, она непонятно что творит. Ей ее Фердинанд даже и не нужен. Может, ей надо в прошлое вернуться, в спасительную тишину? Как и ему… Они с Фердинандом будто впервые узнают друг друга и друг друга даже боятся, потому что полюбили не таких возлюбленных.

Этот ангел… она все равно эгоистично думает о себе, в первую очередь, как и он, и в этом плане их любовь – любовь незрелых подростков, чувство сильное, но, возможно, не очень настоящее. Данила Козловский и Екатерина Тарасова очень убедительны в первых страстных сценах, очень убедительны в любовном взаимодействии, и убедительными они остаются и во взаимодействии-противоборстве в финале, где оба, кажется, уже чуть не в себе. Оба переходят от любви к другому к любви к себе, к заботе о собственном, может, фальшивом чувстве, будь то вера в мученичество (у нее) или вера в цель и собственную волю (у него). А любовь как таковая пропадает, испаряется, ее нет, может, и не было.

Ксения Раппопорт играет единственную комедийную роль – леди Мильфорд. Она умудряется быть одновременно женственной и грубой, одновременно невинной и порочной. Она смешная, но мудрая. А еще…в ней будто давно умерли все чувства, в отличие от пары главных героев, в которых чувства только проснулись. Она их не ненавидит за их дерзость, но завидует им, что они чувствовать еще способны.

Ксения просто филигранно создает образ: вместо матери-наставницы перед нами, скорее, сторонняя наблюдательница, которой даже и не хочется вмешиваться в происходящее. Ее интонации, ее движения… В них столько иронии, юмора и, одновременно, усталости от этого мира. Актриса умудряется сыграть фальшивость героини, не позволяя фальши себе самой. Конечно, ее леди не может убедить никого и никогда, она играет, а ей подыгрывают. Эта роль почти не влияет на происходящее, но она дает разрядку повышающемуся напряжению спектакля, своей легкостью она сбивает излишнюю серьезность, и такая она необходима.

Игорь Иванов – человек в черном, президент фон Вальтер. Актер не играет дьявола, он играет человека, погрязшего в собственных интригах, оттого почти совсем потерявший светлое в своей натуре. Однако немного белого есть даже на нем, не поэтому ли он отпускает Фердинанда в конце?.. Я не упомянула бы эту роль и образ, если бы не неподражаемый бессловесный диалог с леди в ряде сцен, очень живая реакция на происходящее, что показывает президента не просто жестоким интриганом, но и тоже слабым перед кем-то человеком. Любви в нем нет, наверное, и человеческого почти ничего тоже. Кроме этой слабости и страха перед сильными мира сего.

Также заняты в постановке: Игорь Черневич (Вурм), Сергей Курышев (учитель музыки), Татьяна Шестакова (жена учителя).

Мне понравилось лаконичное оформление спектакля, где нет не просто ничего лишнего, а почти ничего нет: только столы, стулья, скатерти, свечи, а актеры все в черном и белом. Тем не менее, этого более чем достаточно, чтобы донести мысль и рассказать историю. Минимализм здесь не цель, но средство, более чем хорошо использованное в постановке. Такому искусству сделать классный спектакль минимумом средств нужно учиться. Мне понравились актерские работы, будь они чуть слабее, все рухнуло бы. Здесь есть пространство, где играть, но в то же время все удивительно на своем месте, и жесты, движения – значат. А еще спектакль совсем не затянут, он недолог, а я последнее время стала ценить такие постановки. Наверное, мне даже не с чем сравнить, где еще постановка была бы сопоставима по стилю. Мне однозначно понравилось.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Пт окт 26, 2018 20:56

"Молоко", Гоголь-центр, 24.10.2018

Изображение

Думаю, подобное спектаклю Гоголь-центра «Молоко» я видела лишь однажды, и была это постановка Театра.doc. Современная драматургия, рассказанная современным языком с современными же и узнаваемыми героями – вот он, новый театр. Театр молодых, смелых, рассматривающих грани нашей жизни, этой реальности, ставящих вопросы и ищущих ответы.

На первый взгляд, сюжет несколько абсурден, отличается эпизодичностью, но это лишь первое впечатление. Спектакль цельный, и все эти отдельные эпизоды с самыми разными и множественными героями складываются в единую картину. Кроме того, все эпизоды достаточно внятно и читаемо доносят основную мысль спектакля, а главная героиня действительно является связующим звеном между ними. Перемещаясь от одних героев к другим, зритель начинает понимать, что есть общего у персонажей спектакля, пусть они разные до невозможности.

Спектакль сопровождается комментариями какого-то молодого актера около микрофона, который поясняет, где происходит действие, и что происходит на сцене. Интересно, что актеры достаточно редко исполняют то действие, которое произносит «голос за кадром», будто сценарий жизни где-то есть, но люди далеко не всегда склонны ему следовать. Комментарии происходящего часто воспринимаются мною как слабость, невозможность донести мысль иными художественными приемами, но здесь они вписаны в происходящее вполне органично, а парень и вовсе становится одним из героев этой странной истории, чем многое объясняет. Обращает внимание и то, что комментарии часто достаточно сухие, хотя произносятся актером не сухо, и создают кинематографичное впечатление: будто надписи на экране при смене места действия, а также краткая первая сцена до начала действия основного.

Все начинается с появления пингвинов. Да-да, именно пингвинов притаскивает домой любимый человек главной героини Зои. Он поясняет это тем, что им плохо в неволе, а от Зои требует бросить работу ради ухода за этими птицами. В принципе, уже в этом первом эпизоде становится более-менее видна идея. Сережа ведет себя совсем как ребенок: капризы, страстное доказывание чего-то сомнительно важного, совершенно невинный в своей бездумности эгоизм, искренняя эмоциональность. Будто на контрасте с мужем Зоя тихая, спокойная «серая мышка», которых миллионы в любом большом городе, и она пытается разговаривать с этим большим ребенком, что бесполезно. Мужчины – как дети. Зато пингвины почти как взрослые. Пингвины, кстати, представлены с иронией и со вкусом: это не просто на полном серьезе переодетые в костюмы актеры, а, пусть и в костюмах, но ведущие себя по-человечески герои (один в очках и с бородой), живо реагирующие на происходящее и будто потешающиеся над восторженным большим ребенком Сережей.

В продолжение этого ежедневного абсурда Зоя – повар – устраивается в школу психологом, будучи симпатичной строгой самодуру-директрисе. И теперь уже здесь героиня оказывается окружена множеством людей с кучей странностей. Объединяет этих людей одно – роль матери в их жизни. Недолюбленные, брошенные, не знавшие любви, просто сами забывшие: все эти окружающие Зою мужчины имеют рану на душе одинакового происхождения. Все их странности – от отсутствия матери. Все они словно дети, все они несамостоятельны, пусть их странности проявляются по-разному: недотепа-муж, сложный подросток-зацепер, врачи-эксбиционисты, военный, мучающий экспериментами и дисциплиной собственную дочь.

И … молоко. Муж многократно упрекает Зою, что та не купила молоко, и молоко начинает течь из нее самой. Зоя, до того просто серая мышка, превращается практически во всеобщую мать, исцеляя каждого, кто пробует ее молоко. Что такое их исцеление? Они взрослеют… Но они не просто взрослеют, они еще и забывают. Забывают ее. Фактически из Зои мужчины – самые разные – высасывают все жизненные силы вместе с ее молоком, они как бы поедают ее, и забывают или о ней, или о ее роли в их жизни. Как Сережа забыл в свое время о собственной матери, отдавшей ему всю себя.

Интересно, что Зоя сама – не мать, детей у нее нет, но она жертвует собой ради мужчин, сначала неосознанно, а потом вполне конкретно, становясь не просто всеобщей матерью, но почти мученицей, уже не сопротивляясь, а стремясь спасать других ценой себя. Она слышит ночами плач мальчиков – этих детей-мужчин, которых ей нужно спасти. Интересно, что в спектакле функцию спасительниц выполняют исключительно женщины: школьница Таня спасает ежедневно своего отца ценой своего спокойствия и счастья, директриса спасает своего недотепу-мужа, следуя за его навязчивыми идеями, еще одна почти безымянная героиня спасает паренька-зацепера, и каждая из них, как и Зоя, жертвует ради этих раненых мужчин частью себя, совсем не получая ничего взамен.

Важно и финальное купание в молоке Комара – именно так зовут закадрового героя, который далеко не сразу становится частью действия. Герой сначала сопротивляется выливаемому на него молоку, потом приспосабливается, потом с жадностью пытается его пить и…все заканчивается. Это выглядит как демонстрация того, что слишком много молока – материнского молока – плохо. Потому что здесь молоко – синоним материнской женской заботы. Излишняя забота, удушающая забота губит, а не спасает, везде нужна норма и мера. Интересно, кстати, что Комара в какой-то момент начинает видеть Зоя, и только она.

Невозможно не остановиться, не отметить яркие образы всех без исключения персонажей: они будто взяты из жизни и рассмотрены под увеличительным стеклом, а поведение их препарировано, будто проведен эксперимент. Директриса школы представлена с типичнейшей прической-каре, в привычном деловом стиле, с идеально срисованными будто с натуры интонациями в командном голосе. Парень-зацепер Саша – бунтарь, провокатор, задира. Девушка Таня – пацанка с короткой стрижкой и местами крашеными локонами, в спортивном стиле, чуть заикающаяся, ее отец – просто военный, четкий и строгий, живущий по уставу и превращающий в армию жизнь дочери. Все узнаваемы. Все, вроде бы, нормальные, но зияющая рана в груди есть у каждого, и каждому нужна та самая всеобщая мать, которой волею автора пьесы оказывается простая девушка Зоя.

Так что спектакль – о роли женщины в современном, часто незрелом, обществе. О том, что каждая отдает часть себя ради других, и эти другие не замечают… О том, как важна материнская любовь для человека любого возраста, и о том, что нужна мера. О том, как важно ценить то, что принимаешь, ведь для отдающего это – часть их самих, как для Зои. Молоко – часть женщины, и Зоя кормит собой окружающих, убивая саму себя и физически, и как личность.

Отмечу отличное оформление. Оно достаточно аскетичное: куча дверей, реквизит выносят сами актеры, герои одеты в обычную повседневную одежду. Но атмосферу отлично создает продуманный свет, например, атмосферу крыши ночной электрички, комментарии Комара и минимум вещей – стулья, матрасы, ванна. А еще вытянутые светильники, поначалу, накрытые пленкой, но которую актеры медленно снимают, когда у Зои появляется молоко. Потому что светильники – будто струи этого самого молока. Визуализация ее состояния. Интересный элемент – женщина в тени, плетущая что-то спицами. Как шарф Шурика. Как мечта или воспоминание о матери. Она плетет шарф, который он потерял, то есть и она сама, и эта вещь в ее руках – потеря для этого мальчишки, который находит шарф в руках другой девушки. А, может, эта женщина плетет судьбы героев на сцене? Заставляет Зою быть всеобщей матерью? Не знаю, до конца не поняла.

Ирина Теплухова исполняет роль Зои очень по-настоящему, почти даже и не театрально. Ее героиня – неслышная, тихая, незаметная, скромная. Она уступает, слушает, помогает, хотя ее саму никто не слышит. Такой девушке легко поверить в собственную миссию и легко жертвовать собой, потому что в ней самой будто живет чувство малозначимости своей собственной личности. Она – главная героиня, но она и невидима, она человек, и уже не совсем, а к финалу она становится почти бесплотным духом – ее всю высосали до последней капли. Она говорит столь тихо, что почти не слышно, но влияет на происходящее очень сильно.

Сергей Галахов – Сережа, и он цепляет переходом от игры в типичного ребенка, с переигрыванием, показным чуть ли не надуванием губок к взрослому поведению только что осознавшего себя человека, способного на взрослые решения, способного на принятие ответственности. Интересно, кстати, что такой взрослый не остается рядом с Зоей, исцелившись, он не нуждается во всеобщей матери.

Никита Еленев – Шурик. Бунтарь с раненым сердцем. Он может быть вызывающим, но может быть и трогательно-беззащитным, или совсем по-подростковому он может пытаться красоваться перед девушкой. Никите удалось сыграть юность с ее перепадами настроения и желанием заявить о себе и своем «я». А как у него горели глаза, когда он будто ехал на крыше электрички!.. Это надо было видеть.

Полина Пушкарук делает свою Таню испуганным и неуверенным в себе существом, оттого выпускающим иголки в разные стороны. С другой стороны, Таня – девушка нежная и трогательная, отчаянно мечтающая о человеческом тепле. Незрелый еще характер, только формирующийся. Актриса прекрасно играет первую любовь на фоне поисков себя и тоже взросления.

Андрей Болсунов играет отца Тани – безымянного военного, и эта роль выпукла и интересна своей узнаваемостью: строгий тон, дисциплина, и, в то же время, в этом военном с картинки есть человеческая беззаветная любовь к дочери – единственному сокровищу, что делает образ живым.

Андрей Ребенков и Сергей Муравьев создают комедийные образы – это врачи-эксбиционисты, а еще и пингвины. Хочется отдельно обратить внимание, как актерам удается без слов создать характер северных птиц, показать их диалог или целую речь про Сережу и Зою. А в образах врачей они забавны и трогательны, опять же, как большие дети. Забавно, что повернутые на всю голову здесь врачи, а один из них еще и психолог.

Ирина Рудницкая – директриса, и ее прелесть в том же почти, что и у Андрея Болсунова. Яркий характерный образ, над которым улыбаешься, сменяющейся почти трагедией жизни с беспомощным мужчиной-ребенком. Уверенная директриса оказывается женщиной на грани нервного срыва или уже сорвавшейся. У нее есть дом, но в нем нет спокойствия.

Артем Немов – Комар, он же ведущий всего спектакля. Азартный, озорной, заинтересованный и трагичный в один-единственный эпизод омовения в молоке.

Юлия Гоманюк – женщина в черном. Она – еще одна жертвенная мать, и иронично, что с этой героиней сталкивается Зоя. Юлия создает именно жертвенный образ, с одной стороны, ее героиня – спокойная, даже саркастичная, даже жестокая, а с другой – несчастливая, любящая и страдающая от невозможности реально помочь тому, кого она любит.

Спектакль оказался очень сильным. Авторы точно знали, что делали и зачем. Символика, мысль и идея – все считывается, доходит до зрителя. Сам спектакль если и проходит не на одном дыхании, то все же захватывает, и все два часа интересно, что взгляд от сцены оторвать нельзя. Совершенно точно, если нужна современная драматургия, да что там, современный театр – это в Гоголь-центр.

Miliuna
Аватара пользователя
Добрый Модератор
Сообщения: 2160
Зарегистрирован: Ср ноя 26, 2008 20:06
Откуда: Москва
Gender:

Re: Самые разные события: театр, концерты, шоу и т.п.

Сообщение Miliuna » Чт ноя 15, 2018 00:05

"350 Сентрал-парк Вест, New York, NY 10025", МХТ им. Чехова, 30.10.2018

Изображение

Снова я добираюсь до написания отзыва, когда впечатления уже вполне отстоялись. На этот раз про «350 Сентрал-Парк Вест, New York, NY 10025», прямо скажем, название не запоминаемое. Во многом, ввиду его обыкновенности: всего лишь адрес. Но и сама постановка, пьеса об этом – о безумии обычных отношений, о безумии обычной и даже обыденной жизни, о том, чего мы просто не замечаем. Такой шанс посмотреть со стороны.

Особенностью спектакля становится место действия в прямом смысле слова. Малая сцена МХТ трансформируется: ряды стоят по обе стороны сцены, и все действие происходит уже не на возвышении, отделяющем зрителя от актеров, а, напротив, в углублении, и мы смотрим вниз, а не наверх. Актеры рядом. Очевидная попытка приблизить спектакль о повседневности к зрителю, показать жизнь на расстоянии вытянутой руки. Честно говоря, не могу назвать такую попытку удачной: половину происходящего просто не видно, и не очень хорошо слышно, а сама любопытная идея не очень раскрывается в спектакле. Приближения не получилось, и, хотя бы для удобства зрителя, происходящее стоило оставить на традиционной сцене.

О чем спектакль? Обо всем и не о чем одновременно. Просто любовный многоугольник с участием отчасти жизненных, отчасти чуть карикатурных персонажей. В сущности, большая часть – это рассуждения на диване, и минимальные декорации, состоящие из диванов и кофемашины, вовсе способны создать ощущение, что мы на записи передачи «Пусть говорят», просто Малахов куда-то вышел, и герои продолжают выяснение отношений уже самостоятельно и самозабвенно. Впрочем, выяснение отношений здесь довольно ленивое: все довольно спокойно и почти без рукоприкладства и отчаянных монологов на разрыв аорты. Скорее, рассуждение, почему и как, почти как у психоаналитика, думаю (а ведь одна из героинь – врач именно этой специальности). Такое препарирование отношений. Примечательно, что выбранные семьи – внешне благополучные и даже счастливые, и даже их скелеты в шкафу не вызывают эмоционального взрыва или реальной драмы. Трагикомедия, и то не слишком смешная. Очень спокойная обстановка, что бы не происходило.

Отметить хочется еще такой момент: происходящее – именно один единственный день из жизни семей, не лучше и не хуже остальных. Он как-то начался, привел к открытиям и откровениям, но закончится так же, как и вчерашний, а жизнь непременно вернется в свое русло. Почему-то в этом не сомневаешься ни на мгновение. Слишком монотонно происходящее. Слишком оно обычно поначалу и слишком абсурдно ближе к финалу. И любовь, и ненависть – маленькое приключение скучающего среднего класса, данные представители которого давно забыли, что такое чувствовать и как чего-то желать. То есть умом они понимают, но давно уже ничего не ощущают.

Любопытный момент: некоторое противопоставление неограненной молодости и блистательной зрелости. В роли молодой героини здесь актер-мужчина, и это будто подчеркивает, что в своей юности очень многие были не столь красивы и привлекательны, чем позднее, но молодость все равно влечет, и не всегда понятно даже, почему, а это лишь природа. В молодости есть наивность и вера в чудеса и будущее. Конечно, в этом спектакле это передано комедийно, но передано. Молодая героиня еще чего-то желает по-настоящему и искренне, еще к чему-то стремится, тогда как остальные уже пресыщены этой жизнью, и им лениво даже ненавидеть. А если вдруг спокойные зрелые люди вдруг проявляют эмоции, часто это смотрится несерьезно и даже смешно, и этот мотив здесь тоже есть – в финале для каждого из мужчин. Так можно сказать именно о показанном случае сухости и безразличия, когда и эмоции – для галочки. Думаю, так.

Когда откуда-то из-за рядов раздался голос Марины Зудиной, я подумала, насколько правдоподобно она играет. Таково было мое первое впечатление. Впрочем, играть ей особо нечего. Ее героиня – воплощение холодного сарказма, которая почти с одинаковым выражением говорит про кофе и про то, что ее подруга спит с ее мужем. Ее образ – уставшее и пресыщенное смирение. Она не злится и не скандалит. Ее устраивает ее жизнь, и, в сущности, ее муж – лишь приложение к этой жизни, кажется, не слишком обязательное. Иронично, что героиня – психоаналитик, и именно она оказывается обманутой (или не оказывается, а лишь исследует?). К сожалению, актрису было очень плохо слышно, приходилось напрягаться, чтобы понять ее реплики.

Александра Ребенок предстает в почти кукольном по поведению образе. Если Зудина играет успешную карьеристку, чуть свысока смотрящую на мир, то Александра – избалованную барышню, у которой все есть, и которая не знает, чего захотеть. Например, хочет чувствовать. Почему нет… Вместе с тем, она весьма фальшивая в этой блестящей обертке хрупкой женщины. Она как никто живет в мире и ради своего комфорта. Скучающая, формальная и пустая. Александра воплощает образ, стереотип, пусть живо, но все же. Как и героиня Зудиной, героиня Ребенок не отличается глубиной, и она тоже эскиз, как и кто угодно здесь. Ей можно придумать любую мотивацию, любые переживания – было бы желание.

Игорь Верник в маленькой и довольно живой роли стареющего плейбоя. Давно устал от сарказма жены, но, без сомнения, сам виноват в таком ее отношении. Привык к суррогату любви, готов переступить через кого угодно, но не готов принять, когда с ним поступают аналогично. Не готов принять свои недостатки, пусть даже это всего лишь возраст. А еще Игорь играет героя, воплощающего усталость и скуку размеренной успешной жизни. Потому и ищет эмоции и приключения. Тоже по-своему стереотип.

Андрей Бурковский воплощает одновременно и самый забавный (внешне), и самый нудный (по замыслу) образ спектакля. Его герой – скучный уже хотя бы по внешнему виду персонаж с вечно замявшимся пиджаком, не испытывающий никаких эмоций и переживаний, тоже усталый, живущий маленькими событиями, пусть и как-то дежурно. Злится ли он на жену? А не ясно. Он никак эмоции не проявляет. Будто знает, что все вернется на свои места. А еще он почему-то пугает. Это как: «Бойтесь гнева тихого человека». Вот про него. Он с невозмутимым видом может начать провоцировать куда более активных героев и наслаждаться реакцией, манипулятор. Ради галочки и потому что так положено, может полезть в драку. Если героиня Марины Зудиной саркастически озвучивает абсурд происходящего, то герой Бурковского его воплощает.

Евгений Перевалов в роли юной барышни – зачем это нужно?.. Ведомый, на самом деле образ, хотя героиня имеет свое мнение и не поддается влиянию, чем отличается от взрослой конкурентки. Ну, или поддается, но другому. На этом примере можно увидеть и разницу в приоритетах. Успешность и стабильность порождают потребность в эмоциях, а начало жизни – в успешности и стабильности, в сбыче мечт. Да, молодость может унести в эмоции, но на природном уровне, а не из-за разумной потребности. Зачем героиня стареющему плейбою? Помощь в его взрослении путем заботы и юном человеке? Или, как я предположила выше, просто привлекательность юности? Не знаю. Конечно, решение с мужчиной в этой роли забавно, но смысла до конца я не уловила. Слепота в стремлении к чему-то у героя Верника? Желание чего-то совсем нового и экзотичного, когда все есть? Не знаю.

В сущности, я так и не поняла, зачем этот спектакль. Наверное, посмотреть на себя со стороны, или показать, что уж если жизнь вошла в определённое русло, то изменить его могут лишь очень особенные события. И не всегда что-то менять, в принципе, нужно. Как комедия, спектакль не очень сложился: можно посмеяться над определенными саркастичными репликами героини Марины Зудиной, немного над некоторыми образами, но все же, в целом, постановка не для смеха. Но и не драма это. Скорее, зарисовка, удивление современности. Удивление тому, как спокойная сытая жизнь уничтожает возможность испытывать эмоции: и плохие, и хорошие, и эмоции заменяет суррогат – дешевые приключения. Не могу сказать, что я в восторге. Спектакль хорошего уровня, но не войдет в число моих любимых.

Ответить

Вернуться в «Концерты/Выставки/Клубы/Бары»